2007/10/31

Taxi Driver(1976)-(台譯:計程車司機)觀後感

劇情簡介:
剛從越南戰場歸來的崔維斯(Robert De Niro飾演)無法適應紐約的夜晚,患有嚴重失眠症,在紐約市以開夜班計程車維生,夜夜目睹著這個城市的骯髒和人們的罪惡。

崔維斯是一個對社會適應不良的男子,平時喜歡看色情電影,卻又對城市中的墮落與罪惡深惡痛絕。正在崔維斯百無聊賴的時候,一位名叫貝茜的姑娘步入他的眼簾。在他看來,貝茜與眾不同,簡直就是天使的化身。他試圖追求總統候選人參議員哈瑞斯的助選人員貝茜,卻在第一次約會時帶她去看色情電影,貝茜從此不肯再理他。但由於兩人之間差距過大,特拉維斯的感情很快以失敗告終。同時,崔維斯結識了雛妓艾瑞絲(Jodie Foster飾演),想要幫助她脫離皮條客和情人的掌控,勸她回家繼續學業,但卻徒勞無功。
  
經歷失戀痛苦的崔維斯感到了失落和迷茫,在繼續著自己苦悶無聊的生活的同時,他決定用行動來證明自己的意義。崔維斯從黑市商人手中買槍,並開始努力鍛煉。在準備刺殺哈瑞斯的時過程中,他又遇到了雛妓艾瑞絲,並決定幫她逃離淫窩。當未能刺殺哈瑞斯之後,崔維斯來到艾瑞絲所處的妓院,將老鴇、房東以及嫖客一一打死,自己也身受重傷。

在媒界的宣傳下,原本準備一死了之的崔維斯卻成了拯救雛妓的英雄,他的事蹟成為紐約的新聞。痊癒後的一天,特拉維斯發現貝茜走進他的出租汽車,但這次他拒絕了貝茜的好感,像以往一樣消失在紐約燈紅酒綠的街頭。

觀後感:
近幾年來台灣的新聞事件比任何電影都來得精采,充斥著各式各樣種腥羶色的社會案件,荒謬、瘋狂、弔詭、可笑、無知的事情,幾乎每天出現在各新聞的頭條報導,讓人不經懷疑其社會的素質和體制的病態,是否政府的無能和貪腐導致百姓的生活已經變了調,這個讓人疼惜的土地,而這塊土地叫台灣(很多人不敢說出台灣兩個字),以逐漸被政客賤踏成沒有憐惜的髒泥沼,大家聞之色變的對台灣產生莫名的意識形態,這對喊破喉嚨也要民主要自由的老百姓公平嗎? 而媒體更成了令人作噁的政客操弄曝光率的工具,高喊為人民為台灣,鬼也知道都是為了你們自己吧!請停止這樣無聊的口水把戲,人民更要眼睛放亮點,不要被穿著西裝的小丑給騙了,台灣人不是花痴更不是笨蛋。

總在選舉前這樣敏感的時機,老是發生讓好萊屋劇本家都寫不出如此迂迴路轉的劇本,卻真實發生在台灣這塊小小的土地上,實在讓人匪夷所思,而講那麼多,的確讓人有點厭煩社會中的黑暗面,剛好跟本片有某種層面上的呼應。

內心情感無處可訴的「情慾孤獨」,字句無法溝通的「語言孤獨」,理想未竟的「革命孤獨」,壓迫人性所造成的「暴力孤獨」,哲思考者不為人了解的「思維孤獨」,世代價值交替所造成的「倫理孤獨」;這些都是現代人時時面臨的孤獨處境。最近剛好看了蔣勳的《孤獨六講》,深入討論這六種存在於當代社會的孤獨議題,而剛好可以跟本片一起討論,片中的崔維斯的幾乎都符合蔣勳的《孤獨六講》,從越戰結束後回到紐約,這是美國上下頗為尷尬迷茫的時期,越戰的失利使得很多普通人開始對國家政治和“美國精神”產生懷疑。人們無法彼此信任,社會的隔膜逐漸明顯。而在紐約這座以繁華著稱的大都市里,孤獨和空虛更顯著地籠罩著以“現代”標明的每一個個體。電影的主人公特拉維斯,一個越戰的參加者,一個來自異鄉的過客,在這座城市中就顯得格外困惑與悲涼。工作使特拉維斯每天都經歷著紐約的墮落,在他眼中,城市裏的暗娼、吸毒者、黑社會都如同道邊成堆的垃圾一樣,污濁不堪,但對此他也只能像大多數人一樣採取麻木不仁的態度,平淡地延續乏味的生活。孤獨其實並不可怕,這些孤獨造就了社會裡「特立獨行」的個體,他們不因群體價值而妥協、誠實地面對自己的孤獨,而給予社會創發新意的可能。珍視孤獨感產生的瞬間,當我們與孤獨共處,我們將更瞭解自己。

《計程車司機》應該是導演Martin Scorsese最具里程碑意義的一部作品,拋棄它所獲得的眾多榮譽不說,影片所蘊涵的現實意義和深刻思想足以被列為世界百年電影中的極品,更是所謂的cult film中的經典,Robert De Niro在片中演活了不得志而又憤世疾俗的平凡計程車司機,可以感到他在生活上的無力感和想盡力改變的力量。片中造型更人印象深刻,一個慘白的青年,穿著無袖T恤和緊身AB褲,而頭頂著Mohican頭,這個你或許不太熟悉的髮型其實就是一般人所稱”龐克頭”或者”羅馬戰士頭”,這一種眾所皆知兩邊頭髮剃光將中間頭髮豎起並染上奇異顏色的Mohican髮型,加上一副詭異雷朋大眼鏡,歇斯底里拿著槍枝對著的鏡子的自己,口中念念有詞說著:are u talking to me?哇!此一經典對白,更讓本片成為次文化的經典。

Martin Scorses通過黑暗的影調構築了紐約繁華卻冷漠的氣氛,多次對崔維斯的眼部特寫更突出了城市中人的孤寂與悲涼。儘管目睹著紐約的一切罪惡,寂寞的崔維斯還是渴望著被它接納,並從中尋覓到真誠的友誼和異性的愛情,但現實一再的拒絕卻使他只能在心靈的荒漠中繼續孤獨地行走。潛在的暴力因為在刺殺不到候選總統而爆發,結果沒成功,反而使他成了英雄,救了艾瑞絲離開皮肉生涯。

暴力美學這個名詞,充滿著隨機性、非傳統定律,更是充滿危險性,讓美學在非正常狀態下達到美的定義,或許有種弔詭和矛盾的說法,但說到美,哪何謂美?櫻花飄落畫面,美。水墨渲染畫面,美。夕陽西下昏黃日光撲灑著大地最後時刻,更是美。這些都可稱的上人們心中簡單美的定義。但如果是利刃劃過細嫩的脖子間,鮮血如溫泉出口般緩緩冒出,沾濕了衣服間,更將顫抖的身體染紅,而身體最後支撐不住而到下,讓生命在這一刻停滯,如此美妙的畫面卻常帶給人們血腥、暴力的評語,難道這就不美嗎?或許美的定義是見仁見智的說法,但不能否認本片Robert De Niro躺在血泊中,用沾滿污穢髒血的左手比出手槍姿勢,指著自己的腦袋,血在他的手裏滴著,一聲一聲似是叫人向自己的腦袋轟幾槍,如此美妙的畫面你是否能感受到?


2007/10/29

A Clockwork Orange(1971)-(台譯:發條橘子)觀後感

劇情簡介:
影片以第一人稱的形式講述了一個名叫ALEX的少年犯的故事。在不遠的未來社會裡,幾個充滿暴力傾向的少年在ALEX率領自己的率領下到處尋歡作樂,在痛打一流浪漢後,他們找到一群欲強姦一少女的流氓,為報私怨大打出手。一場惡戰後,ALEX和同夥駕車飛馳,在馬路上肆意地逆行。郊外的一處寓所,ALEX以發生交通事故為由向這裡的戶主作家亞歷山大夫婦借用電話,當門打開時,他們就戴著面具衝入屋內,毆打作家,輪姦作家的妻子。在瘋狂的發洩完暴力與性慾後,他們才回家休息。

第二天,ALEX痛打對自己不忠的手下,從而確立了自己老大的地位。晚上他們就又一起準備以相同的方法進入富婆"貓夫人"家中,不料"貓夫人"早有防範,不但沒有開門,還在阿歷克斯離開後給員警通了電話。ALEX由窗戶進入"貓夫人"的寢室,兩人展開搏鬥,ALEX失手將"貓夫人"打死。當他慌忙逃出貓夫人的公寓時,卻被手下報復而當場擊昏,最後被趕來的員警逮捕。

ALEX以殺人罪被判入獄14年,為了縮短行期,ALEX自告奮勇,願意把自己當作小白鼠一樣送去為一項叫做"厭惡療法"的充當實驗品。療法很簡單:在注射某種藥物後,醫生們就讓ALEX目不轉睛地觀看各種令人髮指的色情、暴力影片,以使其對色情暴力在生理上產生條件反射式的噁心。但最令ALEX無法忍受的是,放映納粹暴行的影片時,竟然同時播放著他最喜愛的音樂--貝多芬《第九交響曲》!這樣,ALEX在實驗結束後成為了一個打不還手、罵不還口、無法接近女色而且絕對不會危害社會的"新人"。

出獄後回到家的ALEX發現家裡已經沒有自己的位置,禍不單行,流浪街頭,又遭到曾經遭到自己痛打的老流浪漢的報復,正在這時,此時兩個員警前來解圍,他們竟是原來的手下!這兩個手下為報前仇,把ALEX帶到郊外毒打折磨。最後,幾乎奄奄一息的ALEX爬到一戶人家前,他萬萬沒想到這竟是他從前的受害者作家亞歷山大的住所。亞歷山大利用ALEX報復,意圖推翻現任政府……

觀後感:
本片,其實筆者是上了大學以後才知道這片子得存在,因為大學時期有修一門課叫電影史的課程,而課堂老師口經常說著他的愛片,其中包括這部在內,不斷的歌誦著它的奇妙和獨特,是喜歡CULT的人必看的一部片,後來有因為上論壇跟朋友交流,更多人將這部片當作經典一般崇拜,讓我對本片可說相逢恨晚的遺憾,直到後來拜在DVD的普及化,才讓我可以一賭它的威力!

而我目前看了本片已經4遍了,已就被本片的視覺效果和場景深深著迷,非常有70年代的太空科技和普普風的味道,而其中僅僅兩個鏡頭就給我留下了永不磨滅的印象。一個是ALEX與他的DROOG們在莫洛克奶吧裡一邊喝著加料的牛奶,一邊考慮幹些什麼壞事。全白的背景,女性裸體形狀的室內陳設,ALEX下眼瞼上的假睫毛,冥想暴力快感的神態,滴血眼球形狀的腕扣,簡直就是把暴力發洩到了極致的魔鬼的樣子。第二個是ALEX在接受路氏療法,發黃的眼球透出絕望。那時,另一個魔鬼控制了他。從暴力的魔鬼到恐懼的魔鬼,我們看到的是人性的喪失。

而導演的美學一直是被列入時尚的尖端,不管是造型或是化妝,甚至光線和場景的設計,本片1971年拍攝,至今已經過了30年了,數次觀看還不時被他獨特的美學深深著迷,而個人最近一直陸續在收集70年代太空時代和普普風風格的家具和電器,如電影中出現很多這類的用品和家具,如圓球型的電視、顏色絢麗而重複性圖案的壁紙或是造型奇異的床,都是讓筆者深深著迷!本片的服裝也是很有可看性的地方,如ALEX跟他死黨就穿著一連身的白色棉系服裝,頭戴著英國紳士帽,手拿著短柺杖,而右眼粘著假眼睫毛,乍看下似乎有點不協調和怪異,可是看久了之後便覺得有格外的味道!

本片導演也是個鬼才,也就是筆者最愛的導演史丹利-庫伯力克,也是我認為最具藝術家氣質的導演之一,他總是毫無顧忌,大刀闊斧地表達最強烈的感受。沒有史蒂芬史匹柏的如履薄冰(在2001年時,史蒂芬史匹伯幫庫柏力克拍了一部生前的未完成夢想的作品,也就是”AI人工智慧”),盧貝松的嚴酷中的浪漫,他就是一個帶著鐐銬跳舞的鬥士,毫無保留地將藝術推到極致。在他一頭捲髮,不修邊幅的大鬍子,加上一個大大的青蛙般的眼鏡掛在他的臉上,顯的格外不協調,有點像最近很紅的《King Kong》的導演Peter Jackson。他豐富的想像力,有達利般的氣度,看他的《發條橘子》和《大開眼戒》,可以聯想到摩天大樓般的糖塊和爬滿螞蟻的手。他對生命的關注,看《2001:太空漫遊》的人類的科技下的無助,和時間跟未來的見解,那是生命的悲歌。

影片攝於1971年。一直到現在,本片在台灣和很多地區國家還是屬於禁片狀態,所以滿難租的到和購買到,而我個人認為被列入為禁片的原因不在於畫面上的處理,不是因為裸露和暴力部分而被禁,單方面認為可能劇情上強力諷刺政府和反社會主義之故,而導致列入禁片之群!這部風格獨特的影片可以引發出許多話題,例如:音樂和人格特徵的問題,人格特徵的多重性問題。本片男主角ALEX無法無天,恣意妄為,卻很喜歡貝多芬和勃拉姆斯的音樂作品。貫穿影片中的暴力場面也是這些音樂,甚至他跟兩位女生做愛時,也是播著古典樂。這頗有些離經叛道的味道,也有相當大的差異對比。然而,無獨有偶,聽說希特勒這位大暴軍最喜歡的竟也是古典音樂,而是瓦格納的作品。這其中究竟有何關聯,姑且按下不表。只道是惡之花比人們通常想像的可能要複雜?為什麼所謂的古典、高雅音樂對他們沒有制約力?為什麼審美體驗和現世行為會有如此極端的剝離?這真是和世俗觀念開了莫大的玩笑。

ALEX認為: 美好的音樂 = 真心的喜悅 = 暴力
性一般大眾認為: 美好的音樂 = 真心的喜悅 = 祥和, 善良

這相信很多人會發現很明顯的衝突就產生在第三個等號,處在社會道德的約束裡,鮮少有人接受第一個式子,暴力和祥和是無法並存的,可是從這兩個式子可以看到,本源都是一種發自內心的喜悅,當劇情繼續進展,關於善惡的問題也不斷的受到質疑和討論,但是對於ALEX,早在這裡音樂就已經說出了ALEX的本性,即使電影中有出現"善是可以選擇的"這種說法,或者是用人工修改的方式讓ALEX從良,都無法泯滅它的天性,暴力和性對他來說不是宣洩感情那種簡單暫時的事,而是他最開心最享受的娛樂,就像欣賞美好的音樂一樣。

片名《發條橘子》原指帶發條的玩具桔子,是英國兒童常玩的玩具,用在這部影片中實際上是在暗示片中主角少年罪犯ALEX只是一個受人控制的玩具桔子,是為政客競選服務的工具。如果你對另類片有興趣的話 ,應該對《猜火車》(trainspotting)不陌生吧! 猜火車是英國年輕人常玩的一種無聊遊戲:站在月台上,猜一猜下班火車會在幾點幾分進站?開往何處?電影《猜火車》則是描述一群靠領失業救濟金過日子的年輕人,他們閒來無事不是注射海洛英,就是到pub閒扯、釣馬子、找人打架。他們荒誕、墮落的生活著,對未來漫無目標。沒錯,《猜火車》就可以說是90年代版的《發條橘子》,一群對社會對朋友失去信任,而反目成仇及跟以年輕人的態度來解讀這已經病態的社會!而《發條橘子》帶來更多讓你反思的空間,或許前陣子台灣3合一選舉的關係,讓我覺得政治只是一種手段罷了!很多候選人選前開了那麼多空頭支票,而將事情講的美輪美奐,讓人將選票投給他幫助他當選,而選上後卻又頻頻出問題及貪污,我認為我們才是真正的《發條橘子》!只是被政治利用的替代品罷了!

說到電影技法,小弟懂得不多,可是我認為庫導塑造了一個生動、令人驚訝的銀幕形象--惡棍ALEX。影片中有兩處在71年可算是讓人耳目一新的場景。其一是片頭處,從ALEX近景特寫淡入起,鏡頭推出,一直推至莫洛克奶吧的全景以及ALEX開場白的結束,時間分毫不差,鏡頭推出之廣、之順滑讓人讚歎。其二是河邊ALEX與同夥互毆的一景,採用了慢鏡頭與全景,舒緩地表現出ALEX如何將同夥驅走,踢入水中,用刀劃傷同夥手腕的全過程,並以多角度拍下,加之漂亮的剪接。全程可稱是所謂“暴力美學”的範例。更奇妙的是,其間配以古典樂,此種視聽感受大概絕無僅有。此手法漸漸在現代的電影中,也常出現,而可能大家最為津津樂道得應該是香港到好萊烏發展的吳宇森導演吧!從他手中拍出的動作槍戰片,有如在華麗的舞池中,身段美妙的芭蕾女舞者和男舞者的對舞般,慢動作下的肢態和旋樂下的襯托,格外的優雅和美麗!

庫氏對《發條橘子》一片的表演風格進行了大膽嘗試。顯然,他要求演員的表演類似戲劇表演風格,要略顯誇張但又不能過火,要講求動作的力度但又不能失優雅。這使全片具有了一絲荒誕的、黑色幽默的味道。比較典型的就是:當ALEX一夥作惡歸來,當他的同伴嘲笑媽吧裏詠唱《歡樂頌》的女高音時,ALEX揮棒向他打去,而後克制,平緩地收棒並舉杯向女高音以紳士的口吻致歉。顯然,庫伯力克從不願流俗。一切元素的高反差運用是他影片的重要特徵。

在這部影片中,性和暴力作為困擾當代西方社會的嚴重問題,仍然成為了導演的創作主題。庫伯力克從社會學的角度出發,將視角投向未來,對這一問題進行了深刻的剖析;並且以假想的形式演示了佛洛德精神療法的可行性和可怕性,在假想背後,庫伯力克敍說的是他在以前多部影片中一再重複的主題:對未來的憂慮。



2007/10/28

Raging Bull (1980)- (台譯: 蠻牛)觀後感

光是一場拳擊比賽的鏡頭,就知道這部一定是經典!!

劇情簡介:
影片根據前世界中量級拳王傑克拉莫塔的真實經歷改編。出生於紐約布魯克林區的意大利裔拳擊手傑克拉莫塔身體結實、出手敏捷,在拳壇被稱作"憤怒的公牛"。由於不願向黑手黨低頭,他始終無法獲得拳王挑戰的資格。經歷了數次挫折之後,他終於同意黑手黨的安排,故意輸掉一場比賽,以換取挑戰拳王的資格。在取得拳王稱號後,拉莫塔開始懷疑自己的妻子和弟弟,認定他們背叛了自己,於是對他們大打出手。

在看透拳擊場上的名利追逐後,拉莫塔故意輸掉拳王的寶座,退出了拳擊界。退役後的拉莫塔開了一家夜總會,不久因為經營色情服務而入獄,他的妻子兒女也因此離開了他。

經歷了眾多悲歡的拉莫塔最後在一家夜總會裡擔任司儀,並準備以此度過餘生。拉莫塔的生命充滿了曲折與艱辛,為了實現自己拳王的夢想他不惜喪失自己的人格,當他獲得自己所謂的理想時,發現自己早已丟失了靈魂,而當他失去一切的時候,卻使自己逝去的靈魂得到了救贖。

觀後感:
本片讓筆者很久之前就知道這是一部必看的電影,可是一直沒機會入手,對它只能抱著隨緣的心態去看待他,而今天也是真的很感謝我的同事,相同的他也是勞勃狄尼諾支持者,借我好好的欣賞,真的很感謝他!!讓我非常的怨嘆自己,對本片真是相見恨晚!!

在美國電影,尤其是娛樂片中,暴力的主題十分普遍。近20年來,極端暴力成為某些類型影片的基本元素,如科幻片、恐怖片等,但它們常常以高度風格化的形式出現,對觀眾的衝擊力就相對減弱了。血淋淋的死亡場面,在特級的烘托下,組成基本的敘事場景。

《蠻牛》使用的技巧與之不同,他吸收傳統寫實主義的電影技法,抨擊了美國社會中的暴力現象(無論在拳擊場還是在家庭中)。但影片對暴力的態度十分曖昧,它沒有譴責傑克這頭「憤怒的公牛」,反而以一種迷人的方式表現他的暴力。雖然較之同類電影它的暴力較不血腥,影片沒有一個死亡場面,但有幾場戲慘不忍睹。激烈的拳擊比賽和日常鬥爭是本片「暴力」的來源。

本片不像《洛基》那樣以大團圓結局收尾,相反,主角傑克遭遇坎坷,當過拳王、打過假比賽、蹲過監獄、愛情失敗、事業困頓。他真實地反映出一個拳擊手生活中的酸甜苦辣以及豐富微妙的情感世界。拳擊壇是傑克向生活挑戰,超越自我的空間,也是他蒙受不平等待遇和挫敗的生死場。因此本片中的拳擊場面噴灑著一種幽閉、粗獷和恐怖的色彩。

本片導演在影片中充分運用了各種鏡頭語言,甚至大膽的用黑白膠片強有力的視覺效果衝擊著每個觀眾的靈魂(不要搞錯歐!不是很久以前歐,而是電影已經發達的1980年),黑白電影迷人的地方,黑與白間的灰階和光影的漸層,黑白分明加上如素描般的陰影呈現,有如電影大師西區考克說過,黑白電影比彩色電影來的難拍,利用兩個顏色來將整個畫面詮釋的精彩,光影和構圖都是不可忽視的,而本片甚至讓人有點在看紀錄片般的感覺。導演運用豐富的電影技巧將暴力主題在電影敘事中呈現。總體上講,本片採用寫實主義的敘事方式,許多畫面採用穩定托架跟拍,慢動作和近景鏡頭呈現扭曲的面部表情,運用逆光和拳擊場周圍的聚光燈,使拳擊手的汗珠和鮮血在鏡頭裡逼真可現。快速跳躍的剪輯和喧嚷嘈雜的背景聲,突出了拳擊現場的緊張氣氛。尤其是演員面部假血管的化妝手段,創造了鮮血淋淋的逼真效果。導演處理拳擊場外的暴力場面時,則運用不同的電影技法,主要是全景鏡頭和模糊聲效等。

《蠻牛》一片大致以拳擊手傑克拉莫塔的一生為藍本,以真實的拳賽場面貫穿始終。傑克的一生充滿暴力,他似乎除了吵架、威脅、打鬥之外就無法與人溝通,固執的個性和和火爆的脾氣,真是人不可領教。他的兩次婚姻,尤其是第二次與維琪,幾乎是家庭暴力的典型寫照。與他最親密的人是哥哥喬伊,曾經是他的經紀人,但出於嫉妒等原因,傑克也逐漸與之疏遠了。而且,傑克在傷人的同時,也把怒氣向自己身上發洩,最終導致所愛的人都離開了他,自己淪為酒吧中的脫口秀小丑,以朗誦電影戲劇台詞謀生。一時影片讚揚了傑克的暴力,當他在拳擊場上,那汗流浹背的英姿,或者是譴責之,家暴事件和一些暴力衝突。但觀眾無法從影片對主角模稜兩可的態度中做出簡單判斷。我們認為,《蠻牛》運用各種敘事和風格上的技巧,將傑克作為美國社會暴力的個案加以展現,為此,導演將傑克放置在一個複雜的環境中,留待觀眾自己做出判斷。

講講本片的男主角吧!! 光憑至今狄尼諾已獲得十座獎項的記錄(包括奧斯卡金像獎、金球獎 以及美國各影評人協會所頒的獎),就應該叫他一聲:「老大!」

「勞勃狄尼諾是個相當傑出的演員,舉手投足間有股特殊的氣質;即使他在沒什麼戲的場景裡,我們也可以明顯感覺他的存在,他是少數幾個與我共事的演員中,能夠以看人、說話、移動的方式震撼到我的人。」

《冷血悍將》Ronin 一片的導演約翰法蘭肯海瑪(John Franfenheimer)如此表示,讓人頗有同感; 一位真正有實力的演員演起戲來就是會有一種架勢與張力,或是他們自己設計的肢體語言能讓觀眾驚嘆不已,而多數觀眾對他的深刻印象應該是奠基於「黑幫老大」吧?!

勞勃狄尼諾在片中的表演幾乎達到了爐火純青的境界,《蠻牛》的形象許久成為觀眾對他的最深印象。為了表現出拉莫塔退役後墮落的形態,真正展現拳王中年肥胖的體態,要求劇組停工4個月,失去行蹤秘密的跑去狂吃意大利麵,整整胖了20幾公斤的肥肉,回來後幾乎沒有人認得出來! 片中你可以明顯看到他的敬業精神,和他對角色的要求,真是讓人感動!!

說真的,當今影壇能夠把老大演好的並不多,自《教父》系列電影 之後,大概就很少人能出馬龍白蘭度、艾爾帕西諾其右,而狄尼諾也算是老大的絕佳代言人之一哩!老大該有的氣魄、品味、陰險、狡詐、圓滑、闊氣、傲慢與廣納人才的胸襟,只要狄尼諾一出場全部特質都顯現而出,更重要的是,他還有 「笑容」,在談笑之間不知道已經派手下幹掉多少對手了,我們相信,現在 在江湖稱道的各堂主大哥們除了看無間道系列之外,狄尼諾也會是不可或缺榜樣,太屌了。


2007/10/26

Lost In Translation(2003)- (台譯: 愛情,不用翻譯)觀後感

身處異鄉為異客,一對面處人生交叉點、迷失國度的已婚男女,兩人關係曖曖昧昧、若即若離,平平淡淡中又顯現出現代男女對愛情的新看法;難得在兩人雖沒有肉體關係,但觀者又感受到他們從「心靈」上的偷情快感。一段異地情,含蓄而複雜!

劇情簡介:
全片於日本東京及京都拍攝。故事講個身在東京的美國人,Bob Harris,逐漸過氣的好萊塢影星,悲哀而無力地看著風華一點點逝去。愛情從婚姻中黯然退場,所有生存的激情消失殆盡。生命對他不再有任何意義,彷彿只剩一具麻木的軀殼在茫然行走。哈里斯來到東京拍攝一則威士忌廣告,他對這份工作毫無興趣。回到旅館,只是一人枯坐,他並不是疲倦,而是徹底厭倦——不僅是對現在的生活,而是對生命本身。一個是嫁夫隨夫的新婚少婦Charlotte,身處異鄉,面對陌生的人和事,感到不惑及迷茫。二人同渡失眠夜,午夜徘徊時遇上,自此建立了一段微妙的友誼,在言語不通的國度內,同於東京冒險和市民狂歡,在異鄉領略到生存的新狀態。蘇菲亞表示在現實中,有很多男女關係,超乎友誼,帶點曖昧且親密,又談不上是愛情,仿如在踩鋼線。Bob人到中年,對生活感到枯燥無味,遇上新婚、隨夫到東京工作的Charlotte。年紀相距廿年,可是,同聲同氣,又站在人生的十字路口,此友誼關係比一般的更有認同感。

觀後感:
本電影故事都是導演蘇菲亞早年於日本旅遊時的體驗。由於言語不通及時差問題,以致美國人身在東瀛,感受特別深,往往至深夜時份才是最活躍之時,故此電影背景設定是兩個同是寂寞的美國人,深夜失眠邂逅的故事。她謂當我們外遊時,體會的人和事,已成為回憶的一部分,深刻但不會持久,可是,這些回憶片段不時湧上心頭,卻影響著我們。

在我看來,Charlotte和Bob之間的愛情,男女情愛的成分要少,友誼的成分要多,所以影片整體的調子,才會縈繞著淡淡的哀愁,我們看得到他們在孤獨中渴望碰撞的心,看得到我們自己的影子,所以才會隨著它一起沉迷。男女間的感情,就像是一場霧一樣,迷迷濛濛的翣似浪漫,有點知情對方的心態,懵懵懂懂的猜測和喜歡了解對方的事情,可是卻又不敢肯定對方的真意,那種曖昧的氣氛多過現實的限制和約束,或許,這就是人家所說的:「講白了就不美了」,這只能體會不能筆傳!

導演在攝影機背後編織的這個愛情故事,雖然以遙遠東方的妖獸都市東京為背景,卻拋棄了庸俗的異鄉浪漫,也剔除了歐美影人熱衷的情色成分,一切都顯得如此清爽,如此純淨,卻又充滿真誠的人生感悟,如同一則雨後的童話。精確地抓住了當代人靈魂深處的失落,輕輕觸動每個人心靈中最柔軟脆弱的部分,牽引出所有被隱藏的孤寂與傷感……

我覺得本片很多細膩的女性觀點的寫照和想法,將焦點對準那些人與城市的細節,在陌生的東京醞釀出迷人的芬芳氣味。那是輕輕的寂寞,淡淡的哀愁,繚繞在愛情和友誼之間,徘徊在心性之間。相信看過影片之後,每個人都會走出自己迷失的森林,讓我覺得本片導演多少帶有自傳色彩。片中那位因丈夫只顧工作而完全被拋在一邊的年輕女子似乎就是導演本人的寫照,自從她和他老公相愛以來,這位大忙人幾乎是馬不停蹄地接下一個又一個的工作。或許就如同女主角Charlotte一樣,她漸漸發現了兩人之間的隔閡,從而引發了對自己生活的重新認識與定位。

本片導演巧妙的利用日本,這個陌生的國度強化生存的孤寂感。那種身處異鄉、難以與周圍的環境取得有效溝通的境遇將人的永恆孤獨具像化了,與週遭現實彷彿脫節般的疏遠感突顯出一股不知所措的迷茫。

最近真的心情有點煩,也開始對感情抱著很多的猜忌和質疑,如果要修愛情學分的話,我可能要重修或是下修吧!!愛情是一種讓人痛苦的一件事,也是讓人提不起勁的東西!!

2007/10/25

La Strada(The Road) (1954)-(台譯:大路)觀後感

劇情簡介:
弱智姑娘嘉蘇米娜被母親賣給了流浪藝人贊巴諾,開始了賣藝生涯。生性粗暴的贊巴諾缺乏常人的理智與情感,對嘉蘇米娜也十分粗暴,兩人一路賣藝,厭倦了這種生活的嘉蘇米娜,在一天乘贊巴諾找女人過夜的機會逃走,在路上遇到表演走鋼絲的流浪藝人「傻瓜」,這時贊巴諾追至,將嘉蘇米娜抓回。雜技團老闆看中贊巴諾和「傻瓜」,讓他們參加自己的劇團同台演出。表演結束後,「傻瓜」拉起了小提琴,吸引了嘉蘇米娜的注意,她沉浸在琴聲中,「傻瓜」卻不想惹事,與嘉蘇米娜總是保持距離。

一日,「傻瓜」想讓嘉蘇米娜和他合作演出,引來贊巴諾與他鬥毆,結果贊巴諾被關進監獄,「傻瓜」也被辭退,嘉蘇米娜想和「傻瓜」一起走,「傻瓜」卻讓她留下等贊巴諾出獄,但走出監獄大門的贊巴諾看到嘉蘇米娜後,卻沒有任何表情。兩人繼續流浪演出,嘉蘇米娜對贊巴諾日久生情,一日,她主動贊巴諾可不可以娶她,贊巴諾卻毫不理會。在公路上,贊巴諾偶遇「傻瓜」,兩人又打在一起,「傻瓜」無意被打死,嘉蘇米娜再也承受不了打擊,她不吃不喝,贊巴諾也不想再帶著她上路了,嘉蘇米娜主動拿下自己平時睡覺的破布,贊巴諾則將她的舊衣服打成包放在她身邊,開車離開。多年後贊巴諾隨著馬戲團到了一個小鎮,偶然聽到嘉蘇米娜曾唱過的歌,循聲而去,發現是個年輕女人在唱,她告訴贊巴諾,嘉蘇米娜到了這個小鎮後不久就過世了。夜色中,贊巴諾來到無人的海灘,像一頭受傷的野獸一般嚎叫、痛哭……

觀後感:
連續兩天反覆看的本片,靜悄悄地夜裡的螢幕泛出的影像額外的刺眼,刺的我眼睛張不開,是不願意看,還是不忍心看待這一切的一切,雖然聽不懂的義大利語言和年代已久的微有雜訊黑白影像,還是帶來一股鼻酸,沒有華麗的場景,也沒有濃妝豔抹的女星,只有一幕幕道出真情流露的真性情和人間的冷暖情懷,你多久沒被感動了?

本片是義大利名導演費里尼首部揚威國際影壇的代表作,曾獲奧斯卡最佳外語片獎,全片寫情真摯細膩,道盡弱女子的癡情辛酸,演員也十分出色,而片中飾演弱智姑娘嘉蘇米娜便是導演的妻子。看費里尼晚期電影如《八又二分之一》等片,一般人覺得深澳難咀嚼消化,也讓人覺得他難以親近的觀眾,不妨看看他這部早期而感動人心的傑作。

作為義大利新現實主義非常重要的編劇之一,費里尼的《大路》從某種意義上來講,卻是率先背離新現實主義的一部電影,它是公認的戰後義大利電影一部轉折性作品,在審美視角上的內心化、個人化和技巧上的反戲劇化、反情節化上邁出了第一步,成為50年代中期崛起的西方現代主義電影的引路之作。本片讓我聯想到台灣80年代,台灣新浪潮導演侯孝賢的《兒子的大玩偶》,雖然時空場景不一樣,卻都帶有一股濃濃的悲情氣息,《兒子的大玩偶》敘述一位父親坤樹,因為工作關係,必須藉著作為小丑扮成「三明治人」(人身前後各掛一片廣告看板,似三明治,故名),裝扮而成為電影院宣傳噱頭以維持一家妻小的生活;父親回家後總是以小丑的臉蛋跟孩子玩,抱著孩子,有一天父親卸妝後跑去抱孩子想跟他玩,但是自己孩子看到父親的真面貌時,因為不認得父親反而哭得更厲害。

故事的主軸就圍繞在生活、工作中,諸多無奈的主題,也反映出人心及當時生活,也很貼近早期台灣生活的描述。兩位導演都對土地恆久豐沛的情感和關懷、對土地上人民源源不絕的愛情與歌詠,能鮮活呈現社會問題面貌的理由,也是他們鏡頭下人物能在經歷生活種種磨難後,仍不放棄在縫隙中找尋希望、在苦痛中開展甜美笑容的動人原因。

片中當嘉蘇米娜開始和贊巴諾生活在一起,贊巴諾那種強悍的體格和個性,無形中在她心裡樹立了一個強有力的形象,讓她無論感情上,精神上都有了依托的感覺。這個她生活領域裡唯一的男性,和妓女鬼混,順理成章喚醒了嘉蘇米娜的「女性」意識,於是她選擇了離開來表達被忽視的憤怒。贊巴諾對走鋼索者與嘉蘇米娜接近所表現出強烈的敵對,這種對嘉蘇米娜的完全佔有和控制的感情體現,卻又令她在贊巴諾被拘留、被馬戲團拋棄時,留了下來等他。人,不過都是孤獨的動物,需要感情和陪伴。 作為嘉蘇米娜心中一直樹立著的男性權威和精神支柱的贊巴諾,在胸斷鐵鏈的強壯體魄,強悍的個性表面下,卻是每個普通的、平凡的甚至是怯懦的人所共同有的軟弱一面,因其軟弱,無法承受嘉蘇米娜精神錯亂給予他的無形的譴責,他只有逃避。記的當嘉蘇米娜用伸縮喇叭吹出動人旋律時,供住宿的修女們對她不吝嗇的提出讚美言語稱讚嘉蘇米娜時,這是以往都是活在鼓勵掌聲中的贊巴諾失去了依慰,不允許他人的膨脹壓迫自己的危小的自卑心,頓時去雄性的原本應有的光彩尊嚴,反到變似小孩般的鬧彆扭,硬叫嘉蘇米娜去洗吃剛用餐完畢的餐具,命令獨裁般的指揮,似乎想挖取一點點權力感,看在本人男生眼裡,額外的尷尬和羞愧,太多的男性都擔心另外一半光輝耀眼,而常出現類似自卑心作祟的幼稚舉動。

贊巴諾對嘉蘇米娜沒有感情嗎?他對她專橫,他為了她的出走著急,他為她與走鋼索者產生矛盾,儘管他未必自覺意識到。正因為在乎,所以無法承受,所以他在冰天雪地之中將她遺棄。車在行駛,廢棄的牆壁下,嘉蘇米娜正在沉睡,越來越遠,漸漸消失。多年以後,贊巴諾在街上,聽到嘉蘇米娜經常吹的旋律,迷惘而慌亂地回頭尋找,找到的是嘉蘇米娜悲慘死去的消息。再次表演胸斷鐵鏈的絕技時,他變得非常地機械,再也沒有往昔的桀驁之氣,卻像一具丟失靈魂的行屍,步伐緩慢,兩鬢灰白。但是這樣還不夠,費里尼還要讓他在酒館喝醉,遠遠地冷靜地記錄著他被人攆出來,反覆廝打,被打翻在地,又爬起來。除了宣洩,還是宣洩。 費里尼沒有渲染什麼道德倫理,而是在精神意識與客觀現實之間進行了一次對話,借助一個悲涼的愛情故事,表達了一種不可調和的自我矛盾。