陰鬱曖昧死亡的交錯故事 / 春風沉醉的夜晚(Spring Fever) (2009)-觀後感

劇情簡介:

在南京開小書店的王平背著妻子林雪與男同性戀者姜城有染。對丈夫行為生疑的林雪委託羅海濤跟蹤王平，發現了薑城的行蹤。

氣憤的林雪到姜城任職的旅遊公司大鬧，迫使其與王平分手。羅海濤有一個在制衣廠做工的女友李靜，但他卻在跟蹤的過程中對姜城產生了好感。羅海濤與分手後情緒低落的姜城交往，二人關係日漸親密，但與此同時他又難捨李靜。

在三人共同出遊的過程中， 李靜發現了羅海濤與姜城的曖昧關係，傷心落淚。一座城，許多人，都在感情的路上崎嶇前行。

觀後感:
大陸電影市場，近幾年來，很有趣衍生出兩種類型模式，一種就是大卡司大陣仗的商業電影，高資金堆疊效應，電影本身完全成為商業化的經營，單純只為了賣錢而拍，許多港臺三地地區的演員和導演，皆紛紛往大陸這邊靠攏，不能否認這類型電影的娛樂性質，但是有表面，卻少了誠實，常常看完電影換來一場噓聲，彷彿是一部部空洞的泡沫劇，反而，另一種電影模式的存在，更顯的珍貴，就是獨立電影，導演們堅持低成本低技術渲染的浮誇，著重電影本身的故事性和導演的中心價值，但相對的，叫好不叫座，婁燁導演便是最讓筆者欣賞其中一位導演，他身上有著中國電影最缺的兩樣的東西，誠實和慈悲。 他敢於指出人的困窘和卑微是人性中不可被分割遺忘的一部份，而不從某種道德立場做出虛偽無益的評價。他敢於關注最邊緣的人群，並指出我們本質的相同。這種包容和清醒的態度，實在是太少了。

電影值得一提的是，影片與郁達夫的代表作《春風沉醉的晚上》同名，而電影也大篇幅的使用朱自清和郁達夫的文句詩詞華誼的婉約融進灰暗泛黃的畫面裡，那種如同掀起鋪滿塵埃羅綺一般的質地讓人不禁再次為影片濃鬱從內而外濃重的中國氣質而讚歎。

婁燁導演習慣性用手持DV拍攝的風格，可從代表作品《蘇江河》直接連結到本作品，寫實又搖晃的鏡頭，讓人聯想起Lars von Trier，他們共同目的都是與當今影壇某些拍攝傳統相抗衡。現在大量的電影已瀕臨死亡邊緣，因為太注重外在的東西，刻意製造假像去迎合觀眾的趣味，反而淹沒了真實的情感，必須立即採取措施，儘量抹掉一切科技帶來的“化”，恢復“故事和角色”，現今的電影太過講求特效，卻忽略了電影本身的精神，他們主張現場收音、用手提攝影、不事後配音、不用濾鏡、以及拒用一切會美化畫面的手法。

看似粗糙的畫面渲染下蘊藏著是中國內地導演難得地細膩與敏感，髒亂的中國城鎮(南京)的背景和頻出的赤裸畫面下刻畫出的是成熟的成人世界愛情故事，在內地影片中一個不太純潔但難得純粹的愛情故事，電影裡的三男兩女都是將愛情視為禁臠的小理想主義者，只是兩個女人總是會因為自以為是而觸及底線，三個男人總是會因為異想天開而越入雷池。他們有執著於逝去的愛情而安靜自縊的，有迷信于光明未來而自我犧牲的，有服從於自我欲望而決然分裂的，也有涅槃於愛恨交織而心無羈絆的。他們在而立之年的愛情中都獲得和失去了什麼，最終領悟到了這個年代現實的力量而臣服。

最不搖滾的搖滾電影 / Taking Woodstock(2009)-(台譯:胡士托風波)觀後感

劇情簡介:
1969年，室內設計師Elliot Tiber原本在紐約工作，因為父母一再的懇求，決定回到家鄉重整岌岌可危的家族事業---快要倒閉的破爛汽車旅館，正當Elliot Tiber還在苦惱要如何挽救這間旅館時，他聽到了一個令人振奮的消息，那就是隔壁城鎮推掉了”胡士托音樂節”的舉辦權，於是他毫不猶豫馬上打給音樂節舉辦人，邀請他們來白湖鎮舉辦萬眾矚目的”胡士托音樂祭”，希望音樂節的人潮可以為乏人問津的旅館帶來生意。

觀後感:
李安導演既然拍起”Woodstock”這個題材，實在叫筆者刮目相看(當然憂喜參半)，好奇如何透過東方文化思維去詮釋這個美國獨特的文化事件，那個二十世紀最具話題性的音樂節，更何況李安導演的導戲風格，彷彿很難與搖滾、嬉皮、音樂最為聯想，種種質疑猜測，隨著電影的開始至結束，完全拋到九霄雲外，只是能說李安你太搖滾了。

音樂、藝術、愛與和平，再加上美國當時的時代背景，被反復強調的詞語無疑是“自由/FREE”，無論是精神上的還是肉體上的。電影中實驗劇團在迎接從空飛來的直升飛機時，脫衣解帶即興舞蹈，還有他們高呼的“Make love, not war”。嬉皮士們的長頭髮，長鬍鬚，寬鬆隨意的波西米亞風格的衣服，迷幻藥和大麻，所有的束縛 都被拋到九霄雲外。甚至隨處可見的裸體青年人，低矮的灌木叢是他們縱情的烏托邦。這裡沒有歧視和嘲笑，沒有戰爭和壓迫。

看李安的電影，彷彿有種解脫的感覺，他能將複雜的人際關係、家庭關係，甚至情感關係，惱人糾結一絲一線的順合起來，不刻意的矯情，卻有濃濃的人情交集；一個孩子製造的三天安靜祥和的搖滾音樂節，導演心態平和，本片依舊屬於慢熱型影片。這部電影算是李安的水準之作，少了點以往的針刺麥芒，但裡面隨處可見李安的慣用手法，就像李安的標籤。

李安的Woodstock特點:
社會大環境
不管是東方（《色戒》、古典《理智與感性》美國《斷背山》），李安總是能準確的抓住那種時代的基調，畫面的質感，考究的細節，人物服裝，李安總是能準確的還原時代的大環境。《胡士托風波》裡，李安對嬉皮士文化、越南戰爭、同性戀民權運動、紐約格林威治村的石牆事件等點到即止式的做法，卻可以讓那個特殊的年份立起來，李安的敘事手法和電影精緻度越來越講究。

同性戀
李安總是離不開這個詞，《喜宴》《斷背山》兩部的經典同性戀電影的標籤，已經讓《胡士托風波》繞不開這個話題。男主角Elliot的身份特別，見證著當年的同志民權運動，電影中沒有過多的描寫，大量的曖昧眼神，最多就是一個接吻和清晨床上身邊的男性身影，這確實不是電影的重點，但對於李安，這已經成了一個標籤。

Woodstock
嬉皮士、毒品、性、搖滾和泥漿，Woodstock音樂節是搖滾歷史上偉大的音樂節，安靜而祥和，人們為了和平而來。音樂節的創辦者們一開始的麻煩，Elliot把音樂節拉到了自己的小鎮，儘管麻煩不斷，電影幾乎還原了音樂節的製造過程。有趣的是，李安完全不著墨在演唱會歌手表演部分，幾乎本部電影沒看到演出者的出現和表演畫面，只有在遠方聽到Jefferson Airplane迷幻的節奏和Grateful Dead麻麻辣辣的旋律，有種讓搖滾迷感到癢處抓不到癢的感覺。但對於搖滾迷們來說，那是一個偉大的年代，那裡有著偉大的歌手，和經典的音樂。時代變了，於是我們開始緬懷。

嬉皮
嬉皮士是個貶義詞，比喻那些長髮的、骯髒的吸毒者。這群人也離不開政治和毒品。嬉皮不是一個統一的文化運動，它沒有宣言或領導人物。嬉皮用公社式的和流浪的生活方式來反應出他們對民族主義和越南戰爭的反對，他們提倡非傳統宗教，批評西方國家中層階級的價值觀。這群人熱愛和平的年輕人，因為對社會的不滿他們通過使用毒品、神秘的修養或兩者的混合來改變自己的內心。就像電影中那樣，他們留著長頭髮，大鬍子，穿著色彩鮮豔或者另類的衣服，他們自由戀愛，對性和裸體的態度開放，不排斥同性戀者，和朋友們在一起，喜歡群居的生活，他們在綠地上彈奏吉他，喜歡搖滾音樂，聽固定口味的音樂，比如Jimi Hendrix和The Jefferson Airplane的迷幻的搖滾樂、Janis Joplin的Blues、Sly&Stone Family、ZZ Top、Grateful Dead(這些大人物都有出現在當年Woodstock的音樂。他們不抽煙，但使用可以產生的幻覺的毒品來達到內心的修養，尤其大麻和其它能夠產生幻覺的藥品如LSD和蘑菇。

家庭
家庭問題一直是李安電影最常出現的題材，應該也是導演和觀者間最能產生共鳴的一塊，電影中主角Elliot，和父母親一直處在一處即發邊緣的狀態，母親偏激勢力，父親安靜，因為兒子的決定，讓他們之間更產生莫大的變化，電影最後兒子想離開家，父親是支持和理解，這個老頭骨子裡流淌的也許也是嬉皮血液，他可以接納異裝癖的男人，可以深度交談，也許這個父親唯一的悲哀就是早出生了那麼多年，然後因為愛情娶了一個愛錢的女人。那是愛，不管觀眾理解不理解，他究竟愛著她什麼，就像兒子最後的不解，那是一種近乎親情的習慣吧，叫做愛。

細膩幽默的法式三人戀 / Les Amours imaginaires(2010)-(台譯:想像中的愛情)觀後感

劇情簡介:
Francis(男)和Marie(女)是一對好朋友。在一次晚餐上，他們遇到了剛進城的鄉間男孩Nicolas。隨著交往的深入，這對密友被無數明顯或想像的跡象搞得心神不寧，陷入各自的幻覺中不可自拔。很快，一場愛情對決威脅到他們曾經以為堅不可摧的友誼。

觀後感:
Xavier Dolan纖細蒼白年輕導演，前作《聽媽媽的話》給人非凡驚異的表現，電影深刻探討同性戀議題和同儕間的關係，間接導出家庭親情的脆弱及珍貴，寫實鏡頭下 的主角(也是導演本人)，赤裸坦蕩蕩，刻意透過紀錄片般訪談畫面穿插在劇情故事中，他憤怒他嬌貴他優柔寡斷他難過，愛母情感無形之中洩漏出於抱怨後的喃喃自語，果然作品引起不小漣漪波動整個電影市場，2010年推出個人第二作品，雜糅著眾長，卻努力張揚著自己的印記。

《想像中的愛情》別於前作《聽媽媽的話》嚴肅寫實鋪陳，反而採用輕快幽默之手法，好聽的音樂，賞心悅目的男主角，尖酸刻薄的對話調侃，彷彿進入Woody Allen的愛情鬧劇般，劇中錯中複雜的親密關係，更凸顯反映當下都會男女間愛情觀；電影的每一個鏡頭都十分考究並色彩唯美，任意屋內或風景配以光線都擁 有截取的價值，配合劇情的提琴配樂讓人沉溺其中，而演員精緻的外形和散發的魅力更是隨著內心的展現而愈加迷人。

電影為同志題材，常見的一 男一女同追一男，並不新鮮。在Francis和Marie眼中，擁有一頭金色卷髮，幽默可愛並有修養的Nicolas猶如大衛雕像般近乎完美。他們同時陷 入了對Nicolas的幻想之愛中。他們都渴望Nicolas的愛，但彼此間又裝作毫不在意，不願被對方看穿，實際上心知肚明暗中較勁。最終在鄉間度假時 因為爭風吃醋而大打出手。Nicolas明白，三人友誼的裂痕已然無法彌合。而Francis和Marie對Nicolas的愛情更是成為奢望。是什麼成 就了幻想？無疑是曖昧的情緒。正如Marie所說，Francis是一個敏感的男人，對於感情。他無法克制地將朋友間的親昵當做是愛情的暗示以至於讓自己 深陷沉淪。Nicolas是迷人的，而Francis只是眾多觀眾中的一員，只是有幸地成為Nicolas朋友中的一位，他卻將自己視作了中心，卑微易碎 的中心。結局讓人心下惻然，兩人選擇了在最糟糕的時刻表白，兩人都得 到了冰冷的拒絕。

愛情消逝了便無從再度追回，友情卻可以縫補。 Marie對Nicolas在經歷了Nicolas之後互相憐憫般地再度結成了統一戰線。一年後兩人再次在一次派對上再次遇見Nicolas，卻都擺出了高傲的表情，甚至不給Nicolas寒暄的機會。這是出於本意嗎，我想不，從Francis緊閉眼睛靠在Marie的肩膀上便可以看出。得不到的，何不大方承認自己的失去呢。真正擺脫之後，就只會留下一段不好的回憶而已，和那些美好的回憶一樣。

電影許多場面值得讓人留意，尤其是吞雲吐霧的 誘惑和那首出現了三次的歌曲《Bang Bang》(電影《kill Bill》中曾也出現過)。還有涉及到性愛鏡頭的光色處理——藍色，紅色，黃色。之前並不瞭解Xavier Dolan這位天才的年輕導演，身兼六職著實讓人欽佩。不論電影的深度，拍攝的技巧，是否過於形式而疏於人物情節的豐滿；光是這美到極致的異國風景和看了心曠神怡的演員，也已經足以吸引筆者我的目光，相信對於很多人來說也是同樣。只是整日吟唱青春死亡的男人，也有一天會老去，丟了青春，丟了敏感，最後丟了自己的那 種掙扎。聽聞Xavier Dolan下一部電影將完全退居幕後，雖然可惜了那張精緻面孔，但也拭目以待。

j'ai tué ma mere(I Killed My Mother)(2009)-(台譯:聽媽媽的話)觀後感

劇情簡介:
十六歲的少年於貝爾父母離異多年，這個處於叛逆期的年青人發現，他和母親再也不能像往昔一樣親切的聊天，伴隨著這對母子的是似乎沒有盡頭的對峙……。

觀後感:
該說台灣片商用心還是歌手周杰倫厲害， j'ai tué ma mere 英文翻譯為《 I Killed My Mother 》，照字面翻譯應該翻成“我殺了我媽媽“之類的名稱才符合，但台灣片商卻翻做“聽媽媽的話“（和周董的歌曲名稱雷同），這樣故弄玄虛安排設定的確引起不少觀者想看的慾望，就算內容完全是另一回事，但這樣的安排，確實是個好翻譯。

電影一開始，俊俏的臉龐大面積佔滿了畫面右半部，捲曲有形的頭髮確實好看，左半邊畫面留白安排給人安靜感，緊接著那位蒼白稚氣未脫的少年開始指責母親吃東西不優雅，食物掉落邋遢樣，到漸漸地爭吵，甚至主角慌稱母親一經死亡之類荒謬事情，到單身母親和成年兒子之間的生活原則不同，關於成長男孩和跋扈的母親之間矛盾的電影開門見山地拉開了序幕，嘗試擺脫母親束縛的男孩，試圖掙脫母親的管教，自由飛翔。

電影《 聽媽媽的話 》，由出生於1989 的Xavier Dolan 編劇、導演和主演，根據他的部分真實經歷改編，講述了一位十六歲的少年與母親之間的關係、以及在成長過程中對同性戀性傾向的自我發現。導演實在讓人佩服， 有一種吸引力，有現場感。 掌鏡功力完全不遜色於其他線上新銳導演，年紀輕輕卻能將如此沈重議題準確呈現，電影節奏有著冷靜中隱藏著爆炸的危險，沈默中醞釀著千言萬語的複雜情感，這是難得的作品。

電影中透過低沈厚重大提琴，總好像是在訴說著成長的煩惱，更像是哭泣中的哽咽聲，把主角無形的惆悵，較好地利用音樂的方式表達出來，給與情緒上不能表述的空白在空間上做了有效的填補；電影很美，美在畫面的質感，暖色調的大量運用， 是一個溫和“殘酷的家庭電影”，母親穿著婚紗在黃色的秋天裡奔跑的畫面，尤其讓觀眾感受到生死離別的愛恨情愁；大色塊的色彩運用，可以看出來生命的單純與多樣性；張揚著年輕導演青春洋溢的灑脫個性特點；電影很美，文學的氛圍瀰漫電影空間，補足了表演的空間，具體了男孩內心世界的動態，增加了電影元素中有效的畫面鏈接，增強觀眾對於電影中內心世界更強的認識和理解。電影很美，美在油彩於牆上的任意潑灑，撒著年輕的激情，撒著當下青年人自由世界觀，撒著自由及自我的人生價值。

電影沒有傳統保守單方面地簡單說教，只是把同性兒子和跋扈的母親之間的問題擺在觀眾面前，讓為人父母的大人思考怎樣面對孩子的成長教育，讓筆者連想起蔡明亮導演的作品展現的情緒，於異性戀者同樣有共鳴。這就歸功於導演刻畫生活的功底了。筆者很是欣賞他深入生活的力道。這種力道最直接的表現，是其最為人稱道的優點——幾近與現實等速的節奏。讓正在成長的孩子，學會用成長的眼光再次觀察自己的父母，如何行之有效地解決各自面對的人生問題，電影裡運用了大量美學因素來增添我們的視覺享受，不僅告訴我們這是一部很嚴肅的成長電影，更是一部視聽美不勝收的青春電影。

Velvet Goldmine(1998)-(台譯:絲絨金礦)觀後感(重看)

劇情簡介:
1971年，華麗搖滾風行一時，無論在音樂的風格和樂手本身的作風上，都呈現驚世駭俗的一面，他們的曲風熱鬧絢麗，樂手裝扮俗麗，行爲放浪，大大影響當時年輕人的穿著打扮及性觀念的解放。

觀後感:
濃重的眼影，閃爍的亮片。
魅惑的紫和迷醉的綠，寂寞的高跟鞋。
華麗搖滾。
倫敦，紐約，六零年代。

69是一個魅惑的姿勢，也是一個魅惑的年代。反戰，喧囂之後的沈寂。沒有人相信烏托邦。沒有人再寄希望於革命，傳統已經轟然倒塌。所有人都浸淫在一種不著邊際的迷幻感中，揮霍著年輕與奢華。這是一個可能性的時代。

69和71年間爆發的Glam Rock運動，基本上是對之前Hippies時代的回歸自然、追求樸實原始之態度作出背道而馳。自那時開始，男樂手會身穿閃爍華麗的套裝衣服，或豹紋外套，再披上羽毛披肩，臉上塗上鮮豔的口紅胭脂眼絲眼影，以嬌柔風騷得帶點女性化（中性）意味的模樣示衆。性別顛倒，玩世不恭的姿態，其實是要將搖滾樂由一個嚴肅性的角度引伸至充滿幽默感玩味的表現手法。在音樂上，亦灌輸了點點不尋常（Freaky）與戲劇化的美學觀念，構成一種充滿裝扮性的搖滾樂。沒有七十年代的New Romantic/Blitz Culture，連日本亦不會有所謂的Visual Rock出現。《Velvet Goldmine》其實來自David Bowie一首唱片背面歌曲（此曲來自75年再版發行的Space Oddity之唱片背面，現在可在Ziggy Stardust專輯的CD版本內找到），70年代的Glam Rock響起，一群衣著豔麗的年輕男女興奮地奔跑在倫敦的街頭。恨天高長靴，彩條圍巾。糖果色的長統襪T-shirt，徽章亮片裝飾。無論男女都塗著閃亮的眼影和腮紅。

《絲絨金礦》是個虛構的故事，就像片頭所出現的說明文案，但你仍有理由把音量開到最大來欣賞觀看。這是一部很危險吸引力的電影，充滿著誘惑陷阱，一不小心就有可能讓你著迷，既使你(妳)不喜愛Glam Rock，你也無法抗拒電影裏那些華麗的扮相。妖嬈的男人，妖嬈的明星，妖嬈的愛情，妖嬈的時代。

好多年前就看過此片，也買了一區DVD收藏，膚淺印象以搖滾、《猜火車》的男主角和同性戀爲賣點、印象很模糊又很片段。後來這片DVD被我藏在很詭異的角落，但又怎麼會什麼被筆者重新拿出來觀看，還不就是前陣子中部地震，讓筆者收藏的DVD和模型部分倒塌而必須重新排列整理，所以才再次燃起觀看的衝動；時間是一種奇怪的東西，它總能留下些什麽，卻將自己隱身於一些氣味，聲響，畫面，些些碎片中。只要這些東西被多年後的我們再次偶遇，那段歲月，就會像鬼魅一樣，冒出來，悄無聲息，卻能夠蠱惑人心。

既然說著Glam Rock年代的故事，想必音樂元素更不能馬虎，光是筆者所知道的而言，同屬於那個時代的Brain Eno、Iggy Pop、Lou Reed，以及現在的Placebo（他們幾個似乎還有在影片裏露臉）、Pulp，Radiohead的主唱Thom Yorke和吉他手Jon Greenwood，與前Suede吉他手Bernard Butler再加上幾個我不怎麽認識的樂手，在裏面組成了一個叫The Venus In Furs的樂隊。但最可惜就是電影故事明顯隱射著David Bowie，而導致David Bowie不允許自己名義下的任何作品在電影裡出現，更讓電影有種美中不足之處。

這是一部陣容相當繁雜華麗的影片了，尤其是，影片反映的是華麗搖滾明星Brian的故事，穿插了許多MV和寫意的手法，片中角色大多是華麗搖滾圈內人士，色彩絢麗的著裝自然不可少，整個片子顯得十分絢麗飽滿。再加上另一個Christian Bale主演的記者作爲線索人物，引出一派曖昧繾綣欲說愈迷的恩怨情仇來。

影片雖然處理得相當風格化，但敍事的脈絡卻非常清晰。出於美化的目的，影片還特地設計了一個很有想象力的開篇：時空回到100年前，隨著一艘飛碟掠過夜空，繈褓裏的唯美派作家奧斯卡王爾德不知道被誰放在王爾德家門口，繈褓上挂著一隻神秘的別針。

通過這個情節，影片暗示唯美主義者王爾德與Brian之間的某種神秘聯繫：兩人同樣的同志傾向，同樣驚世駭俗的唯美主義傾向，同樣衣著殊異和在文藝世界取得顯赫成績並從英國一路影響歐美，同樣放浪不羈的生活方式，同樣著名的一段狂妄戀情，以及——最終毀於醜聞的命運。王爾德是因與道格拉斯爵士的訴訟終於斷送他的前途，而Brian則是因僞造舞臺刺殺案，終於因爲其輕浮戲弄觀衆而被沈寂無聲。

時間轉眼對切到Brian的童年，一個天生喜歡塗口紅的男孩。一路成長城爲服裝詭異的成年男子，也就自然而然。從酒吧起家，到露天演出，堅持要穿裙子出演。卻因爲看到美國搖滾歌手Curt近乎瘋狂的演出而受到啓發，漸漸地不受待見小的歌手博采他人之長終於修練成了集一代風氣大成的超級搖滾巨星。婚姻，金錢，名望，掌聲，一切隨之而來，而欲望和愛情也在這個永不安分的身軀裏隨之而來。

而那個時候，Christian Bale飾演的記者Arthur還不是記者，尚躲在鬱悶呆板的小鎮家裏二樓，對著Brian唱片封套裏裸露的身軀自慰，被父親責駡。與此同時，Brian正在大聲地世界宣告自己是雙性戀，並找到了Curt，成爲了他惺惺相惜的情人。在戀情驚世駭俗的公開時，Arthur也走到了街頭，大膽地穿上豔麗的服裝，塗抹妝容，站在洶湧的人潮裏。直到一切因爲Curt的出走，以及Brian一手策劃的假刺殺案，一個彩色時代隕落，宣告結束。Brian身邊的華麗搖滾圈四分五裂，而Arthur遠去紐約做了記者，成爲了衆多普通人身影裏的一員。

Brian & Curt我相信當Brian第一眼看到Curt 的時候就愛上了他。就是那種恣意性感迸發的力量，Curt Wild征服了他。Brian的陰鬱和自憐，細膩的悲情也許是一種性感。在舞臺上，兩個人的充滿儀式感的交媾，Brian跪著舔食Curt的吉他。

熟知搖滾樂八卦的人應該多少清楚這段曖昧褪殼的戀情，Brian也許就是David Bowie的化身，而Curt Wild大膽猜測應該是Iggy Pop或是Lou Reed的综合體。David Bowie在Ziggy Stardust時期的他(她)應該是真正的自他，之前他在不斷的摸索，直到打造了自己的Glam形象，在Ziggy時期，他已經到達了人生的頂峰，身上妖嬈氣質，融合了日本，甚至是中國的文化，在這個英國男子的身上，顯得光怪陸離，卻又迷人至極，可說他是流行的藝術的犧牲品。

電影落幕了，但是生活永不落幕。一個時代過去了，我們依然在路上。奢靡的紫色與綠色，每年的秋冬又一次上演。春天，褪殼了，露出粉嫩的顔色，baby blue & baby pink，我們在色彩中重生。仰望天堂，絲絨金礦。

渺渺(Miao Miao)(2008)-觀後感

劇情簡介:
戴詩渺是從日本來臺灣讀書的交換生，被熱情活潑的小璦感染，成爲好友。渺渺爲奶奶尋找初戀時的蛋糕店，卻發現它已經成爲一家二手的CD店，CD店的老闆是一個年輕男子，永遠戴著耳機，不與人交流。渺渺不知不覺被他吸引，大大咧咧的小璦出盡鬼主意幫渺渺問到他的名字以及手機號。這個名叫陳飛的男子過去是個謎，渺渺決心踏進他的世界，小璦忽然感到失落。當陳飛的故事浮出水面時，兩個女生都各自經歷了失戀般的痛楚。愛一個人，卻無法說出口，那難以言喻的心情在青春時期留下痕迹，當小璦18歲生日來臨，大家去海灘慶祝，雖然心是這樣痛，但未來還有好多值得期待。

觀後感:
年紀漸漸大了，遇到老朋友或是老同學，總愛聊聊那段青澀青春期的故事，但回憶自己的青春期，竟然無處可懷念，於是總覺得惆悵。每個人，遇到每個人都是一種的開始，就像是另一篇故事的開端，而這電影說著是場青春期的情事。努力回想起自己制服時期的情事，是記憶被壓縮，還是根本從來沒發生過，只能說情事太過《渺渺》渺小遙遠，所以只能遺忘。努力回想，終於看見一些模糊的臉龐，還有笑容。

臺灣的愛情電影總有著鮮明的地區烙印，細節細膩而不做作，感情充沛而多元，像一場小雨，淅瀝淅瀝的，能濕潤那些因風化乾裂而幾欲老去的心。電影給人清清淡淡的簡單乾淨，乾淨的背景、藍藍的畫面、純純的愛、純純的等待，製作的細膩深深的植入我的心底，伴隨著陳綺真所唱的「旅行的意義」靜靜的淡淡的愛戀的聲音讓我的心和著小璦一起在波動著，又爲渺渺心疼著...

長頭髮，碎劉海，淺藍色的校服襯衫。
捷運站，二手CD店，學校的烘焙教室。
你牽著我的溫暖的手，你為他流露的緊張的神情。
笑聲，音樂聲，我喜歡你的心跳的聲音。

片中故事糾結在兩個情竇初開的少女，和一個安靜不說話的男店員，是一個記憶裏沈淪的男人，異性的、同性的，過去的、現在的，盤紮交錯的情感，與其說是愛情，不如說是曖昧。青春洋溢在素臉上，她們跳躍著，聽音樂，做蛋糕，爲喜歡的男生心動，又或傷心。

戴詩渺，來自於日本的交換留學生，由有小桂綸鎂之稱的柯佳嬿飾演，給人忽遠忽近的冰冷感，安靜氣質卻內心帶些叛逆，為了二手CD店老闆翹課，但不是盲目的瘋狂，卻清楚自己想要的是什麼，乍看調皮的將架上CD光碟亂放，當老闆發現時，才赫然發現別有用意，巧妙透過專輯名稱，直接又間接的將內心表白訴說，濃濃的情感淡淡的處理，渺渺的告白藏在散落的CD中：『寂寞，不寂寞，我要我們在一起，青春的秘密，就是旅行的意義。』

小璦，恰好與渺渺個性完全不同，活潑外性，大大辣辣個性更是真實自然，是個很容易開心的女孩，她認爲吃甜點是世界上最幸福的事，但她卻老是做出失敗的蛋糕。在那看似健康陽光的外表下，卻有個缺殘破裂的家庭，從小失去母親，而又撞見自己父親偷情，導致小璦內心產生極大的沒安全感，甚至對男生產生極大的不信任，她要的不多，很簡單就是一個安全感。從第一次看到渺渺沈靜秀氣，有一身好手藝，能做出好吃又美觀的蛋糕，帶給小璦很大的驚喜和依賴感，畢竟她一直做不出什麼好吃蛋糕。於是，她從一開始對渺渺感到好奇，到漸漸喜歡上渺渺細膩的特質，這個夏天有了與衆不同的滋味：有蛋糕的甜蜜，也有她從來不曾嘗過的苦與澀，這一切都從渺渺開始。

原本很期待范植偉的演出表現，畢竟，范植偉是筆者國內算是欣賞新生代演員之一，可惜卻失望了，看不到該有的深度演出，更被電影角色侷限自己的演出空間，尤其，至於由范植偉所扮演的二手CD店老闆陳飛與小貝之間故事，刻意及又過於矯情，很容易就讓人覺得黏膩感，就像片中陳飛與小貝一起創作的「Get Together」歌曲名稱直接，不帶些修飾，給人容易聯想劇情後續，尤其聽到小貝大聲質問陳飛：“你到底愛不愛我？”。

很欣慰小璦最後說出秘密用的是喜歡不是愛。其實我感覺小璦對渺渺的愛還是友情多點吧，至於她的吃醋很簡單，好友被人分享了，自己在好友心目中的地位下降了，自然不開心。沒有到達戀人那一步，雖然她的動作多少有點曖昧，雖然我第一眼就從她的眼神中感受到了整部片透露的禁忌之愛的影子。

電影的運鏡很美，頗有岩井俊二的詩意風格，拍攝的場景也很有味道：陳舊的二手CD店，透著暈黃的光影，散發出懷舊頹廢之感；日式平房外，撐傘走在雨中的渺渺，眼中的淚全化成了雨水。最喜歡本片畫面為天臺上那個天空，小璦站起身來略帶吃醋的語氣：“才兩張喔”。那個天空好美，不是淡淡的粉藍，是略帶青的純凈，有種暴風雨即將到來的狂妄。喜歡片尾的天空，單純的粉藍，卡通的字母。

雖然電影落俗套的還是與同性之愛沾邊，讓我想起了當年的《盛夏光年》《藍色大門》，類似的題材，同樣的情感，一樣動人，我只能說，我要爲所有有愛的人祝福，願你們都能和喜歡的人在一起，關乎情感，無關性別，我們只需要一種訴求，那就是我喜歡你，我要和你在一起。

春光乍泄(Happy Together)(1997)-觀後感(重看)

劇情簡介:
黎耀輝（梁朝偉）與何保榮（張國榮）是一對同性戀人，爲了有新的開始，他們懷著美麗的夢想（去看南美洲大瀑布）離開香港來到阿根廷，卻在布宜諾斯艾利斯迷了路。黎耀輝想安下心來過日子，無奈何寶榮於夜夜笙歌中放縱著自己的生命，以期找尋更多的刺激，只當黎耀輝是他受傷後的港灣，兩人分歧、爭吵越來越多，心的距離越來越遠。

黎耀輝明白過去的日子不可能再複返時，決定離開何保榮，而正是在他離開後，絕望的意味（對黎耀輝的愛）才在何保榮的腦海中完整的浮現。

觀後感:
翻出收藏以久的影碟，盒外稍蓋著微薄塵埃，盒子裡面的光碟片依舊無痕，輕輕放入播放器中，黑暗房間唯一光點是電視機所擁有，房間內部的擺設因為它才能勉強看出，時間慢慢流逝，電影也一幕幕上演，熟悉又陌生的感覺，《春光外洩》讓我又一次感動和衝動。

這是一個曖昧的故事，也是一個危險的開始，兩個男人命運相連的世界，因爲一盞舊臺燈，決定一起尋找美麗的夢想。“讓我們從頭開始”，沒有什麽比這句話更具有殺傷力了，可以說愛比死更傷。廚房裏的翩翩慢舞，那些光影裏的溫暖和黯然可以一路穿過面前的映畫，直入心裏。難言的孤獨，不敢輕易觸碰的拒絕與被拒絕，邊緣生活的落寞，易碎的敏感和細密疼痛的掙紮，是無根的寂寞。

我喜歡看他們兩個人賭氣，鬥嘴，分分合合，像任何一對戀愛中的人。我喜歡看他們兩個人開著古董車，尋找著大瀑布，途中迷路，找啊找……不，準確地說，是黎耀輝（梁朝偉）在找啊找，何保榮（張國榮）只顧在後座上蒙頭大睡。從兩人的對話中可知，看錯地圖導致迷路的是何寶榮，作主買了台破車導致半路抛錨的也是何寶榮，但是這個被寵壞了的孩子仍然有本事不耐煩地教訓著黎耀輝，用挖苦的語氣要黎耀輝下去推車，然後一股煙地丟下黎耀輝將車開出老遠。黎耀輝險些被他晃跌，一臉的又氣又恨，快要哭出來的表情。而黎耀輝對何保榮有著無奈的包容，是讓觀者心疼不捨，半夜黎耀輝病的發高燒，捲縮在單薄無法保暖的被子內熟睡，被何保榮孩子氣的吵醒，只為肚子餓需要黎耀輝起來幫他烹飪，氣的黎耀輝大罵:你還是不是人啊!但下一個鏡頭卻是他披著被子在廚房，炒了加兩個蛋的炒飯，心軟還是愛太深，我想他自己也辨不清。

王家衞電影中的場景是阿根廷，剛好是與香港完全不同的地球另一端，對我而言，沒有太多的差別，只是身邊人的五官來的立體罷了!故事場景依舊那麼香港，那麼王家衛，糜爛艷麗，空間狹窄，人與人之間沒結局的愛情故事(也不一定要結局)，床頭櫃上有啤酒，小吃，裝滿煙蒂的煙缸，是只有男人的居所。兩張即拍照散落在一角，他與他的親密回憶。天藍色的牆，天藍色的床單……鏡頭是彩色的。全片鏡頭不斷在彩色和黑白之間切換，抽象著兩人的，尤其是黎耀輝的心境變化和情感進程。

黑白
過度曝光的刺眼，搖晃閃爍的鏡頭，默片般的閃現，劃痕般的用光，前衛而陳舊。有著Jim Jarmusch的獨立電影味道，孤獨寂寞，一幕幕成爲不能回首的過去，那是他與他在床上嬉戲纏綿，笑鬧之中，激情勃發……

艷彩
黃的很溫暖，藍的很憂鬱，橘的很曖昧，綠的寂寞，鮮豔的色彩潑灑在畫面上，沖洗，沖洗，然後蔓延。生活是舊旗袍上一朵黯然失色的牡丹，還是一頭黑髮在風裏轟轟烈烈的狂舞瘋甩？而近乎任性的喧囂，倒底也是一種落寞的姿態麽？

王家衞電影的電影終於來到了台北，夜晚的捷運穿梭在燈火通明，喧囂繁華的台北都市中，人來人往的夜市變成燈火迷醉不堪，四圍金碧輝煌，是我未曾看過的台北一面。

Happy Together?!他們真的快樂嗎?

花吃了那女孩(Candy Rain)(2008)-觀後感

劇情簡介:
四段小故事，都發生在臺北一座老舊公寓裏，公寓裏的戀人都會收到一份寄給Candy Rain的無名包裹……

觀後感:
有令人欣賞的包裝和策略，用心選角和文案安排設計，帶有詩意的旁白喃喃自語，賞心悅目視覺呈現，細膩柔軟的配樂，編織一個台灣顯見的愛情毛線衣，在台灣寒冷電影市場中，給了台灣觀者一個溫暖卻安全感的信心，鏡頭細膩親密度，給人幻覺上的溫暖意，捕捉著兩人摟著、親吻、吵嘴、想念對方的樣子。

後來得知導演陳宏一本來是拍MV背景，所以傳聞他只利用幾天時間便能拍一個故事，且難怪那電影影像如此絢麗。此類愛情小品本來毋須怎樣考究故事內容，只要氣氛濃厚感染力足夠，一個小故事一個小章節已經足以感動你。

NO.1〈如果南國冰封了〉
小捷(辛佳穎飾)感情纖細而沒有主見，高中剛畢業便與男友分手，就在此時遇見高中同學小Pon(陳泱瑾飾)，小Pon仿如陽光的笑容和帥氣以及百般溫柔，讓不知如何是好的小捷頓時找到生活及感情的依賴物件，兩人開始戀人般的同居生活。可小捷對於兩人的關係百般顧忌，亦不願在朋友面前坦然表露，讓從不懷疑或隱瞞自己性向的小Pon再不能忍受，兩人終於爲此吵起來，小捷淚眼離開，坐上火車回到家鄉……

兩個長的很相似的女孩，一個從鄉下來，一個生活在台北都市，兩個人心態和對愛情態度也不盡相同，小捷略帶著矜持和壓抑，總是小心翼翼的讓自己不受傷，畢竟剛從另一段逝去感情走出，遇到高中同學小Pon，她有男孩般的個性也有女孩擁有的細膩體貼，小捷一心只想愛小Pon一個，對愛情保有天真的傻和可愛，卻不懂愛情的彈性，希望付出多少對方就回饋多少的想法，但是通常感情之間沒有絕對的，雖然，相愛時很甜蜜，太多卻讓人逃避，小捷說:「台北好亂、好吵」，似乎也對這段感情下了一個預言。

本段拍的很有質感有很日本味(岩井俊二)，充足的光線曝曬入窗，兩個女孩相似又略差異的臉龐被光線照的如此光滑年輕，青春的氣息卻帶有些無奈，是被感情的碰撞，內心傷痕累累，對著鏡頭哭泣的哀傷，跟火車窗外不斷流逝的景物有著同樣的感慨難過，龍井小鎮的老爺爺一個人在80年的雜貨店呆很久很久，他老伴死了，但是他並不孤單，只是因爲有幸福的記憶的陪伴。　　

NO.2 〈看不見攻擊的城市〉
完美主義者U(張榕容飾)是個有潔癖、做事一絲不苟、害羞及思想怪異的餐廳廚師，對於愛情的渴望往往利用虛擬的幻想代替實際的觸碰，從來不主動認識喜愛的人，網上交友成爲唯一滿足渴望的出口。透過網路她認識了林銘(魏如萱飾)。林銘是個對自己工作和外型充滿自信的編輯，喜歡年紀比自己少的情人，認爲如此她才可以掌握愛情也像掌握工作一樣。她倆每次約會，林銘總要掌握所有約會細節，U慢慢無法忍受林銘的大女人姿態，決定離開，同時思考著自己到底渴求什麽……

一段網路交友的愛情，中間太多的謊言太多的面具，只想給對方一個安全的偽像，卻讓感情陷入沒跟本的搖晃，愛情不是嬰兒餵食，一個直覺性餵食，一個就傻呼呼狂吃，這是行不通的，兩人在一起是追求同時快樂的，而不是被取代或控制成快樂，這樣如奴隸階級的關係是偏心的，U原本就是一個有主見和想法的女孩，過渡的潔癖讓她一直很難接受其他的關係，只能透過交友網認識一個年紀比自己大的林銘，但卻從中失去了自己，林銘強勢的掌控著2個人的交往，因爲林銘，U想改變自己，她在整齊的奶瓶上插滿吸管，她在鏡子前自慰，她想打破自己過往的井然有序。但是林銘的強勢讓U的緩慢遷就無所適從，她追不上林銘那麽快的節奏，也在改變中逐漸害怕。她開始想離開這段感情，U發現自己還是適合過去的那種秩序。

也許這種太快的改變，根本舊不適合她，那些愛情戰爭裏看不見的攻擊，她只能在抵抗中逃避。

NO.3〈夢見相反的夢〉
Summer(高伊玲飾)是位美麗動人的女子，把愛情與婚姻看作兩回事的新時代女性，既感性又理智，一方面轟轟烈烈的愛著Spancer(吳立琪飾)，另一方面又提醒自己要完成結婚生子的家庭責任與義務，總是熱情的愛，冷靜的決定。Spancer的世界則很單純，就是全心全意地愛著Summer。但是除了給予Summer用不完的愛，卻從不敢主動要求心所向往的渴望，對自己的愛總是有一種無以名的自卑；也因此對Summer的來去，都顯得無力及懦弱。兩人熱戀3年後分手，相約10年後等Summer盡完結婚生子義務後再聚首。

本段算是最浪漫一段吧!(個人偏好)
電影場景中出現太多讓我眼睛一亮的細節，角落一張Jim Jarmusch經典電影《Down by Law》大海報表框，室內的一棵枯萎氣氛老樹，許多看不清的LP黑膠唱片，戲外戲精采豐富。

她們兩個在一起，一起抽煙，一起唱歌，一起跳舞，一起玩樂，一起親熱，都是那麼快樂的，乍看下似乎也沒什麼不對，但對台灣這個還算保守傳統的社會觀來看，同性之愛來說，最無法逾越的就應該是社會與親情了。他們不能被認同的孤獨和無力感，只好2人互相取暖。他們兩相愛的人不能在一起。有些愛在開始的時候就有著難以逾越的坎坷，同性之間的愛本身就沒有天長地久可言。堅守的愈決絕，放棄的也就越決絕。

NO.4〈花吃了那女孩〉
Ricky(林嘉欣飾)是位快遞員，這大概跟她處理愛情的方式一樣，來得快也去得快。花心的她最不擅長處理已失去愛的感情，每次都把分手搞得一團糟，因此前度情人總是纏擾不休。她的情感世界由是充滿暴力，總是在遺棄和被遺棄、打人和挨打之間渡過。

坦白說，如果沒有這段，這部電影基調和節奏或許好一點，多了這段讓電影混亂lost control-失控，本段想表達當下許多年輕人中一種空洞的感情，假髮，誇張的表現手法讓人不自在，雖然有欣賞的林嘉欣，但是卻得不到我的好感，只有喜劇般的嘻鬧手法，前面幾段沉靜悲傷的氣氛完全被破壞，心情被故意的打亂，換來是假假感情世界，王心淩假假的哭，林嘉欣假假的愛，假假的打鬧假假的開心....

就像有“酸的”“甜的”“辣的”“苦的”“開心的”“悲傷的”...試想她們的愛都無法打動自己，又如何打動觀衆呢？

還沒看電影之前，已經被OST電影配樂的陣容給吸引注意，黃小楨、張懸、何欣穗、王菲、魏如萱、陳珊妮、彭靖惠、Tizzy bac、吳青峰、甜梅號、草莓救星、My Little Airport，旁白更是陳綺貞，一部電影裡面，邀集國內外優秀獨立音樂人和樂團合作，想必電影不是棉花糖就是巧克力，偷嘗一個足夠讓人滿足浪漫，若一次太多吃下肚，反而讓人膩，甜膩的聲音淹沒我們的視覺嗎?或是這原本就是一部長篇甜膩MV?!我還在困惑中。

台灣歷來喜歡把同性之愛的電影渲染的唯美而浪漫，本片用意在它下了一個關於愛情的注解，或是引發了愛情的無解，點出了不論男女、女女、男男都會遇到的愛情窘境。

也許愛情真的只有剛開始的時候是快樂的，接下來只會是泥濘不堪，能笑得出來只有開始時！但是儘管如此，我們還是會愛著，且相信著。

漂浪青春(Drifting Flowers)(2008)-觀後感

劇情簡介:
青春易逝，生命不斷轉進，三個不同世代的男人女人，三段同樣酸甜的愛情追尋。

當青春時光逝去時，生命還剩什麽意義，而我們又該做些什麽？…

觀後感:
《刺青》導演周美鈴再度挑戰女同志話題，請來陸奕靜與房思瑜等人演出，三段式的敍事結構，講述了三個同性戀者各自的感情經歷。導演算是台灣勇敢的女導演，一路走來一直堅持自己電影理念，早期紀錄片內容多元本土意識強烈，偏重美學創意與哲學獨立思想，甚於道德文化使命的創作概念，她視拍片為修行，「只是透過創作，辯證生命課題、探索命運」；其作品透露深厚的哲學背景，重視文學氛圍，並講究美學藝術層次；其說故事方式常有「寓言」式的深度與趣味，對生命課題用力之深，令人印象深刻。

第一部35厘米電影劇情長片《艷光四射歌舞團》到《刺青》接著到本片，電影主體鮮明訴求，探討著同性戀在台灣社會中被不公平看待和壓抑的部分，真實而且極具情感，或許導演自己本身特殊身份關係，電影許多細節描述總是處理的讓人印象深刻。同性戀議題電影在市場中，總是兩極化反應，極好跟極壞的極端對比，更別說台灣萎靡的電影市場中求生存，及兼具商業和藝術中間取得平衡，相信是一條不知盡頭方遠的顛簸不平的泥沼路。

故事一開始台語動人歌聲，馬上吸引觀者感官神經!第一段女主角菁菁唱的閩南語，有幾句裏含著這兩個字眼，微微，她唱出來真好聽，柔軟的，纏綿的，顫抖的，裹挾著絲絲無力，塌陷到心裏。原來是許景淳所寫的詞曲，將女性的柔跟美透過音符表現淋漓盡致。

《漂浪青春》算是一特別的電影，它很台灣，也很女性，電影幾乎完全台語發音，台語這個語言，再當代許多年輕導演電影中，似乎變成被遺忘的元素，除了最近火紅的《海角七號》外，絕大部分電影都不再使用台語為主要語言，所以導致本片額外出平易近人、但令人驚異的生命風景，特別是導演她那麽貼近土地、貼近生活、貼近我們的成長經歷，所以她非常“台”，一種質感細膩的“台”、詩意盎然的“台”，是專屬於這方島嶼所吟唱的一首獨特情歌。

電影中出現的角色都有一個特性，名字都充滿脆弱感，菁菁，水蓮，竹篙(台語)，阿海，這些名字仿佛盈滿了水波，搖搖欲墜。她們都是如水一般的女子，無論是外表的清秀還是性情的靈動。

第一段：妹狗。
8歲的小女孩，在嫉妒的情緒中，發現了愛情；她心儀的物件，是一個英姿煥發的女樂師竹篙，小妹狗爲這樂師所迷倒，卻無意間發現盲歌女姐姐和樂師間的親密接吻，小妹狗既憤怒又失落，遂隨口欺騙姐姐，使得眼盲的姐姐迷失在人山人海的廟會之中，迷失了方向。此事使得妹狗遭到竹篙的憤怒責駡，妹狗難過地離家出走，社工也質疑盲姐姐照顧妹妹的能力，賭氣的妹狗，從此留在寄養家庭，寄養媽媽寵愛妹狗，希望姐姐在妹狗長大之前不要來找她。妹狗雖然得到了優渥的生活，但內心懊悔的她，心中始終有一處空蕩蕩…

第二段：水蓮。
青春的記憶猶在，怎知愛情早已到了盡頭；失智的老婆婆水蓮孤獨地活在一團紛亂的記憶裏；年輕時，她曾和阿彥辦了一場假結婚，新郎新娘各有自己的同性愛人。但如今，水蓮的愛人早已去世，而新郎阿彥，則在情人來來去去中，發現自己感染了愛滋病，他悲傷孤寂，自暴自棄著不願就醫。水蓮把阿彥誤認爲是過世的同志愛人，固執地將阿彥留在身邊，並要求他穿上女裝，以免這段同性戀情曝光；阿彥不忍一再戳破水蓮，只好任她擺佈；於是，一個失憶的婆婆和一個扮裝的阿公，並肩坐在公園裏，形象怪異；但這古怪的形狀卻引來一群惡少看不順眼，他們戲弄阿彥、挑釁辱駡，一場尷尬至極的衝突就要爆發…

第三段：竹篙。
時光倒退，回到前述主角們的青少年時期，男孩子氣的竹篙和女性化的阿彥是要好的玩伴；這年他們還不到17歲。竹篙發育中的女性身體，令她感到渾身不對勁；她偷偷束綁自己的乳房，同時也因爲自己“半男娘”的狀態，遭到大哥的排擠；竹篙不明白自己到底是男還是女，找不到自己在家族社會中的定位。竹篙和布袋戲班舞孃水蓮發生了一夜戀情，兩人在身體的探索中探索著各自的困惑；青春的秘密在暗夜中流動，竹篙漸漸明白了自我；天亮，她們的困惑已消失，竹篙已有了長大的感覺，她決定獨立生活，而未知的命運，將在遠方等著她勇敢去探索…

電影看似三段不同單篇故事，各自獨立，卻又關關貫連；三段故事，六個女/男同志，一條漂浪的「生命之流」。而導演透過火車穿越山洞詮釋時空的轉換，明亮的光線瞬間變暗，是對生命困惑，對自己選擇方向產生困惑，原本明亮的光線，頓時間進入成伸手不見五指漆黑的空間，人生不斷出現讓我們無法抉擇的時刻，但人事物本質都沒改變，只是你無法看清楚看分辨而已! 這是天性，然而在異性戀主導的世界裏，是不被認同和允許的。即便如此，誰能扼殺得了這樣的天性？存在即是合理，哪怕是不被接受。

竹篙和水蓮寥寥幾句對白表現得淋漓盡致。
“我這樣到底是女生還是男生？”
“你當然是女生，一個不喜歡自己身體的女生”
“我不想當女生，可是我也不想當男生阿…… 女生可以愛女生麽？”
“當然可以阿，愛就愛了啊”