復刻上個世紀八零年代的美好 / Kung Fury(2015)-(台譯:功之怒)觀後感

劇情簡介:
主角是個員警，他的一個好友不幸被壞人所殺。他發現背後的傢夥就是有史以來最邪惡的罪犯希特勒！他也被稱為“功夫領袖”。主角決定穿越回過去的德國，幹掉希特勒，摧毀納粹帝國以絕後患。沒想到，他被穿越到了一個錯誤的時空……

觀後感:
很久沒寫單篇電影觀後影評了，其實有幾個原因，工作忙碌不提(藉口)，其實沒有過多精力去跟隨院線上映電影寫觀後感，坦白說也跟不上映的速度，加上網路專業影評推薦過的作品，應該也輪不到我來推薦，好啦!我文筆不好啦(惱羞成怒)，筆者確實沒那些知名影評析利果斷，分析觀點刁鑽，還是吃吃老味道，找找冷門又屬於自己愛好的電影類型介紹，哈哈!假使客官您想看《復仇者聯盟》《X戰警》《玩命關頭7》之類的影評，很抱歉歐!這死胡同，很難存在這類東西。但想看沒有底線或是變態之類的電影及Cult Film資訊，或許你還會覺得這地方略有停留的意義，反正你們自己看著辦吧!

廢話不多說，講電影。

《Kung Fury》（中譯名《功之怒》）我也不知道台灣會翻作啥?先叫英文名吧!
筆者我看完眼淚差邊噴出來，太感動太美妙了《Kung Fury》真得太很屌，電影不算是很好看，但一切都是以有趣為出發點，沒有非常高級的故事劇情，更沒有逼真動魄的特效畫面，破破爛爛，甚至可笑與荒謬，如果以現在所謂的八年級(90’s)或是九年級(00’s)的年輕人眼光角度來評論這部電影，一定幹礁到不行，批評這簡直是掉渣和可笑的特效和畫面，壓根論不上檔次，順便大罵:壞胚子你鬼扯!啥爛東西!你出來說說，老子不打你!(請冷靜，繼續看下去)

對!沒錯!這是正常反應啊!因為你們可能無法確切感受到電影的用心及巧妙，我想說的是，你們太年輕了!沒經歷過家用錄影帶年代!(VHS)，所以，對導演使用的手法元素，甚至思維沒產生共鳴，真的不怪你們誤解它。《Kung Fury》雖然短短三十分鐘，內容卻包羅萬象，從時空穿越，8bit，DISCO音樂，恐龍，警匪，維京人，納粹，機器人，雷神，格鬥，中國功夫，電動玩具，餓狼傳說，快打旋風……等，天馬行空應有盡有，更準確說上個世紀八零年代經典電影、遊戲、音樂元素的提煉融合集大成。

現在講究電影解析度越來越高的年代，高清HD都算是基本門檻了，更別說4K的高解析都不算罕見，但《Kung Fury》卻反其道而行，不跟大眾走同路數，而是追求low quality的 VHS畫質，顆粒感十足，年代感濃厚的畫面，獨特的多次拷貝造成的顏色失真的風格，不說這是一部復刻電影，還真以為頓時錯亂看了爛畫質的老片子，VHS畫質的講究，也不是隨隨便便故意將畫質弄低，而還故意加進了一堆干擾，還有VHS母帶常見的播放故障——雪花片滋滋啦啦的，一種模糊扭曲、粘粘乎乎的畫面質感，糊著一層自戀的荷爾蒙爆炸的味，特別自High，爽感簡直讓人停不來。

電影一開頭，雜訊雪花片片，眼前出現80年代很愛用的廉價金屬科幻字體，原來是製片公司的logo，哇!中間還有一道掃光整個字體，醜的可愛，年代感十足。開始進入電影本身，俯拍一個骯髒黑暗墮落的城市，霓虹燈大型LED看板及黑煙四起，紅色字體寫著”MIAMI 1985”，後現代感十足，但眼尖的你，是否熟悉這場景，沒錯!這是跟經典科幻電影《銀翼殺手》《洛杉磯大逃亡》致敬。有趣的是，電影中出現的人物，個個MAN味十足，完全沒有娘味和花美男影子，也很貼近當時年代的形象特色，我們可以看到一個嗓音低沉頭半禿的肌肉男(布魯斯威利)，戴墨鏡拿著烏茲衝鋒槍，甚至莫名的裸上身綁紅色頭巾的男子(藍波)。還有那位大鏡框，浪子頭小鬍子的駭客男，高墊肩外套，重點是他手帶著任天堂公司，當初推出高科技控制手套，整個科技感十足。

來說說主角吧!導演David Sandberg就是主角，自編自導自演，外表比我們想像中還年輕帥氣，劇中角色一臉憂鬱神情，說話低沉緩慢，甚至台詞都非常簡短，這一身裝扮給人印象深刻，我們來一一分析一下，頭綁紅色頭巾，會中國功夫，讓筆者聯想起經典街機遊戲《街頭霸王/快打旋風》裏頭的”龍”，而一件黑色皮夾克，手帶半截手套，外套裡頭是紅色t-shirt，緊身牛仔褲，和一雙紅色All Star，這一身造型，基本上另一款經典格鬥遊戲《惡狼傳說》(Fatal Fury)裡頭的角色”Terry”裝扮，同出一轍。主角有紅色跑車，車中有個小螢幕，可智慧對話，而這人工智慧電腦名稱叫”Hoff 9000”(這分明向《2001太空漫遊》致敬)，巧妙是，螢幕上那頭像既然是當時風靡台灣八十年代的《霹靂遊俠》”李麥克”，看到這裡，簡直把我樂壞了!
(字型的致敬)
《快打旋風》"龍"
《惡狼傳說》"Terry"
(一樣的牛仔褲一樣的紅色All Star)
《霹靂遊俠》”李麥克”
這世道很多電影人，都滿心復古懷舊情懷，所以復古風格電影不算是少見，說起最愛玩復古路線，不能不提Quentin Tarantino和Robert Rodriguez，雖然這兩號人物早已經用自己獨特美學征服了影迷，作品《Kill Bill》《Death Proof》《Planet Terror》甚至《Machete》，每部電影總是帶給我們歡樂與驚喜，不難發現電影中滿滿上個世紀剝削電影（Exploitation film）的味道，而Quentin Tarantino和Robert Rodriguez和《Kung Fury》最大差異就是純粹性，Quentin Tarantino和Robert Rodriguez的電影雖然走復古路線，但只要用力觀察，會發現他們電影還保有許多當下流行元素及代表人物，如Lady gaga，遊走時尚與復古中，呈現新一種電影風格，而《Kung Fury》更直白，沒有太多現代的影子，沒有一項元素很時尚(現在的趨勢)，趨勢更純粹提煉八零年代電影元素，完全old school!

《Kung Fury》不像前面所提的《追殺比爾》(Kill Bill)或是《金牌特務》(Kingsman: The Secret Service)那樣簡單的致敬，也不是惡搞，如果它像《驚聲尖笑》那種瞎鬧，根本不足推薦給大家，它更明確說儼然是「復刻」，經典鞋款有研究的朋友們都知道，復刻就是重現經典啊!!子彈穿透電話那個橋段，來自《空前絕後滿天飛》(Airplane!)，可玩法截然不同，典型的青出於藍；再比如把玩《霹靂遊俠》，直接把李麥克跟車子合體了。

除了造型和角色安排逗趣外，電影中的武打動作，也頗為亮眼，精彩重頭戲便是主角穿越時空到德國獵抓希特勒時，希特勒安排軍隊與主角對打，主角隻身一打全部，比葉問還強，怎麼瘋狂怎麼來，此時導演又俏皮了，將畫面轉向橫軸電玩視角方式呈現，一鏡到底的看主角過關斬將各種奇葩武打招式消滅納粹德軍，甚至仿照SEGA當年有款遊戲《真人快打》的動作設計，還把jean-claude van damme招牌動作，就是動不動就劈腿的舉動淋漓盡致呈現，整段熱血沸騰，不輸給《王派特工》那段教堂虐殺橋段，確實又讓八零年代同學再度陷入瘋狂!

雖然本片標榜就是爛特效，但是在爛特效的領域中，還是有一定的標準，打個比方，平面設計中，圖片合成，P圖P的假，和去背都沒去乾淨這是兩碼事，前者是美感的問題，而後者連基礎技術都是大問題，至於而本片比較屬於前者概念，雖然各種特效都顯得低俗廉價，但他們還是可以巧妙順水推舟製造出特別的特效畫面，各種不合理特效，在本片都可以合理與理所當然存在(真神奇)。

Low-Tech的表現，八零年代發明各種很酷炫的高科技，當然現在看來都很搞笑，電影中穿越時空，主角進入時空畫面，幾何螢光線條，跟《電子爭霸戰》(Tron)頗為雷同，還有那忽然穿插電視購物的移動電話機(還不是手機)，宣稱可存645組電話號碼，最後還強調，可以將電話帶進車子裡(當時應該很屌的概念!哈哈)真讓人哭笑皆非。還有駭客員警打電腦代號，各種舊型螢幕和老式鍵盤，電腦畫面還是DOS系統 (有多少人還記的這鬼系統)，更讓電影年代感增重。



其實很佩服也很尊重導演David Sandberg，他對八零年代的熱愛，近乎癡迷狀態，完全在電影中可以感受到，就算這部電影默默無名不賣座，或許也不會帶給他任何財富，但相信很多電影迷看完這作品後，都會陷入一陣沉思與感概，許許多多的回憶與感動在心中，我們很感謝有這號人物的執著與瘋狂，這就是Cult Film的迷人之處，不討喜，卻很迷人， 好比外表黑斑點點熟透香蕉，剝去醜陋蕉皮，裏頭卻是香濃可口的果肉食味無窮。

最近很喜歡的一句話:如果連電影都只看主流的，人生未免也太乏味了!
希望你偶爾也放肆放肆自己的品味與規範，相信另類作品可以刺激你的感官，會讓你更加有趣。

提醒:本文章所提到的八零年代，泛指西元1980~1989年，不是以台灣民國年為說法，請別搞混。

兩隻烏鴉一般黑 / Meetin’ WA (1986)-(台譯:遇見伍迪艾倫)觀後感

劇情簡介:
法國導演Jean-Luc Godard在1986年拍攝，到美國與Woody Allen的訪談，片長26分鐘。

觀後感:
這是一部有趣的短片，兩個截然不同電影體系文化背景的代表性人物，都各自對電影和自己作品都有獨特主觀性見解和詮釋，這兩人碰面，究竟會差出怎樣的火花？

兩位導演Jean-Luc Godard和Woody Allen， Jean-Luc Godard電影通常被視為挑戰和抗衡好萊塢電影的拍攝手法和敍事風格。而Woody Allen則是代表好萊塢的罕有的知識份子，電影裡頭總是充滿文學和人文氣息，雖然兩人作品有截然不同的風格，但他們卻也有幾個雷同的地方，如都是帶著厚厚的黑框眼鏡，講話很快妙語如珠，很有想法的導演，喜歡將自己政治信念和宗教信仰置入在電影作品，這兩位偉大老傢伙，創作能量依舊充沛，尤其是Woody Allen，幾乎每年一部作品的產量，最近2011年才又推出新作《 Midnight in Paris》；而Jean-Luc Godard也不甘示弱，在2010年也才推出《Film Socialisme》。

訪談開始前，Jean-Luc Godard說著一個烏鴉的故事，什麼烏鴉住在城市之類的小故事。緊接著進入訪談畫面。

基本上電影是Jean-Luc Godard訪問Woody Allen，Jean-Luc Godard整部訪談幾乎是背對鏡頭，Woody Allen坐在沙發最角落處，面對鏡頭，裸露無助感，但明顯看出Woody Allen的不安和緊張，不斷換腳翹腳，摸摸頭髮摸摸下巴，畢竟他面前那位不是可以隨便呼攏過去得人物，分明就是衝著他而來的人物，這是他在電影裡頭很罕見的狀態，一般他在電影裡頭的形象就是呢喃式碎嘴，有點激動有點自溺形象，當然對自己知識有信心，但這個訪談顯得他安靜，謹慎；相反的，Jean-Luc Godard依舊氣勢凌人的不斷提出問題，但有些問題有點荒謬有點逗趣，如他詢問Woody Allen是否受電視輻射線而影響創作？！（輻射和創作？）但是Woody Allen也不是省油的燈，用迂迴的方式打太極讓焦點偏移，內心一定狂罵髒話，Jean-Luc Godard一開始吃力說著癟嘴的英文，最後還是使用母語法語，請翻譯溝通，惹的Woody Allen更加緊張。

兩位老者筆者我都欣賞，但偏愛Woody Allen多一點，他總是可以用很多情感卻解釋一件事，讓事情變得很有感觸，有點像台灣吳念真導演，對這塊土地人事物有極深的情感，所以說出的事情，就很有靈魂，如Woody Allen被問到到大家都在家看電視對他的影響有多深？他認為，很多年輕人都在家裡看電視，連經典電影都在家裡看得，很難感受到電影的偉大和神祕，說到他從小時候就不喜歡晒太陽，所以，喜歡躲在昏暗的電影院裡頭看電影，甚至喜歡在站電影院外頭紅線旁，等待著電影明星出席首映會的過程，在電影院裡哭泣、歡笑、甚至難過，是一輩子忘不了的，有種儀式般治癒心靈的作用，電影院裡頭的氣味、光線、聲音、溫度和觸感，這和家中拿起DVD盒，打開光碟殼放進光碟在撥放器是完全截然不同的經驗。

Jean-Luc Godard從來就是一個特立獨行的傢伙，在他的影片裡絕不允許對手的論調佔據始終，而反擊的最好武器是什麼，就是他的影像，無論你Woody Allen說的再多，每到關鍵點Jean-Luc Godard總要“插播”點自己個人風格的東西，比如背景所採用的自由爵士風格音樂，比如時不時出現的Jean-Luc Godard標誌式的慢動作回放，比如那些快速替換的圖片和繪畫，關於好萊塢的電影明星們，奧遜.威爾斯，還有紐約的新潮別墅建築什麼的，不僅體現了Jean-Luc Godard後期實驗作品所特有的拼貼剪輯風格，而且也暗示出他對美國與法國文化和電影創作模式的迥異所產生的興趣。

訪談結束，兩人沒有明顯的互動和接觸，只有Jean-Luc Godard輕佻的說烏鴉還是回去那城市居住，那烏鴉就是暗寓著Woody Allen。

上帝的玩笑還是懲罰 / The House is Black(1963)-(台譯:黑色房屋)觀後感

劇情簡介:
影片忠實紀錄了伊朗一個麻瘋村裡所有的村民的生活點滴，他們她們由於麻瘋病而變得相貌醜陋，但他們她們卻從未放棄生活， Forugh Farrokhzad用自己手中的攝影機，用質樸感人，優美簡潔的黑白影像告訴我們醜陋並不是一種障礙，只要我們別放棄生活。

觀後感:
如果這個房間是幽暗的，上帝何時才會給它光明?
甚至懷疑上帝是刻意關掉燈光，讓一切在麻瘋村裡所有的村民黑暗中憂憂度過，或是上帝忘記開了燈，讓這群被人們遺棄害怕的村民，她們忘了自己的外表，被一個玩笑給取代，有一天他們會重看到光明，所以，等待著…。

聯想起，多年前看偉大驚悚片《Freaks》(1932)，故事圍繞在一群馬戲團中的畸形人，導演找來現實生活中真實身體殘缺人士，劇情安排塑造一個黑暗恐怖的形象給他們，電影中最後畸形人雨中襲擊女主角畫面，讓人強烈不安感，咒罵導演惡劣，到不如反省人們如何看待這些殘缺人士；回到今天，看了此片，心中不安感依舊油然生起，只不過那種觸目驚心更是強烈，因為知道這不是戲劇，這是真實世界裡發生的事，而這群人就活生生活在地球的另一端，只是我們不知道罷了!如今，透過影像看到這些被命運玩弄得人們，額外百感交集。

從電影中，可以看到導演取景構圖，依舊吸引人，尤其是臉部因病扭曲變形得少女，凝視鏡中以漸漸不熟悉(似乎患病者身體會慢慢變化，四肢與臉部極為明顯)得自己，這種感染力無法用言語筆墨描述，過於傷感；片中，安靜中卻真實記載了村民的歡笑和對話，兒童無邪的歡笑卻讓人覺得絕望，黑白畫面搭配導演自己的詩詞，透過村民的朗誦與自己的呢喃，構成一幅詩意而傷感的炭筆素描畫。

幾個畫面印象深刻，學堂裡，不知道是老師還是導演本人詢問當地小孩，什麼東西最醜?小孩既然毫不猶豫的說出:「雙手、雙腳」，觀影當下我似乎沒感受到什麼，但事後回想起小孩這一番話，額外痛心，小孩他觀看著自己的雙手、雙腳，一天一天扭曲，一日一日變形，對兒童而言，他們看到得是彷彿溶化的肥皂般，模糊了四肢該有分明的拇指與其他指頭，刻苦銘心。

這是一部偉大的電影紀錄片，拍攝於1962年，發行於1963年，出自伊朗歷史上最偉大的女詩人、哲學家及電影導演 Forugh Farrokhzad。這是她唯一傳世的電影作品！是世界紀錄片史中難得一見的奇葩。人民愛戴而又有爭議性的女詩人Forugh Farrokhzad 去了阿塞拜疆，拍攝了這部短片。 在Farrokhzad 以一種悲傷的低調誦讀她自己的詩歌的同時，影片陰鬱地展現了管弦樂下的失落村莊。五年後，在她已經在伊朗的寫作文壇上建立了幾乎傳奇式的地位時，她在一次車禍中喪生，時年32歲，從而成為以後幾代憤怒波斯婦女們的女權主義的試金石。

觀影過程，不斷詢問自己，如果我是村民其中一員，我該怎麼辦?
思緒了一陣子，我依舊無法回答這個問題，這個問題太龐大太難回答，更何況，我無法用現在還算健全的我，去思考患有痲瘋病症的狀況和假想立場，一切都只是膚淺片面化的猜測及假想，這些都無用，或許，目前只有感恩的心及珍惜，這就是答案。

披頭四頭最瘋癲影片 / Magical Mystery Tour(1967)-(台譯:魔幻神秘之旅)觀後感

劇情簡介:
是Beatles近一小時的電視電影，於1967年在BBC上播放。

觀後感:
Beatles偉大專輯「Magical Mystery Tour」，必定有不少搖滾老屁股歌迷皆聽過及擁有，專輯內收錄歌曲更可是熟到不行，琅琅上口，但是要提到那部同名電影《Magical Mystery Tour》，相信觀看過人數顯然少了不少；Beatles在錄製完史上最偉大迷幻作品之一在錄製完「Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band」之後，Paul毫不停頓地開始了新的策劃，他提議將Beatles的四人坐著巴士旅行的情景拍成一部短片，並以歌聲貫穿其中，將其命名為「Magical Mystery Tour」。

說它是一部電影，到不如說它像是一部長篇雜燴音樂影像，但無庸置疑的是一部非常Beatles歌迷化的作品，如果你(你)不是喜歡Beatles，看完電影之後，會認為它是一部極為做作和賣弄電影技巧的雪特(技巧也不怎麼多好)，相反的，如果你是一個英倫癖或是甲蟲迷，還是極度迷戀六零年代嬉皮迷幻風格影像，這部電影算是有趣新鮮，每個細節安排皆有設計，處處都是精采看點，不管是John的眉眼間的驕傲帥氣，甚至有失控大笑的畫面；或是Paul帥哥畫面一幕皆一幕，甚至像個人MV，儼然主導了電影劇情(弔詭是導演不是掛他名)，George才是導演啊!!個性沉默寡言，是樂團中發言最少的一位，在John和Paul耀眼的光芒下，年紀最小的他，一直不被重視，直到後期他的能力才逐漸受到世人肯定，在此電影中，畫面少得可以；Ringo則大展喜劇天分，或許他原本帶有喜感的表情，只要簡單的肢體動作，渾然天生的詼諧感十足，除了打鼓還真適合演戲。

雖然掛名為Beatles的電影，但完全看不出他們乖乖牌的形象，但電影風格偏向Cult Film，更略有Cult Film之王John Waters作品氣息，形式與內容都十分實驗性，手法如舊片重疊、負片正片的混合使用、或者日常片段的無序剪輯，在內容視覺上的安排，更是製造衝突，各式各樣異人種圍繞在Beatles身邊，肥胖臃腫的中年婦女、侏儒表演者、脫衣舞孃、手牽手的警察、帶著各式各樣動物頭套的人們，極為弔詭荒謬，甚至將影像卡通化，一群人鑽進小帳篷內，卻通到一個觀看脫衣舞孃的表演場所，John和George還坐在最前面，當裸女透出乳房時，還像小孩般嘻嘻哈哈大笑，畫面極為有趣。當然Beatles這四人自己也玩瘋了，巫師、實驗室科學家、紳士帽、軍官、花俏嬉皮等各種裝扮，彷彿一場華麗變裝秀，更像魔術師般，下一秒要變出什麼東西，製造出觀者永遠等帶著驚喜的心情。

雖然電影算是失敗之作，卻包含了一些他們最好的音樂：

Magical Mystery Tour: 本曲點明了唱片的主題。很自然地讓人回想起上一張唱片的開首曲 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 。兩者有非常多的相似之處。本曲節奏強勁，Paul的嘶吼也恰到好處，一開場便給人以很High的感受。本曲再次運用了高超的錄音技術，採取低速錄音，高速再生的方式使旋律聽起來略帶走音，扭曲。絕妙地烘托了氣氛。

The Fool on the Hill: 本作中的第一首Paul的傑作登場。印著Paul商標似的優美旋律，口琴，風笛，管風琴等樂器的大膽使用加上Paul的甜美嗓音使整首歌曲變得無懈可擊。

I Am the Walrus:顯示出John對殘苛的現實，特別是人類認同感淪失的關懷。本唱片裡John的第一作(也是筆者愛歌之一)。編排在Paul作品的後面盡顯兩人間的差別--Paul作為作曲大師的才華與John作為搖滾天才的玩世不恭。充斥全曲的是 John的玩笑般的唱腔，採用的錄音技術更使他的歌聲仿佛是從一個罐子裡發出的。雖然伴奏用了小提琴，小號這樣的正統派樂器，但是整首歌仍然聽上去充滿了邪氣。而這種邪氣是作為優等生的Paul所永遠無法模仿的。也是歌迷們永遠無法割捨John的原因所在。

Blue Jay Way: 這首歌是電影中的唯一一首由George創作的作品，也是唱片和電影中唯一的一首失敗之作，當時的George顯然受印度音樂影響過度，過分地追求印度效果再次抹殺了他的創作靈感。

「Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band」及「Magical Mystery Tour」這兩張唱片的整體構思都是由Paul來完成，充分體現出他的企畫能力和創作天賦。他不但擔任了導演的角色，唱片中半數以上的傑出歌曲也出自他手。顯然此時Paul的創作巔峰期已然到來，與此同時Beatles也迎來了全盛期。只是在這一切的背後，一個人的感受卻被忽視了--那就是John Lennon。John的搖滾靈魂註定他是一個極端追求真實的人，他對於以Paul為主導的音樂劇般的作品甚至不屑一顧。

在一切繁華的背後，裂縫正在悄然產生。

必須承認，無論John對此有多反感多不情願，「Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band」，和本作是百年一出的無與倫比的傑作。影響了一代又一代的人。

New York, I Love You(2009)-(台譯: 紐約，我愛你)觀後感

劇情簡介:
本片由12個小短片混剪而成，是繼《巴黎我愛你》之後的第二部“愛情城市”系列電影。十二位導演用自己獨特的視角重新造訪這座城市，他們用自己獨特的方式展示了對於紐約的原創性看法。

觀後感:
New York紐約，是怎樣的一個城市?對筆者而言，是陌生又熟悉的感覺，遙遠的距離是我未踏上的土地，只能透過靜止無動的雜誌和Woody Allen螢幕電影中窺看這個性感浪漫的城市，那個印象中以棒球聞名城市，籃球打的不怎麼樣的城市，是時尚設計界的培養人才溫床，也是許多懷有夢想的人實夢的天堂；那有數不盡的摩天大樓，看不完的車水馬龍，這裡便是不可思議的紐約。懷揣各種夢想的人們，來自不同地域，處於不同境遇，他們巧遇在街頭的小酒館，邂逅在街角的路燈下，因為好奇而交談，因為寂寞而吸引，在那個充滿巧合的城市，上演著不一樣的風情與不同浪漫。

誰不愛紐約？我愛紐約，可是紐約不是每個人都能愛的起的。紐約不過是大部分人對大城市的一種美好幻想而已，那裡高樓林立，燈紅酒綠，一分鐘就可能在街上有段豔遇，或者改變自己生活的機遇，可是紐約也是許多人夢想破滅的地方。其實並不是一半天堂一半地獄，而是某些人的天堂，某些人的地獄。

幾個讓筆者印象深刻的片段…….
電影不像《巴黎我愛你》般章回式的故事，反而如大雜燴般將所有短片串連一塊，隱約連接卻似乎獨立的曖昧性，也多了增加這城市故事的不確定性神秘感，當Hayden Christensen帥氣帶著老紳士帽，身穿風衣外套，氣質非凡的他很難將他當成是個偷錢的小偷，個人覺得更像是個浪跡於世的遊吟詩人(Bob Dylan模樣)，如此優雅。我偷走了你的相片，而你卻偷走了我的心。一間舊式的酒吧，兩杯不加冰的杜子松酒，一段關於父親的故事，在那個有的是時間的下午，讓筆者錯覺這是在巴黎，配上閒適的配樂，不由得佩服紐約這個城市的包容，居然也容得下這樣的浪漫唯美。

Natalie Portman主演的印度男人和猶太女人跨種族跨宗教信仰的婚姻，在婚前與印度商人間的短暫交集。印度女人的頭髮賣來美國做假髮，正說明瞭美國"殖民"於發展中國家廉價勞動力與生產作坊的事實。而就是這假髮似乎讓剛忍痛割愛剪光頭髮的猶太女人有了某種釋然，也增加了對族群聯姻間的深入理解和寬容。

《愛在黎明破曉時》《愛在日落巴黎時》裏頭喋喋不休的Ethan Hawke，再次展出他三寸不爛之舌，搭訕Maggie Q點煙的時候的特別的曖昧，Ethan Hawke說出那麼一長段的臺詞，“there may not be another time，I mean never get this change again we may never be able to return to this moment." "Uh-huh.And where is your husband，huh？huh？”那樣黑暗連燈都沒有的午夜，車來車往的十字街頭，兩個抽煙的陌生異性，教它怎麼不曖昧。Ethan Hawke在自己的幻想的性世界裡高潮，可惜他遇到了似乎更專業的妓女Maggie Q。我期待Maggie Q會說你給多少錢？Ethan Hawke會壞笑說一分都不會。但不是，Ethan Hawke只說個“well fuck me”。

接下這個故事讓筆者我印象深刻；就像一個童話。由一位17歲的男孩講述自己的成人禮。是一個以情節巧妙取勝的故事，黑色幽默的笑點當下還以為是老妞約客Woody Allen的作品。這個一看就是不受異性歡迎的傢夥，畢業舞會之前女友跟人跑了，落單不說，還被藥店老闆設計，心不甘情不願地帶著其坐輪椅的女兒去舞會，受盡嘲笑。比較感觸的是女孩在輪椅上舞蹈，大家都彎下腰來跳舞，這個畫面很感觸，生活是需要點綴的，無論怎樣的困難，關鍵看你怎麼表達，怎樣有創意的去表現。意想不到的連連驚喜等著他，在公園裡以很“特殊”的方式完成了真正的“成人禮”，一夜之間，灰姑娘變成了公主，就像魔法故事一樣，難怪女孩一再對他說：“make a wish”。最後那個姑娘從輪椅上站了起來，在男孩吃驚的注視下優雅的走開。這難道不是一個奇跡麼。那麼也請我們也“make a wish”。

不再年輕的女歌唱家故地重遊遇到了一個跛腳的年輕男侍者，男侍者為她弄來了想要的紫羅蘭，但其眼神中卻一直隱藏著某種憂鬱之情。在陽光滿溢，飄蕩著白窗簾的窗前，侍者墜樓而死。這似乎是女歌唱家的一段回憶幻象，死去的是她年輕時那段美好的記憶。在這個故事裡，鏡子多次出現，映出女歌唱家和服務生的身影。其實，服務生並不存在，他只是女歌唱家幻想出的形象，是她自己的一部分。當她漸漸失明，心灰意冷，了無生趣時，靈魂中堅強的一部分挽留住了她的腳步，最終選擇了生活而非死亡。

在那個舞蹈家父親和天使女兒之間，除了外表不相像，或許也並不常見面，即便親近也帶著些小心翼翼，所以父親才會被誤認為是男保姆。直到登上舞臺，父親看女兒的眼光才完全放鬆，一種幸福。 “這些顏色就像做迷藏一樣，就像現在。”你無法不愛上這些美麗的句子。也表現了她對離異家庭子女的關懷。音樂很扣動心扉，柔中帶剛的舞蹈，我想說的是這一刻我很感動。

我相信每個人都會感動最後老夫妻去海邊的那一段，因為它的溫情與趣味，很像台灣經典歌曲"家後"的情境。我覺得那是個幸福的過程，在我們到達和離開之前，我們可以有爭吵與磕絆，你無聊我空洞的關心獨立民主的政治，我厭倦你只關心我抬腳怕再摔屁股的瑣碎。但當我們到達大海的那一刻，翻騰的海浪，飛翔的海鳥，兩隻蒼老卻溫情的，牽在一起的手，你靠在我的肩膀，我親吻你的額頭，我愛你臉上消逝的容顏與老去的皺紋，你愛我模糊的花眼與手邊的拐杖。那一刻全世界都是我們的。悲傷的事不是變老，幸福的事是和你一起變老。你整了整我的帽子，說看上去很帥。

這部電影有趣的地方就是，每個人都會看出不一樣的情趣。

看這部電影的情緒，像一根煙，一張照片，一封情書，一杯咖啡。我擺脫不了它的情調。讓我說愛你，只不過是以紐約的名義。從巴黎到紐約，下一站是上海or裡約熱內盧，城市在變，但這樣的故事不變，這樣的感情不變。每一個城市都不是靜止的擺設，它更是一幅流動的色彩。期待這同一般的情感，氤氳蔓延..........

Tim Burton早期兩部短片《Vincent》《Frankenweenie》觀後感

Vincent (1982) -(台譯:文森)
劇情簡介:
《Vincent》片長只有5分多鍾，是Tim Burton在迪斯尼的早期作品，講的是一個叫Vincent的小男孩，幻想自己是一名著名的恐怖片演員，飾演將妻子活埋後不堪精神重負的兇手。現實與幻想不斷交錯形成戲劇張力，小男孩在自己幻想的Allen Poe式結尾中“死去”。

Frankenweenie(1984)-(台譯:科學怪狗)
劇情簡介:
一個小男孩的愛狗被車撞死後，他十分傷心鬱悶。在學校上課的時候，當老師做用電擊青蛙的方法使其神經抽搐的實驗時，他有了救活他的小狗的靈感。於是晚上，他引了天上的雷電電擊小狗的屍體，使它復活。重生的小狗嚇壞了男孩家的鄰居們，他們視這只狗爲怪物......鄰居們追趕狗時將狗和男孩逼進一間小木屋，失手幾乎燒死他們。但小狗卻將男孩救出，自己死去。鄰居和男孩的父母爲之感動，決心再次救活它。他們用汽車發動機製造電能，又一次救活了這隻狗。

觀後感:
這兩部都是Tim Burton最早期的作品，1982年的《Vincent》只有五分鐘的黏土停格動畫作品，而另外一部1984年《Frankenweenie》也不過是三十分鐘的真人演出短片，兩部影片Tim Burton已經明顯具備了Tim Burton式的哥德式（Gothic）風格，陰鬱、神秘、黑暗的氛圍在每一個鏡頭中洋溢著，甚至是人物的造型也是Tim Burton的經典模式，蒼白、瘦弱、修長、善良、甚至無奈，尤其是《Vincent》的造型更是與《Edward Scissorhands剪刀手愛德華》裡的Johnny Depp卻驚人的相似，也延續發展在《The Nightmare Before Christmas聖誕夜驚魂》《Corpse Bride地獄新娘》等作品。

《Vincent》作品，一開頭的枯樹與黑貓便已經毫不隱諱的點明瞭自身的Gothic風格。再看看影片中的其他元素，也多與Gothic風格契合，妹妹、蝙蝠、蜘蛛、，蠟像、僵屍，Allen Poe、活埋的妻子、幽閉、逝者的畫像……富含象徵意義的符號也已經足夠說明一切了。

影片沒有一絲贅筆，著力描寫一個名叫Vincent的七歲男孩的內心世界。Vincent有教養、體貼、安靜、早熟，在其他七歲男孩還在讀《Go Jane Go》的時候，Vincent已經在讀Allen Poe了。他充滿了諸多古怪的幻想，他希望將嬸嬸丟進融蠟豐富自己的蠟像館，希望製造出一個僵屍(《Corpse Bride地獄新娘》的雛型)，至少是一隻僵屍狗(此點子發展出《Frankenweenie》)。他幻想活埋了自己美麗的妻子，甚至掘開妻子的墓穴確認妻子已經死去，承受著Allen Poe筆下每一個殺妻者的精神重壓。

這個叫Vincent的小男孩，說白點就是Tim Burton的自我投射，孤獨，他的腦子裏充滿了各式各樣的古怪而新奇的念頭，但卻受到成人社會的壓抑，他陷入到深深的孤獨之中，活在冥想中那充滿鬼怪的世界裏。這部短片可以說奠定了Tim Burton以後動畫電影的基調，包含了他標誌性的所有元素和Gothic式的風格。Gothic式的電影場景、Gothic式的蒼白臉孔、Gothic式的光影、戀屍癖、埋葬的新娘，所有的特徵都表達的淋漓盡致。配樂也呈現了Tim Burton動畫電影中人物特有的語言節奏，整個短片有著讓人一見難忘的黑色狂想氣氛，讓筆者聯想起《Beetle Juice》。

另一部《Frankenweenie》可說是對經典恐怖電影《Frankenstien科學怪人》(1932)致敬，故事題材、場景設計都有模有樣取至於經典作品，表現主義式歪斜樓梯、實驗進程出現電火花，甚至Creature出場（先出背，背光，影大於人），試圖給人恐懼感，也是表現主義常用手法之一，甚至最後的暴民出行逼主角與狗到老風車場景，讓人聯想起代表作《Edward Scissorhands》不就是改編的《Frankenstien科學怪人》，一樣的孤獨個體、黑暗、神秘、純真；追尋失去／不曾擁有的父母之愛。

《Frankenweenie》主角是個小男孩，總是天馬行空幻想著許多事物，包括自己拍起手工電影以滿足自己內心澎湃欲溢出之創意，但現實理性的成人們，有幾個能接受他的精采，甚至會不懂浪漫而抹滅他的赤子之心，人類只懂以貌取人，互不信任，看不出真正的良善，而被自卑、自戀和愚昧蒙蔽。

Tim Burton迷戀著死亡，電影總是灰色無彩的，帶有淡淡的憂傷，Tim Burton電影不能少了愛情，透過童話似的詮釋世界，但又無不一針見血，沒有任何迴旋。電影中甜蜜而羞澀，恐怖而密切，《Edward Scissorhands》與世隔絕的孤獨，相愛而不能戀愛，再見且永不再見的悲哀；《Corpse Bride》穿梭於人間與地獄，爲了愛情而死，也爲了愛情而生。誓約帶來的悲傷，也帶來了愛……

現實就是不能沒有僞裝的世界，單純天真則不能保護自己。

Tim Burton式的愛情幽默。