別招惹宅男，小心被反撲 / Chronicle (2012)-(台譯:超能失控）觀後感

劇情簡介:
影片講述了三個少年意外得到了超能力，但他逐漸變得無法掌控這種力量……

觀後感:
超人英雄題材，從漫畫文本轉變成好萊塢電影，應該是最成功也是目前最愛拍的題材之一，不是沒有道理的，大家沒有理由不喜歡英雄，更沒有理由會愛上這個混亂世界，太多悲劇太多不愉快，想像如果真的有個維持秩序的超人英雄來拯救世界，多美好啊！現實中無法出現，那依靠電影幻影來滿足眾多不安全感的人民總可以吧！

當超人電影如夏天夜晚出現的蚊子一樣，越來越多時，超人、蜘蛛人、蝙蝠俠、綠巨人浩克、鋼鐵人、雷神、x-men……等，舉也舉不完的例子，大家慢慢習慣了‘能力越大責任越大’的超人英雄，開始有點厭倦了正義不死的玩法，開始貪心想看看不同樣子的超人英雄故事，於是，反類型電影又出現了，幾年前的《全民超人》（Hancock）或是《特攻聯盟》(Kick-Ass)讓人耳目一新，跳脫傳統超人英雄電影的框架，多了些平凡和親近感，超能力不再被用來行俠仗義反而成了頻頻實踐惡作劇的頑劣手段，本片更是反類型反到透徹的代表。

《超能失控》實現了平凡觀者希冀有朝一日能擁有超能力的遐想，凡人勢必想的改善自己生活實現享樂主義罷了，這點在戲中人頑劣越甚之時得到最過癮的共鳴，而劇中的另 一重要看點就是揭示被排擠的宅男擁有破壞性能力後的可怕影響，反社會情緒付諸爆發是何等的破壞力。

《超能失控》的精彩在於反社會反壓迫的情緒爆發得精彩，其實正義象徵寥寥，小我欲望的實現是最現實的社會影射，內心破壞欲與享樂欲的實現是喚起觀者共鳴連連的源頭。影片拍攝手段也值得稱道，宛如《科洛弗檔案》的偽紀錄片角度結合故事主題很恰當傳遞了旁觀見證的意味，同樣的故事平鋪直敘難有新意，偽紀錄片的方式很好印證了主題凸顯自我的情境設定。

主角安德魯的父親曾是個消防隊員，因受傷而失業，靠吃政府救濟為生，整日遊手好閒，用打兒子來排解心中的煩悶，母親臥病在床，不久于人世。在這樣的家庭環境中，安德魯成為一個羞澀自卑的小男生。直到有一天，和兩個朋友一起接觸到神秘物質，獲得了超能力。超能力使得他獲得了自信，並有機會贏得了眾人的關注。然而心底裡冷藏日久的自卑，一旦經過驟然加熱，必然會膨脹成為自負，繼而爆發，釋放出殘忍和暴戾。母親的去世和父親的責駡成為最終的導火索，使他陷入無法控制的瘋狂，最後死在了朋友手中。

所以說超能力是個幌子，影片歸根結底在講述家庭環境對孩子的影響問題。問題一直潛伏在孩子身上，隱藏在羞澀和自卑之下，超能力是一種比較極端的刺激，將問題迅速暴露出來並推向極致。在現實生活中，沒有超能力，但總有起起伏伏，溝溝坎坎，隱藏的問題遲早會暴露，遲早會傷害到有問題的孩子，也傷害到他身邊的人。家庭不幸的孩子，更容易失控，更容易感到遭受背叛，也更容易覺得全世界與自己為敵。

電影讓筆者聯想起日本經典動畫《阿基拉》，相同的是卑微者獲得超能力，沒有任何過渡地成為了強權者，然後探討突如其來的能力對人造成的影響。

月之暗面永黑暗的恐懼 / Apollo 18(2011)-(台譯:阿波羅18：不存在的任務)觀後感

劇情簡介:
上世紀60、70年代，美蘇兩大發達國家進行了一場震驚世界的軍事競賽。為了贏得未來星球大戰的制空權，兩國相繼將宇航員送入外太空。美國方面，在1972年以前先後發射了17艘宇航飛船前往月球，然而阿波羅18號卻在飛行前夕被緊急叫停。根據最新解密的錄影，本傑明•安德森、南森•沃克和約翰•格雷三名宇航員以採集樣本的名義登上了阿波羅18號，於1974年飛赴月球，進行為期一周的考察。

本傑明和南森著陸月球，卻接連發現奇怪的現象：不明身份者留下的腳印、慘死的蘇聯先行者以及各種奇怪的聲音和若隱若現的生物。這不啻為一次無法回頭的死亡之旅……

觀後感:
月球，俗稱月亮，古稱太陰，是環繞地球運行的一顆衛星。它是地球唯一的一顆天然衛星，也是離地球最近的星球（與地球之間的平均距離是384400千公尺）。1969年阿姆斯壯首先登陸月球，除了證明美國的太空技術領先其他國的證據外，也順便宣告著人類的太空時代的到來，「我的一小步是人類的一大步」這句名言甚至成為人類歷史上的一大名言。

月球，的確充滿著神祕色彩和幻想得空間，在全世界人類各種民族史中，月亮得角色不亞於太陽，也常拿這兩者作為比較，如陰陽及光明黑暗之對比，而東方中國傳說故事中最有名就是嫦娥奔月及吳剛折桂傳說，神話傳說中形容月球上有廣寒宮，甚至有玉兔，後來演變成中秋賞月，就典故就是百姓們聞知嫦娥奔月成仙的消息後，紛紛在月下擺設香案，向善良的嫦娥祈求吉祥平安。從此，中秋節拜月的風俗在民間傳開了。

不只漢民族有月亮傳說，連台灣原住民包括布農族、阿美族甚至泰雅族也都有淒美動人的月亮傳說故事;但1969年7月20日，美國東部時間22時56分，“阿波羅11號”成功登月，太空人阿姆斯壯成為人類歷史上第一個踏上月球的地球人。證明一件事，月球上並沒有嫦娥吳剛和玉兔，更別說廣寒宮，只有光禿禿寂靜荒涼岩地，「月亮代表我的心」情歌頓時美感少了幾分，但是當開始在令全世界沸騰的電視直播中，人們突然聽到太空員阿姆斯壯說了一句：“……難以置信！……這裡有其他太空船……他們正注視著我們！”此後信號突然中斷，美國NASA對此從未做出任何解釋。不久之後，美國政府宣佈終止一切登月計畫，這一決定背後的原因至今仍是人類航太史上終極秘密。

阿姆斯壯說那句話的時候在月球上遭遇了什麼？
美國NASA向我們隱瞞了什麼？打消其他國家登月研究、開採月球資源等的念頭？（內幕消息：美國政府其實一直在秘密頻繁登月！）！！

近年來，包括阿姆斯壯在內的數位美國登月得太空人，屢屢在各種場合發表自己“曾在月球上與外星人有過接觸”的言論，引發國際軒然大波。而內幕消息更傳言：美國政府其實一直在秘密頻繁登月！

此電影就從這個從這既真實又虛構得時空背景下展開，圍繞著美國的充滿謎團的事件數不勝數，似乎老美天生就是狡猾的狐狸，世人總愛帶著陰謀論的眼鏡來解讀一切，而樂此不疲的人恰恰是美國人自己，於是我們被這樣的資訊的真真假假騙的如墜霧裡雲裡：日本偷襲珍珠港是美日勾搭好的、美國阿波羅登月是在沙漠拍攝的、美國和外星人簽訂協約協助美國生產高科技產物、甘迺迪遇刺是中情局幹的，甚至連911事件都有人懷疑是老美自己用導彈自己炸的（沒證實純粹大家猜測下得謬論），往往越是神秘的事物民眾越是感興趣，美國從阿波羅11號開始送宇航員到月球，之後12、13、14、15、16、17連續發射 除了13號發生意外半路返航之外，其餘全部成功，而本片聚焦的阿波羅18號在發射前被緊急叫停了，從此終結了人類登月歷史，正因為阿波羅18號被叫停的緊急和突然點燃了陰謀論者的熱情。

電影透過偽紀錄片手法呈現，先別提電影的真偽度，透過這種手法來詮釋太空中所遭遇的恐怖過程，的確很出色，這部電影試圖告訴我們，在死氣沉沉坑坑窪窪的月球表面，其實潛藏著人類無數未知恐懼，這些東西（不劇透）——這些無機生命可以適應脫水無氧，忍受乏善可陳，它們也許已經孤獨地在月球上生存了億萬年，但它們的生存卻並非沒有目的：其中之一，就是在一個無法預期的時刻鑽到那些來自地球的太空人的身體裡搗亂，這似乎所有電影中的所有外星生物皆愛這樣模式求生存，寄生於血肉之軀內，只為了繁衍，基本上已生物學來看待這件事，是說不通通，通常會以寄生方式繁衍得物種，通常是低等生物，而在外太空都可以高科技文明的生物，還要用這種方式入侵，也太費事了也不文明啊！

電影成功的地方就是結合真實NASA得任務記錄影像，加上導演如虎添翼得特效畫面，讓電影遊走在真實和虛構間，讓觀者很容易進入情節，正符合偽紀錄片得特性;電影將安靜和空間的恐懼，提到最高，空蕩蕩的，沒有土地踩在腳下的踏實感。頭盔裡迴響的粗喘，凍得嚇人的地表溫度。儘管太陽照常升起卻不見星辰規律運轉令我心安時間並非停滯。這是窒息的孤獨。

人類對熟悉的物體，恐懼也許降低點，就算是多麼恐怖兇狠，但還是預想中得雛形，如果，它是一個你壓根子也沒設想到得形體出現，而且遍地都是，這才是讓人吃驚，電影成功碩造一個這樣的角色，電影中月球上出現其他國家也偷偷登入月球得證據，人類的腳印和太空船，乍看下讓人詭異，但畢竟這些畢竟還是人類，但電影慢慢從奇怪的屍體和廢棄得太空船展開一連串的效應，算是頗有心機得安排。

電影表現了人性在國家利益面前的脆弱，相對其他電影一直力圖表現的英雄主義顯得更加讓人感動。

偽紀錄片的真實與作假 / The Troll Hunter(2010)-(台譯:追擊巨怪)觀後感

劇情簡介:
影片講述的是一群挪威大學生用手持攝像機搜尋巨怪的足跡，目的就是為了捕捉到這傳說中怪物真實存在的影像。這種遠古怪物存在的真相一直被挪威政府所掩蓋(就像美國政府對外星人和51區的做法一樣)，在驅車追逐巨怪的過程中，他們更驚人的發現:原來那些跨越在挪威山脈上的高壓電線，真實的用途竟是為了阻擋巨怪進入人類的活動區域……

觀後感:
「偽紀錄片」的英文Mockumentary，是mock和documentary的結合，它常被歸類為一種紀錄片或電視節目類型，通常帶有喜劇的嬉鬧性格，但也有非常嚴肅的偽紀錄片。就恐怖電影領域來看，「偽紀錄片」不算新的嘗試，但是拍片者屢試不爽，吊詭的是觀眾也照常買單；「偽紀錄片」這波火焰的導火線，可追究起上個世紀末那部《厄夜叢林》（The Blair Witch Project）開始，低成本拍攝，整部電影用業餘拍攝的鏡頭拍，用以模擬紀錄片形式，增加其真實性，逼真的情節，讓更凸顯出一般恐怖電影無法詮釋的真實恐懼感。

雖然它和紀錄片一樣都紀錄著真實的生活，但實際上卻是虛構的，運用諷刺或仿擬的方式來分析社會上的大事件或問題，挑戰著人們對於既定事實的認知，以及對於紀錄片裡的核心命題「真實」的觀念。在偽紀錄片裡，常常使用歷史資料畫面或者人物訪談（大頭講話）來討論過去的事件，要不然就是以真實電影（cinéma vérité）的方式（干涉、介入）去跟拍事件裡的當事人。

此片其實延續老套的「偽紀錄片」，更在影片的開始時，刻意故弄玄虛找到一個的錄影帶，它的由來佐證故事的真實，中間的情節延續了偽紀錄片的一貫作風，手持攝影機，一面探險，一面錄個不停，幾個挪威的大學生跟從獵人尋找巨怪，他們甚至還發現政府架構電纜的真實目的，片頭交代鏡頭被剪切重新組合導致有些畫面不連貫，而導演這麼做無疑是為了緊湊，畢竟90分鐘的探險，想要每分每秒抓住觀眾的眼睛並不容易，而後出現的三頭怪獸、巨型魔怪等等，繼而上演人獸之鬥。

片中的怪物，不經讓筆者我聯想起PS2主機上經典遊戲《汪達與巨像》，神秘、惡臭、巨大、毛茸茸的巨怪，神秘出現在浩瀚北方雪地，更將電影的娛樂性提高不少，而電影中夾帶著有些關於政府與公民知情權的博弈、動物立法與公民生命健康權、個人主義的成敗這些問題蜻蜓點水式的探討。而這對於一向以恐怖驚悚、神秘為賣點的偽紀錄片來說，添加了正規紀錄片的主旨，正如片子幾個雄心勃勃的大學生所言，“誰說我們不是Michael Moore(紀錄片知名導演，代表作品《華氏911》)。”這估計又可以算是偽紀錄片的一個新高度。

我只能說他是無敵愛倫 / Take the Money and Run (1969)-(台譯:傻瓜入獄記)觀後感

劇情簡介:
在影片開始的時候，由Woody Allen 飾演的Virgil Starkwell從小就是個懦夫，長大後他以搶劫開始他的犯罪生涯，但“不幸”被拍攝下來。Virgil的大名被四處傳播，以致他的父母都要化妝來躲避鄰居們。

觀後感:
終於看了此片，筆者喜歡Woody Allen電影，喜歡他的才華幽默，更喜歡他善良憨蠢的小人物故事換的大感動的世界觀。本片是1969年Woody Allen自編自導自演的電影，片中飾演個善良懦弱的倒楣蛋，是Woody Allen第一部作品的主角(往後作品延續悲情小人物為主角定律)，也是貫穿他創作生涯的主要角色之一。善良就罷了，懦弱也罷了，但偏偏要作強盜，光是這樣設計，可想而知故事荒謬有趣。

Woody Allen把以前的強盜片、監獄片，甚至黑色電影都拿來挪揄一番，Woody Allen早期作品中最突出的垃圾話也是影片中一大搞笑元素(頗像周星馳早期耍嘴皮子形象)，甚至可以說出一番蓋過天的歪理，依舊滔滔不絕說不停。

Woody Allen的《Take the Money and Run》電影透過仿紀錄片的方式，通過“採訪” Virgil的父母，朋友，鄰居和醫生的，中間插入畫面的方式，給我們回顧了這個滑稽人物的成長史，犯罪史。這個小人物所做的一切蠢事都是如此不可思議，甚至是讓人懷疑這個人具有“天生犯罪人性格”，當然是諷刺的說法。

Virgil的荒謬行為並不僅僅是個人性格使然，更重要的是整個社會對個體行為的影響。他是一個喜歡獨立存在的人，他行為乖戾，但同時擁有一顆善良的心。在打劫路易絲的錢包的時候，他就愛上了這個漂亮的洗衣女工。兩個人彼此相愛，所有觀眾都希望他們可以從此過上普通人的幸福生活，但是不幸的是，Virgil無一技之長，為了生活，他不得不去犯罪。而此時，社會也沒有給他一個追求幸福生活的機會。就像《The Shawshank Redemption刺激1995》一片中，出獄後的黑人角色面對社會的巨大變化，他無法適應，近乎想重新返回監獄，回到過去的那種生活。Virgil的遭遇其實也是如此，他是一個個性怯懦，在恐懼和暴力中成長起來的孩子，任何一個大孩子都可以欺辱這個笨孩子。

Virgil的人生可以說是很蒼白的，但是他的可笑行為也折射出我們這個社會的荒謬之處，在我們無情嘲笑他的愚笨之時，我們應當捫心自問，我們是否準備好了接納這些曾經誤入歧途的人呢？或許只是笑一笑，依然拒絕他們平等的在我們這個社會生存，抑或僅僅給與他廉價的同情，接著等待新的笑料呢？

本片引發個人思考的是：社會如何接納犯罪人(更生人)，犯罪人（準確的說是擁有犯罪前科的人）如何融入社會的這一問題。

偽紀錄片玩出新風格 / Paranormal Activity(2009)-(台譯:靈動：鬼影實錄)觀後感

劇情簡介:
自由職業者Micah女友凱蒂Katie搬到一幢新的房子裏，興奮的Micah搞來一台攝像機，跟蹤拍攝他們倆人的點點滴滴，起臥坐行。但是，他們的興奮很快就被莫名的不安所取代。除了他們倆外，似乎還有其他的生命藏在這座空曠的房子內。淩晨兩三點鍾，臥室房間一角的攝像機便真實記錄下那些異常發生的事件。

隨著時間的流逝，靈異事件愈演愈烈，Katie無法忍受想要搬走，Micah卻興奮地想將這個事件拍成電影。他不知道，當他真正想離開時爲時已晚……

觀後感:
電影極像我曾經半夜無聊與同學在研究室觀看者Youtube上面的靈異影片精華，極為真實嚇人。

「偽紀錄片」的英文是mockumentary，也就是mock和documentary的結合，它常被歸類為一種紀錄片或電視節目類型，通常帶有喜劇的嬉鬧性格，但也有非常嚴肅的偽紀錄片。雖然它和紀錄片一樣都記錄著真實的生活，但實際上卻是虛構的，運用諷刺或仿擬的方式來分析社會上的大事件或問題，挑戰著人們對於既定事實的認知，以及對於紀錄片裡的核心命題「真實」的觀念。

正統地來說，偽紀錄片（mockumentary）這個名詞的首次出現，是在80年代中期由《This Is Spinal Tap》的導演Rob Reiner在某次訪談中談到自己的影片所提出的。不過偽紀錄片的精神其實老早就藉著其他形式體現出來，特別在戲劇的領域裡。譬如1938年奧森威爾斯（Orson Welles）的廣播劇。他改編H. G. Wells' 的小說《世界大戰The War of the Worlds》，在廣播中製造火星人攻打地球的音效和聲響，結果很多聽眾信以為真，最終引起了社會恐慌。

這幾年恐怖電影也走向，應該說從1999年後，這種所謂的“手持攝影機風”（也被稱作“偽紀錄片”）的電影重新回到人們的視野中，例如《死亡直播REC》《科洛弗檔案Cloverfield》。他們往往僞裝成一段粗略加工或甚至未經加工的“母帶”（《死亡直播REC》是電視臺攝像記者拍到的原始素材，《Paranormal Activity》則是一盤家庭錄影帶），並從混淆視聽的營銷模式入手（《厄夜叢林The Blair Witch Project》(1999)在上映前，就不斷在網路上發佈該則“紀錄片”拍攝的相關資訊，爲影片造勢），爲觀衆營造“真實感”的錯覺。

但其實早在在世紀80年左右，“偽紀錄片”就已經悄悄出現了，當時義大利風行探險食人族電影，尤其幾部較為著名《最後的食人族世界Last Cannibal World》(1977)、《山脈裏的食人之神The Mountain of the Cannibal God》（1978）、《食人帝國EATEN ALIVE》（1980）、《殘酷食人族Cannibal Holocaust》(1980)，尤其以《殘酷食人族Cannibal Holocaust》最為惹人爭議，以“偽紀錄片”呈現，電影中過於逼真，以至導演: Ruggero Deodato因本片面臨法律起訴。因為義大利無法政府相信“本片純屬虛構”。

在我們熟悉常規的驚悚、懸疑、恐怖類題材影片的創作中，導演往往是以獨立於故事之外的“上帝視角”進行敍事，觀衆會因氣氛的渲染而被帶入情節，從而忽略掉作者或攝像機的存在。其戲劇性因素是由於恐怖氣氛營造的富於感染力而被忽略，當氣氛營造得不好時，戲劇性痕跡便很容易再次顯形。然而，當創作者換個範式——也就是拋棄戲劇化創作，轉而採用紀錄法對恐怖片進行創作時，其真實性與戲劇性便融爲一體，使恐怖感在部分上戲劇性減弱，轉而以真實的形式釋放到觀衆意識中。這種真實感包括畫內真實恐怖感與鏡頭真實恐怖感。在這個專題中，我們著重就鏡頭真實感，也就是紀錄技巧進行論述。

一、《Paranormal Activity》在鏡頭上採用了“旁觀視角”(第三者視角)，而非傳統的“上帝視角”或是“第一視角(這個第一人稱既是劇中演員（攝影師）的主觀視角)”，更重要的是觀衆的主觀視角。這樣一來，透過觀眾自己本身感受到的恐懼遠過導演刻意設計的假恐懼。

二、旁觀視角能帶來一種“發現的恐怖”，而不是“恐怖的發現”。對於一個恐怖的事物而言，你所最感到害怕和驚悚的一定是剛發現或突然發現它的那一刻，這一刻甚至勝過它本身的驚悚感。這種恐怖視覺衝擊力能直接並最有效地作用于人心。

三、《Paranormal Activity》所體現出的真實感在於某種“不嚴謹”，也包括著脫離傳統劇情文本該有的特定，甚至延伸為記錄片模式，如家用手持鏡頭、無聊的居家行為、極度緊張時脫口而出的髒話、沒有劇本的劇情發展、搖晃不專業的持鏡手法。

四、《Paranormal Activity》真實感的體現還在於設計一些“事故”，讓觀衆感受到攝像機的存在。尤其透過定點式紀錄主角們睡覺的方式，透過攝影機一分一秒真實記錄著事件發生，尤其在那不詳的「3:30」前後，箇中的程度，是「循序漸進」的，觀眾其實看前已會意料到最後是發生甚麼事，但是影片營造的觀感是「體驗到的總比想像的來得震撼」，因此最後一幕雖是意料之內但爆發力依然強烈，是為一個強而有力的收場。。

片中的恐怖場景，在觀影時往往不覺得恐怖，反而是步出影院後的日子代入自己的生活時才會感到心寒。正因為影片情節壓根兒是一部生活「實錄」，那些恐怖情節是真真正正的嵌入生活當中，尤其是臥室內發生的一切，放諸到任何家居都是一樣，觀眾日後每每閉目時自會憶及片中的情節，只是現實中不是每個人都會在房內放置攝錄機攝下一切，畢竟不是太多人願意面對有關靈幻的事物，寧可相信這都只是傳說，或是創作人用以發揮的題。

George A. Romero's Diary of the Dead(2008)-(台譯:活屍日記)觀後感

劇情簡介:
一群大學生以及一位教授，正籌拍畢業作品，聽聞電視新聞報導有「僵屍」出沒，於是決定拍攝實境恐怖影片，逐日紀錄僵屍動態，他們來到森林拍攝，卻隨著鏡頭一路闖入活屍禁區，遭遇了疫情的爆發。

原本只打算拍幾個片段的他們，必須面對不停湧現的僵屍群，這些被特殊誘因激發，群起瘋狂反撲的活屍們，將學生一個接一個生吞活剝，眼見一部恐怖經典就要在自己手中實現了，他們要如何逃過攻擊？拍攝的影片能否擊中僵屍死穴？或有更多僵屍的秘密？。

觀後感:
這個茫茫電影大海中，充斥著各式各樣的電影題材，聰明導演敏銳如食蟻獸能迅速嗅出那裡有螞蟻藏處般快速的抓住屬於自己的那片浮木，不載浮載沈的盲目隨波漂流，演變許多導演與該偏好電影題材變成指標性的容易辨認，有人專攻科幻題材，也有人專攻黑幫鬥爭，更有人專攻血腥恐怖，提到科幻親情內容，讓筆者聯想到Steven Spielberg(ET、第三類接觸、AI人工智慧、侏儸紀公園…)，義大利幫派爭霸及邊緣小人物故事，當然是Martin Scorsese(窮街陋巷、蠻牛、計程車司機、四海好傢夥…等) ，但如果要提到僵屍電影，我們反射動作般聯想到就是僵屍電影大師George A. Romero。

為什麼是僵屍電影聯想到George A. Romero?!
僵屍電影大師George A. Romero一生奉獻挖空肉腸的屍吃人片種，絕大部分作品脫離不了「Living Dead」活死人，當然他曾經也拍攝過幾部低成本B級恐怖電影，但作品不怎麼來的他其他作品出色。自首部作品《Night of the Living Dead》、續作《Dawn of the Dead》及第三部作品《Day of the Dead》都是述說地球人怎樣在變種僵屍的爪牙下偷生，三部曲要旨是表達人類，不論是白人、黑人，在病毒侵蝕下意志消失，化為嗅到生人氣味就生吞活吃的的眾屍平等。僵屍三部曲奠定他在僵屍界的王者地位，分別是晚上→黎明→白天，明顯看出是一天的時刻循環，也意味將是無止境的重複又開始，末日意識濃厚。

由George A. Romero所拍攝的僵屍三部曲，除了充滿緊迫感的演出之外，明確的人物描寫與極具隱喻性的劇情內容，是在當時所有類似作品所無法淩駕的。最主要的一點則是他的作品充分了反映出當時年代的情況。在首部作品《活死人之夜Night of the Living Dead》由George A. Romero一手包辦編劇、導演、攝影和剪接，只用了114000美元完成，透過影片講述一班被困孤島上的人類被僵屍襲擊的恐怖、詭異故事；鬼魅的黑白攝影，令人透不過氣來。但憑著George A. Romero的大膽意識、超級暴力及恐怖處理，影片不但極具娛樂性，更隱諷了當時美國的社會問題，乃當年最有代表性的Cult片之一，日後還影響了不少創作人。劇中所呈現出的殺戮感，寫照出當時美國社會對越南戰爭的社會反應。失去人性兇暴慘忍的僵屍，和拿著武器幹掉僵屍而獲得極度快感的自衛民眾，則是清楚的描寫出當時美國頹廢的精神世界。第二部作品《Dawn of the Dead》中以巨大賣場為舞臺，和人滿為患的僵屍群展開長期的抗爭本作品則是針對當時美國在越南戰爭之後，獲得表面上安定祥和的消費社會，但心靈深處卻依舊是頹廢無助，做出了反諷的效果。到了第三部作品《Day of the Dead》，僵屍已經蔓延到全世界每個角落，存活下來的人只剩下無助和絕望，這是反映出在環境破壞與核威脅之下，對未來失去信心的八十年代表徵。正因為George A. Romero的僵屍電影和時代的變遷有著密不可分的關係，所以才能夠與觀眾產生一樣的共鳴。

George A. Romero's拍攝的「Living Dead」系列如下
1.　1968年，Night of the Living Dead（活死人之夜）
2.　1979年，Dawn of the Dead（生人勿近）
3.　1985年，Day of the Dead（生人末日）

經驗了六十、七十至八十年代的活死人見證美國文化，二十一世紀的George A. Romero要諷刺的是現代的美國傳播感觀。
4. 2005年，Land of the Dead（活屍禁區）
5. 2008年，Diary of the Dead（活屍日記）

到了二十一世紀，George A. Romero's僵屍夢還沒結束，反而更猛烈更具針對性，而2005年《Land of the dead》中呈現出一個一座具有牢固圍牆防禦的城市裡，僵屍們無法進入，只得在外面的廢墟中遊蕩。在這座人口不多的小城中，人類也絲毫不忘地延續著以往的體制，少數富有和強權的人試圖保持過去奢華的生活，在城中建起高塔住宅以顯示自己高人一等的地位，這也是人類統治階級的最後城堡，而似乎很隱約的看出這是諷刺美國布希政府，而其中行動緩慢而以最原始的方式進行殺戮的僵屍們，有似乎在隱涉中東國家的恐部分子，雖然"僵屍"是行動緩慢比較好爆頭的動物，但是他們團結，一心不顧死活要佔領土地吃人肉。而人類卻儘管腦袋和行動都靈活，又有高級武器可以用，但是不團結而且自私自利，所以老是被“僵屍"趕著跑。導演在這部電影裏還是藏有很深的暗喻啊！

2008年《Diary of the Dead》，對筆者而言，或許期待越大傷害就越大，從小就喜歡看Zombie Horrors Films，一路上對George A. Romero的作品都有相當大的興趣好感，即使與筆者年紀相差一二十年的作品，仍被那斑駁不飽和色彩的畫質感到悸動，重點應該是看到某層面的文化表徵，對社會諷刺批判的力道如此真實，是許多電影沒有的地方，但今天看了《Diary of the Dead》，以George A. Romero's的僵屍烏托幫電影品質，本片真的說不上來算是佳作，反而淪落成尷尬不已的大師笑柄。

相較於受到George A. Romero所啟發的後期僵屍恐怖片，疫情大爆發僵屍橫行街頭的狀況，故事將拉到事件的最開端，主角們並沒有僵屍與死屍復活的概念，拍攝手法將會類似《厄夜叢林》，以多重攝影角度與故事支線來敘述，呈現僵屍災難的開端。問題來了，利用手持攝影機第一人稱拍攝手法噱頭電影，本片已經不算是先鋒，如同期上映的《Rec.死亡直撥》《Cloverfield科洛佛檔案》都是類似手法拍攝，此類型電影最大特色就是真實性十足，不停晃動的畫面加上驚慌的表情，的確使人有身臨其境的感覺，但是晃動的次數多了，就容易讓人産生視覺疲勞，換湯不換藥的內容和題材，叫人不厭其煩，抱著希望看，又帶著失望歸。劇情呢？劇情才是靈魂。

《Diary of the Dead》中許多讓人匪夷所思的地方真叫人不敢相信是出自大師的攝影機拍攝出來的電影，片中持攝影機者Jason至死一刻緊守記錄事實崗位，好友逐一成為僵屍口下亡魂，甚至能不為所動的在旁拍攝，光是這點完全不符合人性的基本恐懼，有誰能如此鎮定如此圖乎其來的災難中，可以沒有恐慌及逃亡的意識，更沒有拯救同袍的情感，眼睜睜冷血只為了紀錄一切，太假了吧!另一方面，George A. Romero把持不住電影全程完全DV拍攝畫面，中途穿插傳統電影拍攝手法，還有許多淡入淡出畫面，完全離經叛道而行，甚至穿插著許多煽情的旁白解釋狀況，讓觀者顯的額外格格不入，更破壞手持攝影機該有的電影特性，淪落成不成熟的半調子。

影片中提到的另一個重要的媒體就是網路。電影的主角也是用這一媒體實踐自己展示真相的理念。這當中當然有導演理性化的成分在裏面，特別是某帥哥義正詞嚴的說，“面對這樣的形勢，我怎麽能躲在暗示苟且偷生呢。不！我要記錄下事件的真相，死後讓後來的人知道發生了什麽。”老實說，這句臺詞相當的煽情，體現了勇敢正義的美國人民，尤其是美國未來的新聞工作者大無畏的英雄主義情懷和正義感。可惜，這個情節實在是太理想化了，只能讓少不更事的年輕人熱血沸騰。倒是影片的一句旁白讓我覺得很有道理，“（網路）上消息越來越多，每個人都通過各種方式發佈著各種各樣的消息。事件變得越來也撲朔迷離，不知道該相信誰的。當消息多到一定程度，傳達的只是——噪音。”這段話道出了對媒體進行監督的必要性。沒有監督的媒體必然走向混亂，因爲所有人都認爲自己掌握了真理代表了真相。

Bob Dylan唱了一輩子民謠搖滾，鴨子嗓音穿過許多家中音響，歌詞深奧附有時代批判性，從來沒有改變自己的創作風格方向，人家稱他為:民謠大師；BB King彈了一甲子藍調吉他，哭泣哀嚎聲般扭弦技巧，渾厚歌聲記載編織許多南方黑人的故事，我們稱他:藍調吉他大師；當創作者風格獨特明顯，沒有人會在意你風格不風格問題，更沒有人會在意你創新不創新這小家子氣問題，因為你已經變成某種文化事物的指標性代表，這時，George A. Romero或許該思考是否要繼續玩這些不屬於自己擅長的東西!

Agarrando Pueblo(The Vampires of Poverty)(1977)-(台譯:貧窮的吸血鬼)觀後感

劇情簡介:
兩青年受雇于一家德國電視臺拍攝一部反映哥倫比亞社會貧困階層的紀錄片。

觀後感:
這是一部惡劣的紀錄片，卻也非常真實紀錄和反紀錄了人們的生活，電影一開始，兩個年輕人拿著手搖式攝影機走上街頭，狂熱地像食蟻獸尋找萬頭鑽洞的蟻窩般渴望搜尋著城市中每一個破落的街區，他們尋找的是什麼?他們專挑路上的遊民、乞丐、瘋癲人士、街頭賣藝人家、陸上遊玩小孩、甚至連乞丐家都不放過，過程中當然有人願意被拍，也有人看到攝影機馬上走人甚至抓狂反擊，這都是人之常情，但導演為了讓紀錄片更”真實” ，讓拍攝一個坐在街角的乞丐，導演示意讓他搖晃手中的碗並裝作很可憐的樣子，老人無奈笑了笑如實照做，導演立刻掏出枚硬幣扔進碗裏，的確讓人覺得很諷刺。或是記錄一個街頭藝人吞火、睡玻璃屑和鑽刀圈的表演，拍到想要的素材後立馬閃人連錢都省了。以及拍攝小孩路邊玩耍鏡頭，當然孩子是最好對付的，於是他們用零錢爲誘餌讓一群小孩挨個往水池裏跳，製造流浪街童的“生活場景”。

片名取的確實有意思《貧窮的吸血鬼》，一個對紀錄片的導演來說，他們目的性就是用鏡頭補抓肮髒陰暗、貧困這社會的角落面，更希望最可憐愈能將議題渲染性提深，而攝者們爲追求金錢和名譽而故意放大事實甚至不惜採取捏造場景，誘使被拍攝者等不正當手段來達到自己的目的。像此類用非常手段製作的“紀錄片”刻意誇大社會的醜陋面，卻沒有深入剖析其成因，有些甚至僅僅是爲滿足外國人獵奇的心理而拍的。被拍攝者收著錢財利益願意自己貶低地位形象，連尊嚴都可拋到九霄外，名不其實的《貧窮的吸血鬼》，另一方面拍攝者透過攝影機主觀式的補抓非事實的現象，而宣稱為真實，主要也是為了紀錄片的商業性而破壞了紀錄片本質意義，可說是吸貧窮人的血的鬼，更罪該萬死。

用自身的不幸去博取他人的眼淚只是一種廉價的悲慘。而那些抛棄了紀錄片工作者最基本的兩點要求“實事求是”和“感同身受”的人至今依然還有，他們在拍攝過程中漠視被拍攝者的感受並把不實的想法強加於他們身上，就像吸血鬼一樣在榨取著貧苦大衆最後的一點利用價值。

持攝影機者和被攝影者，並不處在同一個階級上，也不處同一個環境立場，有如本片般設定，這已經不公平安排，這樣的確容易造成持攝影機者主觀性的設局，讓被攝影者純粹只是單純被被攝影，這樣已經不構成紀錄片的價值，導演的主導權存在是應該，但卻不能過多的主觀意識扭曲被拍攝者的本質。現在台灣電視新聞的缺乏中立性，過多的意識形態和不公正立場，偏袒呵護某族群，誇張刻意扭曲新聞本質和事情正義，導致社會何謂正確何謂錯誤已經渾沌，新聞背後政治操作，甚至連報紙都變成有意操作者的媒介傳體，對缺乏是非觀念的觀者容易誤導及潛移默化，煽動性報導引起族群仇化，這就是難道台灣的民主和言論自由背後的價值。

情非得已之生存之道(What On Earth Have I Done Wrong?!)(2007)-觀後感

劇情簡介:
主角豆子某天與友人聚會，談論起目前的臺灣政局亂象，幾杯黃湯下肚，他們竟異想天開計畫拔立委的假髮、開車衝撞總統府，而且還要把過程拍成紀錄片！

他雄心壯志地開始籌拍，沒想到一連串惡夢向他襲捲而來。先是男主角跑了，後來公司也沒錢了，爲了找錢，竟然幫女星拉起皮條、跟金主上酒店喀藥…最後他深愛的女朋友也因爲他混亂的男女關係離他而去，電影面臨停拍，人生陷入分崩離析的他遭遇愛情與事業的危機。

面對自己的荒唐，他不知道該怎麽辦？而他的第一部電影又該怎麽拍？

觀後感:
活在台灣，似乎快樂都變成奢侈的消費，大家處在一個不快樂的極度壓抑的社會，過渡緊繃的環境，人們處在許多壓力下生活，工作的壓力、生活的壓力、感情的壓力、理想的壓力、甚至對大環境期待的壓力，而有時候卻被自己的想法給綁死，總是想的比做的多，但是做的又比得到的多，就像電影一開始透過街頭訪談的詢問人們:「你快樂嗎?」這個尖酸又直接的疑問句，深深把這個電影故事透露出真諦。

看完電影，滿喜歡這部片的手法，但不喜歡這部片的海報(由衷不喜歡)，電影的價值不在是娛樂大眾的消費品，它已經超越了電影本身。鈕承澤的坦誠，把一個中年男人的心，放在了我的面前，焦慮、煩躁、欲望、貪婪、罪惡、竊喜、懷疑、崩潰、自省、重生，就像是照鏡子，我也擁有其中的一些，但那是我本身嗎？它們操縱著我，讓我不由自主，越陷越深，我憎恨它們，卻又依賴著，缺乏勇氣，不敢坦誠……

雖然電影宣稱以僞紀錄片的方式，跟Dogma95運動所提出的條例完全不符，火侯不足許多，只能說是利用手持攝影機來拍攝台灣偶像劇罷了，明顯刻意將紀錄片的真實性和煽動性最為號昭，但執行著內容卻還是灑狗血的荒謬人生，雖然手法過於操作，但不失本片觀看的價值，電影遊走真假之間，片中人物完全以本名跟原本身份入鏡，除了飾演鈕承澤女友張鈞甯現實中不是鈕承澤真實女友外，其他絕大部分都是真實身份，包括立委邱毅。真實誠懇地呈現生命掙紮，並將男女情感中‘坦誠’的重要性發揮得淋漓盡致，加上對現今社會與政治幽默嘲諷，帶出臺灣當代社會許多光怪陸離的現象。

蔡康永說的很對:「那些憤怒、悲傷、沮喪都是一些珍貴的感情，盡情的享受它，大家應該對自己的不快樂負責」鈕承澤的失控的生活拍的太真實不過，就像我們曾經做過或將要遇到的事情，有著切膚的痛，很多時候人總是小心翼翼的生活， 總是回避很多情緒，但也許越是回避，反而越是讓自己脆弱，越是讓自己看不清自己，不是風平浪靜就有好的結果。

快樂跟不快樂似乎只有一個念頭間的轉變 ，而你要的越多，快樂似乎就會越你越遠，而你要的不多，似乎快樂隨時都會降臨你身上，在這混亂、迷茫、清醒、認真思考生活的人總是不斷地重復這個過程，人因爲不快樂而追求快樂，其實人在不快樂中憧憬快樂的滿足感遠比在快樂中享受快樂要大的多，人不快樂便學會思考，下一站便是快樂，而快樂就像一貼麻藥，下一站也許就是不快樂，這兩者永遠都只是暫時的東西，只有活著，那些情緒是，才真實的東西!

坦白說，道理人人會說，但真的可以如此說服自己的有幾個。

[Rec](2007)-(台譯: 錄到鬼)觀後感

劇情簡介:
電視台決定做一個消防隊員夜間工作的深度新聞報導，美麗的女主持人跟攝影師跟了一整晚，啥事都沒發生。準備要放棄的時候，消防隊突然接到市區某老舊公寓的報案，指稱有人受傷。主持人雀躍不已，跟著消防隊員來到現場，遠遠地就聽到慘叫的聲音，攝影機一路開機猛拍。幽暗的走廊盡頭有個小女孩在哭泣，消防隊員緩緩向她接近，要她不要怕。當攝影機的燈光照到她的臉時，竟是一張如殭屍般，滿口血絲的臉，猛然向消防隊員撲來狂咬。

原來，公寓住戶已陸續被莫名的病毒感染，已事先知情的政府單位更派出軍隊封鎖這棟公寓，讓所有人都無法離開。一場宛如「毀滅倒數28天」與「活人生吃」的恐怖戲碼就在這棟被封閉的公寓裡展開……。攝影機成為唯一的證人，記錄了慘絕人寰的恐怖畫面。

觀後感:
哈哈!我比較喜歡之前預先設定的片名《鬼影全都錄》(感覺好像在賣藥的名稱)
這是一部相當真實的假故事。如果你心臟夠強，自認為很大膽的朋友可以嘗試一個人半夜關著燈，戴著耳機觀看本片，包你腎上腺急速上升，瞳孔放大，直冒冷汗，更是消暑的好方法。

1999年，有一部名爲《The Blair Witch Project厄夜叢林》的影片驚世駭俗地開創了一種新的影視類型，那就是仿紀錄恐怖片，然而過於超前的思想，使得很多年後才有人理解這個偉大的創意並蹣跚學步地進行模仿，最近恐怖電影工業似乎“又”玩起素人自拍方式的手法，以仿紀錄片方式將恐怖情節置入，透過手持攝影機拍攝，因爲從攝影技術的本質上來說，這個東西本就沒什麽，它只是在模仿一種業餘影像可能性的效果和方式，或者說一種極端情形下的“新聞（紀錄）寫實主義”。就是這種電影特性就是帶有極高度的真實性和新聞性，更能將主體可以相輔相成的達到製作者想要的目的，而這目的就是嚇死你。

最近很火紅的幾部恐怖電影，剛好以這類型手法呈現，尤其是最受大家討論的《Cloverfield科洛弗檔案》，更是花大錢作特效，透過手持攝影機拍攝神秘怪物的劇情，目前電影觀眾胃口已經非常挑剔，人類是好奇的，對典型正統的怪獸片已經呈現出一定疲憊心態，而它的形式是新鮮的，畫面是有創造性的，提供了一種新的消費體驗，是引起“驚奇”的。雖然片房還可以，但終究還是花大錢拍大戲的心態，那還不說說標榜另一部漂亮的新小製作，一部真正在小成本的限定中專注於技術實驗的控制效果，並成熟地將手持攝影用到了一個可稱經典程度的西班牙小品，一部手持仿紀錄片《錄到鬼[REC]》。

本片沒有過多黑暗中瑟縮作響的恐怖，也沒有西班牙電影一貫的沈靜唯美，只有搖晃動態的畫面，突乎其來的臨時事件，導演用血肉模糊注入活力，又用倍覺真實的鏡頭帶來窒息，逼仄的空間中人物仍然個性鮮明，時靜時動的鏡頭始終佔據主動地控制氣氛。如果說，該作以商業娛樂與試驗精神緊密融合爲目的，那麽，算是到位！這樣一種新的電影方式，影片強迫性地創造了觀衆的一類新接受體驗，即你在100分鐘左右的攝影機劇烈晃動的昏黑影像中，既一邊頭暈目眩幾將嘔吐，又同時體驗著一種藝術創新感的驚喜和愉悅。

本片雖然在各方面都表現突出，以電影角度來看算是好電影，但以實際現實面來看，電影情節缺乏合理邏輯，例如:電影中拍攝者拍攝的時間點似乎有點牽強，換個角度想，如果你被僵屍追殺，你還會拿著沉重攝影機邊跑拍著你的同伴和拍著僵屍追你的畫面嗎?而慌張逃跑的攝影師似乎比居住在那的居民更清楚空間動向，甚至可以清楚拍攝到僵屍攻擊的畫面等等，很明顯為了拍而拍，你跳脫劇情來看，以純紀錄片角度來看很多畫面都會覺得怪異突兀，但這部電影天才的地方就在於導演沒有老老實實的從線索一開始拍攝，而是完全避開了整個故事的中心，用女記者這條支線來展開主線故事，在看的時候，你完全不知道到底發生了什麽，而這就會給你帶來最大的恐怖！

Walk Hard: The Dewey Cox Story(2007)-(台譯:永不止步)觀後感

劇情簡介:
美國人愛Dewey Cox！
這位已經被傳奇化的音樂家兼唱作人，代表的是美國歷史上的一段文化的縮影。而隱藏在音樂光環的背後的，則是Dewey Cox起起落落、真假難辯的傳奇故事，因爲他的歌曲，改變了整個國家的信仰。在他盤旋而上的搖滾生涯中，Dewey Cox和411個女人上過床，結過三次婚，生了22個小孩，還有14個過繼的兒女……

在上世紀70年代，他自己創作並主演了一檔綜藝節目，大受好評。Dewey Cox的交友圈子甚廣，有像貓王和披頭士這種與他一樣的音樂偶像，也有不知名甚至不入流的流氓地痞，他吸毒、戒毒不知道多少次，似乎對於先上癮、然後再輕易戒掉有著近似於病態的著魔。然而正是這一切，才成就了Dewey Cox作爲一代音樂象徵的偉大地位，最終，還爲他贏得了一個好女人不離不棄的愛情，她就是後臺歌手達琳。

觀後感:
我們都知道，好萊塢最喜歡搖滾樂的演員是Jack Black，但是這次換了另一個胖子!某一次閒逛電影網站時，赫然被這張很白痴的海報給逗笑了，其貌不揚的胖子模仿起Jim Morrison的模樣，有模有樣表情和裝扮引起我想看的興趣，用膝蓋想，想必電影內容應該很白痴也很搖滾吧。
(Jim Morrison)
看完本片，真是讓人哭笑不得，但也很佩服好萊塢的電影編劇的厲害，把一個平凡的小故事巧妙的變成感人肺俯搖滾惡搞史詩電影，從影片一開始少年Dewey Cox把兄弟劈成兩半、到海報上那位胖子裝嫩扮中學生這些橋段就看出來影片有著俗喜劇的惡搞成份，講故事的手法有點無厘頭，但影片還是有吸引我的地方，那就是充滿了很多讓搖滾樂迷津津樂道的細節值得玩味。

主角名叫Dewey Cox?!想了又想，查了又查，發現搖滾樂史上沒這號人物，後來才知道是個虛構的傳奇搖滾樂手，而電影內容主要分為他演藝生涯跨越20世紀搖滾樂發展最鮮明的四十年：三O四O年代，主角在七八歲的年紀天賦異稟竟然彈出了Blues味濃重的吉他；到了十幾歲的青澀年代一曲“Take My Hand”甜美律動的節奏很討年輕人喜歡，但招來了保守人士的抨擊，這是搖滾樂啓蒙的處境體現；Dewey在黑人俱樂部一鳴驚人，這點正是搖滾樂源自黑人音樂的彰顯；Dewey最深入人心的名曲“Walk Hard”琅琅上口，極有五六十年代樂風的表率意義，舞臺下的Dewey Cox生活糜爛，睡過411個女人，結過3次婚，生有22個孩子，這個數字明顯是誇張效果，但對於搖滾樂與藥物、性回避不了的話題性來說，也並非是無迹可尋的。

更有趣的是，電影中Dewey與Elvis Presley、Buddy Holly、Beatles的一面之緣，故事巧妙安排穿插，更借鑒Beatles 的Yellow Submarine動畫橋段很酷，而前面才說過最喜歡搖滾樂得演員Jack Black這時他客串了一個超好笑的角色，就是Beatles裡面的Paul，超白痴的表演方式還跟Lennon鬥嘴 ，更值得一提的是這些模仿Beatles得演員口音模仿得惟妙惟肖，除了Jack Black。

進入了迷幻主導的七十年代，Dewey Cox作的曲子也越發曲高和寡，讓人聯想到The Doors的精神領袖Jim Morrison，垮掉一代的精神狀態投射在了Dewey Cox身上，追求社會責任感自身價值的體現，其中那首借鑒Bob Dylan的歌曲是一個驚豔的亮點，那個年代同時受到電視普及的影響，電視現場秀的催化讓搖滾樂的發展迅猛了起來；告別樂壇的二十五年後，重新回到舞臺上接受終生成就獎的肯定，這是最終的高潮，也給Dewey Cox傳奇而具有表率意義的搖滾歌手身涯劃上完美的句號。

Idioterne (1998)-(台譯:白痴)觀後感

劇情簡介 :
劇情描述一名剛遭喪子之痛的中年婦女凱倫在餐廳進餐時，出於同情心而跟隨一名緊捉她的手不放的白癡離去，凱倫在無意間認識一群假裝白癡的人，她也參與他們這小小的遊戲，而且知道他們的目的--扮白癡騙人。起先她很憤怒，但是後來就慢慢開始瞭解他們反常的心態，不過凱倫和這群惡劣的年輕人不同，她因為一件家庭悲劇離家出走，在傷心絕望之餘，藉著和這些人在一起得到安慰。

然而對另外一名年輕人艾索來說，由於這群人不斷騷擾他的日常生活，他越來越難面對他的家庭和工作。一開始他是為了好玩才加入，但是後來就變得不好玩，於是他萌生去意，加上其中有一名女孩的父親終於找上門，勸她回到家庭的懷抱，這就引起連環反應，大家都決定脫離白癡家族，最後這個團體終於徹底瓦解。

觀後感:
看完本片，心中充滿許多感觸，「白痴」這字眼，充滿著許多貶低歧視的口氣，不喜歡這樣的名詞字眼太多，現實社會中，也看過太多案例，很會演戲很會說官腔的人們太多，發自內心行動的人卻太少了，對智能障礙或是身體殘缺者，往往乍看下似乎不遺餘力協助他們，明星官員們好心下的背後出於博得人民的下次選票和好感，令人作噁的行為虛偽不行，根本就是戲謔荒謬行照顧「白癡」計畫的迂腐假面。

其實靠裝瘋賣傻來發泄對社會的不滿，古今中外一直都有人這麽幹。但是像影片中這幾位這麽過分的似乎還比較少見。透過不遺餘力地模仿智障人士的特徵行爲，他們在公共場合不斷地與這個社會開著玩笑，並從中獲得一種短暫的發泄之快感。白癡的形象是這群人的精神面具，同時也成爲了他們種種越矩行爲的盾牌，因爲人們是不會過分計較白癡所犯的錯誤的。但是，這個遊戲終究沒有玩下去。就象無數的無政府主義行爲一樣，逃不脫失敗的下場。本來是想以特殊的方式來嘲弄這個社會，到頭來發現被嘲弄的卻好象是自己，因爲你仍然無法超越這令你痛苦萬分的尷尬處境。而這個社會卻似乎根本沒有被觸動。

許多反社會、反傳統、反潮流之舉同樣都有這種缺乏理性的印記，因而始終局限於心性躁動與發泄的範疇，不得超脫。以荒謬來對抗荒謬沒有什麽太大的意義，充其量是在客觀上對這個世界造成一些不大不小的影響而已。面對這個紛繁複雜的世界及其諸多的問題，我們最終需要的還是理性的思考。

看過幾部導演拉斯馮提爾的作品，搖晃的手持鏡頭攝影機，真實不刻意安排場景，著重精神人道主義，為導演的最佳代言特色，但發現本片跟前後作品有明顯的差異，可以說是充滿實驗性也最堅持「Dogma」理念的純粹之作，更是向既存的電檢制度和觀衆的道德尺度挑戰。觀賞者能否接受甚至欣賞這部影片，要看他對電影與人生的態度而定。

何謂「Dogma」理念?
上網找了一些資料，得知一些訊息，「Dogma」是一群電影導演在1995年春天哥本哈根宣佈的一系列拍攝電影的準則。這些年輕的導演認爲傳統的電影已經到了窮途末路的地步，舊的規則必須打破，新的秩序需要建立。制定這些規則就是跟傳統電影叫囂劃清界線的意思。而列了幾個基本原則，內容是：

１影片的拍攝必須在場景的現場完成，不得取用道具和加工的場景設計（若是道具是非不得已需要，則需在道具可以被找得到的現場拍攝）

２聲音不得和影像的製作分離，反之亦然（音樂除非就存在於影片拍攝的現場，否則不得使用）

３必須使用手提攝影，任何移動或是固定的鏡頭，只允許在手提攝影裡完成（不得使用三腳架，影片必須在取鏡的現場完成）

４必須是彩色電影，不得使用特殊打光（若是燈光太弱不足以曝光，該場戲就必須取消，或是只能使用附加在攝影機上的單一燈光）

５禁止使用光學儀器（即濾光鏡）

６影片不得用淺薄的動作填塞（不得出現謀殺，武器等等）

７禁止背離當時和現場（影片必須就發生在當時或當場）

８不接受類型片

９必須是Academy的35釐米底片

１０電影導演不得冠以作者之名，更進一步地，我發誓作為一個導演我要壓抑住自己的個人品味。我最重要的目標就是從角色和場景裡逼近真實。我發誓就用所有我可以取用的手段、可運用的任何好品味和美學的深思孰濾拍片。

本片《白癡》的影像表現而言，雖然導演把握他所要的原則下所拍出的電影，但是電影必須還是要有人看，而極簡的製片條件不能是枉顧影片品質。所謂品質，是一種觀賞的普遍性及愉悅的視覺經驗的內涵，絕不是懲罰性的觀賞經驗，更不能形成觀眾歧視，即再好的劇本、再好的演員表現，觀眾的心理效應必須有生理（視知覺）的支撐做連結，除非，暈眩是情感表達的一部份。如果暈眩是一種重視肉體的實質，懲罰性的觀影經驗悖離電影曾經為最大多數觀眾築夢及儀式的美好過去，相信大家對這類型電影總會影響導致看電影的慾望。

NOROI(2005)(日)-(台譯:詛咒)觀後感

劇情簡介:
詛咒是在你身邊真實存在的駭人怨念
為了一窺自古流傳至今的詛咒原貌
犧牲性命拍攝的真實紀錄將震撼世界

鄰居家傳來的莫名聲響、失蹤的超能力少女、詛咒電波、靈體蟲、集體自殺的鴿子們，以及沈入水壩的村莊所進行的被詛咒祭典。在串聯這些看似不相關的事證後，令人驚愕的真實終於出現眼前。而解謎的關鍵字「鍋具魂」又是什麼呢？所有的答案，都在這部充滿傳奇色彩的電影中。

本片源由是日本一位怪奇與靈異的作家小林雅文(作品除了書也出拍攝剪輯成的影片)，在2004年4月完成最新作品「ノロイ」之後，隔幾天家中發生大火，妻子被燒死，小林本人失蹤，「ノロイ」這部以「詛咒」為名的紀錄片作品也由於內容過於恐怖被壓下來未正式出版。一直到了「七夜怪談」超級製作人一瀨隆重接手才正式以電影的形式出現。雖然劇組花了近1年時間進行訪問，但相關者大都因為害怕而不願意表明事實。所以電影為了顧及實際存在的人物，部分影像改用數位元處理或改拍的方式呈現。才完稱了這部應該被封印的作品。

觀後感:
很久沒看恐怖片了，或許是因為近年來的恐怖片太讓人失望了，導致失去看恐怖片的信心和樂趣，都是老調重彈的模式。漸漸的很少在部分有所感觸，但我看了本片，真的有點又被嚇到的感覺又回來了，因為本片用了非常不戲劇性的方式去詮釋一種真實的恐懼，可說是自從《厄夜叢林》（The Blair Witch Project）以來最讓人”真實”內心恐懼。

看完本片我只能說日本人真的很會拍恐怖片，從片子的拍攝手法到內容的故事的鋪陳，都讓人感到心機。要說什麼最感到害怕，相信就是真實事件吧!而本片就是以”真紀錄片”形式去拍”假真實事件”，但經過刻意有心的安排設計事件，讓人過度信任而忽略了背後操弄，這種非常貼於現實和沒有刻意場景戲劇的手法來突顯某種議題，讓議題以最原汁原味的本質用鏡頭呈現，彷彿就是看紀錄片。

《厄夜叢林》在2000年一推出，以一句電影宣言就嚇死一推人”真實紀錄呈現”，的確看過的人都被這句話給嚇的一愣一愣的，加上故事內容的神秘性，電影中手持性拍攝產生的晃動效果，演員開心緊張崩潰轉變的真實情緒補捉，而沒有數位剪接的痕跡，種種特徵讓人信以為真的真實電影，其實後來才得知，只是一隻大學生用DV所拍攝的”假紀錄片”，真是很多人被罷了一道!而本片更可以說青出於藍更甚於藍，最了不起的地方便是氣氛的營造，而這種營造多採用的手法是色彩，煙霧，景深，奇異的畫面，甚至突如其來的惡鬼現身等等，但本片由於是紀實風格的，所以這些手法幾乎都很難運用到，更要表現出一種絕對現實的鏡頭，但這種絕對現實的影像效果如何能夠讓觀衆信服呢？那就是日本人最善長的講與說。許多日本的恐怖片中，人物嘴中所說出來的恐怖是極其重要的，它往往給觀衆一種帶入感，而這種帶入感又顯得是那麽地親近，真實，從而造成一種真正的心理恐怖。

The Blair Witch Project(1999)-(台譯: 厄夜叢林)觀後感

劇情簡介:
三名拍電影的學生出發前往柏萊克山丘拍攝有關布萊兒女巫的紀錄片，背著八天的糧、錄音機、HI-8攝影機與16釐米攝影機。忠實地紀錄他們在叢林中的每一分、每一秒，以及說過的每句話，在柏萊克山丘迷了好幾天的路之後，海瑟、喬舒亞與麥可三人飽受飢寒交迫，並且被不知名的『物體』獵殺。跟據當地居民表示，他們進入叢林的第一天後，就再也沒有人見過他們了，雖然出動了上千人搜山，卻沒有找到三個人方任何蛛絲馬跡。經過十天的連續搜索之後，馬里蘭警方不得已宣告搜索失敗。一年後，三名學生的背包被找到了，裡面的拍攝帶忠實清楚地記錄了三個學生最後的旅程。

觀後感:
本片又開創了新的電影文化。已成為電影史上投資報酬率最高的電影。全片都是用即興演出，來完成這部『假的紀錄片』，因此稍微入戲一點觀賞，還『頗真實』。尤其全片最後，真的是讓人看了不寒而慄！在電影的發展史上，電影的形式已經堂堂邁入100年的歷史了，而恐怖片的發展，也可說精益求精的變化著，讓恐部分子一直享受著被嚇的刺激和快感，可是，當恐怖片當道的今天，恐怖片為了應付今天重口味的觀眾，所以設計和揣摩出來的恐怖角色和劇情，逐漸偏向以噁心血腥的視覺震撼來達到恐懼的侵略，也漸漸的沒有新的點子，光看起來有點趨向無新意的嚇嚇人，導致有點無觀後的反思效果，而據中的恐怖角色，也講究新鮮和未使用過的塑求在，而開始天馬行空的發想奇怪造型的怪物，不合乎恐懼的元素和離現實生活太過於遙遠，共鳴的聲音越來越少和打呼聲則越來越多!

「厄夜叢林」是一部仿紀錄片電影（Mockumentary film，「具有說服力的假紀錄片」）。本片你會看到導演精心「設計」的故事敘述背景：美國馬里蘭州（Maryland）的Burkittsville小鎮上（舊名布萊兒鎮－Blair），流傳著女巫傳說。從1785年後二百年來，鎮上不斷有小孩被綁架、殺害、失蹤、離奇事件發生。傳言小孩在女巫家被殺前都要面對著牆壁。1994年10月，三位蒙哥瑪利大學影劇系學生前來拍攝有關這個傳說的紀錄片，背著八天的糧食，訪問鎮民後進入森林，不久即迷路、飢寒交迫、被不明物體獵殺，之後消失無蹤，警方搜尋無獲。一年後，他們的背包被發現，裡面的錄音帶、Hi-8攝影機、16釐米攝影機清楚地紀錄了三人的最後旅程。不管是真實還是虛構的架構下的劇情，我認為他已經達到他們的目的了，嚇死人不嚐命的原則!

整個故事是由二位年輕導演編造出來，三位主角以實際姓名、真實的體會，靠導演每天留字條指引暗示，邊拍攝邊形成對話，並被導演驚嚇至半歇斯底里狀態而完成拍片。因為太過於真實，電影又運用了恐怖片的極致手法（美國影評人形容為「死寂的空氣、粗糙的表演、極端的情緒轉變、焦慮期待未知發生的事」），讓觀眾看不見惡魔卻心生恐懼，因而贏得近年最恐怖的影片之一的名聲。

如果你是一位常看電影的電影迷的話，剛看本片電影時，你會頓時非常不習慣本片已DV拍攝下的粗糙的畫面顆粒，和晃動的鏡頭加上毫無編排過後的劇本，而常常晃動的鏡頭真的匪夷所思到極點，常常會有拍攝畫面黑到不行，而只能靠演員的對話內容了解狀況，讓人看了非常不舒服和緊繃，完全擺脫你以往看的電影的模式和方式，就好像看著自己拍得作業般的感覺，極為真實和靠近!不過漸漸的你會因為此手法，讓你更加投入劇情的安排中，如片中半夜忽然被莫名物體攻擊帳棚，而慌亂的逃跑或是團員爭吵時毆打鏡的臨場感，及半夜靜靜的忽然間的尖叫聲，都是讓你毛骨悚然!

本片常被比喻大象與小螞蟻的戰爭，將近4千倍的投資回收，打破了電影史上的記錄，也跌破了好萊塢製片人、電影工作者的眼鏡。「厄夜叢林」這一陣旋風，刮起所有電影愛好者的省思：如果一部電影能用不到4萬美金的行銷預算，創造觀眾熱潮，那麼好萊塢大製片場如派拉蒙、廿一世紀福斯、華納等電影公司，為何還要砸下大筆預算做廣告宣傳？「厄夜叢林」現象絕不僅是一場騙局。它預示了電影工業正邁入革命的新紀元。數位新科技正迅速改變電影製造、銷售、觀看的方式。因為有了電腦、數位攝影機、網路，許多獨立製片、年輕、有才華但無財力的電影工作者，能自行製造、行銷、傳佈其作品。

9 Songs(2004)-(台譯:性愛搖滾樂)觀後感

劇情簡介：
探索南極，就像探索太空。舉步維艱，舉目無人。我在雪地裡艱難的行走，身後是一長串整齊的腳印。

影片開始於一片白茫芒的大地，南極。這片在20世紀以前沒有人踏足過的土地，飛機停留在上面，時間也彷彿靜止。故事就從Matt的口述開始。

我第一次遇見她，是在布魯克斯頓的音樂節。她叫Lisa，21歲，很漂亮，我想她就是我一直以來追求的夢中情人，激情而又瘋狂。我們一起聽演唱會，做飯，磕藥，還有不停歇的，做愛。日復一日，這就是生活。演唱會上沸騰的人群，激昂的歌手，是我們愛情的見證。我迷戀她修長的、像男孩兒般的身體，還有她可愛的舞蹈。我不知道這樣的日子會持續多久，儘管偶有爭吵，但至少，現在，我真實的抱著她，感覺著她。

那首歌裡唱到：現在我們悲傷，因為現在已經消逝不見。那一天終於來到，她卻不讓我到機場送她。她說，她不喜歡告別的儀式太長。我走在街上，紛擾的人群依舊，只是她已不在。我知道，在地球的另一頭，美國，她的生活依然會繼續，可是已經與我無關。很多年後，當我想到Lisa，我想到的是天邊的雲彩，還有一種滋味。那是愛情的滋味。

觀後感:
當我看完本片時，心中頓時感到平和及溫暖，一種安靜的躺在母親柔軟的子宮內般的舒服和熟悉，這時，調皮的我故意地巧巧將這時間沙漏往回翻轉，時間就像似洗完澡將阻水的塞子拔掉般，水流往一個黑暗過去的深淵奔去，漩渦般的同心圓狀，一點一滴的想起妳，想起過去，想到之前的點點滴滴，也許我們已經分開，也許我們之間充滿無奈，我只能默默承擔，畢竟我們卻是曾經美好過!

9 songs算是一部爭議很大的電影，很多電影評論直接指責它簡直是一部硬核色情片（hardcore porn），情節很簡單，一個年輕的冰河學家，在南極回憶起和女友的愛情往事，中間穿插進了一場演唱會的九首歌。說它像A片也是因為這段愛情回憶裡完全沒有一般浪漫電影的偶遇，誤會，相愛，分離這樣的情節，而幾乎完全是由他們的性愛片斷組成。而且表現得直接坦誠，不光兩個主角三點全露，而且有某些器官興奮狀態下的大特寫，並有貨真價實的做愛記錄。

本片導演麥克溫特波頓以極端的方式，純粹以「性」直率而私密的探討男女關係。Matt回憶著與美國女友Lisa的戀情。廣闊無邊南極大陸的靜謐，交錯著倫敦擁擠嘈雜的搖滾樂酒吧，全片以DV手持鏡頭拍攝，被指為A片的赤裸做愛鏡頭，卻是最真誠的愛情影片。

坦白講，個人很喜歡本片導演節奏感拿捏，情緒和節奏控制得如此完美，如果你把其中電影的樂團演唱片段和畫面拿掉，其實也可以當A片看待，沒有主軸的劇情鋪張，只剩下讓人血脈噴張的親熱鏡頭，好像一個被拔光身上唯有遮掩羞處的薄衣，極為真實極為肉慾，可是導演巧妙穿插著樂團表演的現場畫面，彷彿就讓這個裸露的少女軀體，加了一件時尚的外衣，將將她放在聚光燈下，頓時就變成了藝術品，我一定會說：「這個就是藝術和色情的區別」。電影裡面的那些哀傷的歌曲和激情的畫面幾乎配合得天衣無縫，很好的傳達了那種傷逝的，宿命的情緒，演員也表演得很好，自然且放鬆，而後來察一下資料，才發現，片中演員在現實生活中，原本就是一對情人，難怪可以以如此自然而且熟絡的方式進行許多親熱行為。

男女主角生活於音樂之都倫敦，他們的關係似乎只有以性愛來維繫。生活除了性愛就只有演唱會。其實這也是不少英國青年的生活寫照。似是一種空虛的肉體關係，但導演就用了南極這個虛無縹緲的地方來反映男女主角間的事實。我不想成為陳腐的衛道士之流，一昧的指責本片過於情色，沒有深度的內容和內涵，而還被說成只是色情電影，看過許多電影中，極少部份導演感勇敢去表現性慾再兩人感情中扮演的地位和作用，總是用唯美的畫面和刻苦銘心的分離來賺取一些不敢承認自己的電影觀看者的熱淚，一般人的理想愛情總是浪漫兼溫情模式，愛的總是對方的靈魂，表露出一點點肉慾的本能，彷彿就會玷污了愛情的神聖。靈與肉雖然同等重要，也同樣渴求，但是普通人還是把它們分開來比較安心，所以戀愛最好純情，偷歡才可盡興。

當愛情像是飛機，只聽到聲音時，已經飛過去了，摸不著也遠離你，就是是抓不住了，怎樣也抓不住了，電影百分之80的畫面，全是肉體上的接觸，汗水淋瀝地氣喘吁吁，四肢糾纏，可我看的時候，卻總感覺得到一種沉靜的傷感---再欲仙欲死，也只是一段茫茫冰原上的回憶了。當一切都過去的時候，才明白愛情短暫且不可把握，生命也寂寞如雪，我們唯一能依靠的，也不過是記憶中肉體的餘溫吧。

無可否認，不是每個人都能看得入味。因為太多人知道搖滾，但太少人認識搖滾。或者每個人所看到的都不同吧。