歸不來的愛人 / 歸來(Coming Home)(2014)觀後感

劇情簡介:
上世紀70年代初，與家人音訊全無隔絕多年的勞改犯陸焉識，在一次農場轉遷途中逃跑回家。這對懷抱芭蕾舞夢想的女兒丹丹帶來了巨大壓力，她阻止母親馮婉瑜與父親的相見。因此夫妻二人近在咫尺卻又相隔天涯。文革結束後，陸焉識終於平反回家，但是他卻發現女兒早已放棄了芭蕾的夢想成了一名工廠女工，而深愛的妻子因為患病已經不認識自己。深厚的感情、生活的變故，迫使陸焉識做出了對他來說最荒唐卻又最合理的人生選擇……。

觀後感：
來大陸生活也一段時間了，算算也快一千個日子了，對這塊龐大古老又新穎的土地，從恐懼陌生到接受接納，當初的萌懂不知，初淺表面化瞭解，漸漸透過生活點滴經歷聽到，看到，吃到，聞到，甚至接觸到的人事物，及綜合消化而慢慢有初步認知，雖然不算是喜歡階段，但好感確實有。

曾經和當地幾位激進的共產黨份子深度聊過天，很難相信吧！酒後飯餘民主地（至少沒動怒和翻桌）探討起兩岸三地文化背景與政治立場，確實有趣，雖然各有各堅持和理想，但仍對上頭迂迴政策始終明確不定感到憂心，但不能否認，現在新一代中國年輕人改變了，雖然敏感的統一話題依舊堅持，但對黨國的信任和認可，漸漸更可接受各方面聲音和質疑，這是樂觀的，更多是聽到許多不可講的秘密，才知道天下烏鴉一般黑的道理。

中國在短短一百年內，經歷過許許多多大大小小的外患內亂，禍不單行，二戰後又國共戰爭，然後來場壟斷性的文化大革命，一胎化政策和教育普及等新政策，緊接是新中國的經濟改革，又一波波努力往前推動，在這種快速兼複雜歷史大輪轉動下，壓出多少許多悲歡離合和，滾出多少妻離子散和喜怒哀樂。這些點滴故事，我們可以透過文學或電影從中窺視瞭解，或許這些事件都經過潤飾粉化登場，更多是被閹割了，但龐大文本中依舊保有聲聲無奈嘆息和前人感慨聲綿綿不絕，這就是那代人的心聲。

《歸來》，是一部令人心碎的電影。在商業電影普遍佔據所有影院的同時，《歸來》卻是給商業和藝術找到最佳平衡點。一路看鞏俐在張藝謀電影中詮釋各種角色，相信《歸來》是她最內斂極深刻的表達情感作品，眉眼間淡淡悲傷與憂愁，細膩而真實的眼神一瞬間，足夠將千言萬語道頭來。沒有記憶的愛，比更多的傷害來的痛，陪伴。

導演張藝謀，相信就算不愛看大陸電影的朋友，也對這三個字不陌生才對，張藝謀確實在中國當代導演中，扮演一個勇敢前鋒者的角色，在影迷心中，褒貶更是兩極化，大陸網友用心取他新稱號：國師！張國師參與太多太多大大小小藝文活動，別忘了2008年北京奧運開幕會那氣勢磅礡展呈現新中國的美學和世界觀，或是西湖湖畔美麗動人的印象西湖水舞設計，在中國，張藝謀似乎是電影界的一個神話，他從來不拍電視劇，只拍電影；而他的電影、不論是城市題材還是農村題材，不論是現代還是當代，總是令人刮目相看。在張藝謀看來，“城市題材和農村題材不能構成一個話題，現在好的題材不多，我只是找有感覺的、合適的拍”。“我只想拍我感興趣的東西，一種清新、自然和返樸歸真的東西。”

《歸來》又是一部小說改編而成的電影，反觀看張國師的電影作品，發現絕大部分作品都是改編小說而成，如：余華的同名小說《活著》，《秋菊打官司》改編陳源斌的《萬家訴訟》，《大紅燈籠高高掛》則是蘇童的作品《妻妾成群》，《搖啊搖，搖到外婆橋》改編李曉《門規》……等，這確實有趣，小說作品本身就是一個巨大的架構，這架構上小說作者細膩精密的抒寫而成的內容，都是一道難以超越突破的巨牆，也自成一體系，但張藝謀卻偏偏喜歡挑戰改編小說體系，說難聽點，有點偷機取巧，在完整的作品基礎上，本身故事內容豐富度已經省一半心了，後面頂多就是增加“改編”的誠意和心思，如果單單只是造本宣科，這電影一定爛，但如果導演有信賴的小說劇本，加上自我消化後的電影語言系統，重新安排，這未必是偷懶，或許可以給觀者甚至讀者截然不同的新作品味道。

《歸來》是改編《陸犯焉識》，說真的，筆者也沒看過小說本身，但很多人都說電影改的不好，但是在閱讀不易的年代，大多數的朋友仍然對《歸來》給予了正面的評價。我沒看過原著小說，也沒有通過google瞭解原著講了什麽，因此尚無從做比較。但是我想，不論小說講了什麽，有多麽優秀，作為文學改編的電影，還是按照電影去衡量吧。

《歸來》確實不算特別優秀，如果你看過張藝謀早期的《紅高粱》或是《菊豆》，一定會發現《歸來》幾個鏡頭和電影語言，都商業化了，俗氣到不行，但就恰到好處將演員的情感可以釋放出來，尤其前面有提到的鞏俐，一路上演過張藝謀的作品，幾乎是張藝謀創作上的謬思女神，他以前演戲雖然爐火純青，但經過歲月和年紀的歷練累積，演戲不再那麼用力誇張，而是一剎那間眼神和神情，更多是一個眉頭深鎖勝過千言萬語與百般無奈，尤其劇中鞏俐期待盼望站在車站出口，人來人往的旅客都歡喜相送，唯有她等待著愛人的歸來，滿滿盼望與失望總是深刻細膩的在表情上呈現，這不是一般演員可以詮釋到位。

劇中的陸焉識和馮婉瑜之間隔著二十年的時光，二十年後他們面對面站立，依然彼此深愛，但妻子永遠記住的是那個還沒對她造成傷害的丈夫，是一段無法打撈的記憶，陸焉識面對的是一個回不去的家，一個拒絕接納，但始終在等待他的避難所。

失憶後的馮婉瑜，不淮被她認為是“方師傅”的陸焉識進家門，不原諒女兒犯的錯，不淮自己的女兒進家。無可奈何的陸焉識只能將自己在那二十年中寫下卻從未寄出的信寄給了二十年後的馮婉瑜。每天像個老朋友一樣，陪伴在婉瑜身旁，為她念信。在婉瑜眼中，眼前的人只是一個“念信的同志”，而她的丈夫陸焉識，仍在遠方。就這麽陪伴著，把前半輩子從來沒給過她的耐心和等待攢夠了一樣都給了她。即使她看上去再也記不起他是誰，他也沒有顯出半點急躁來。他為什麽要著急呢？他早就打算好了，他剩下的時間早就在那二十年裏盤算好了，都是她的，他是把命給她了，如此一來，反而有了知足的淡然。他們可以就那麽靜靜地像一對平淡無奇的老夫妻，坐著看看書，聊聊天，看看貓，打打牌。如果妳看到那樣安靜安詳的場景，妳絕不會把他們和曠世戀情聯系在一起。

血與淚的瘋狂世界 / 天注定(A Touch of Sin)(2013)觀後感

劇情簡介:
家住烏金山的大海（姜武 飾）對村長和焦勝利利用煤礦大發不義之財憤憤不平，他幾次三番要討個說法，但都碰了一鼻子灰，甚至被對方暴揍一頓，大海心頭的怒火被徹底點燃；遊走全國各地的三兒（王寶強 飾）趕在春節前回家，家中正給七十歲老母祝壽，他對一切都興致索然，只嚮往著佩帶手槍行走江湖的血腥歲月；在按摩院工作的小玉（趙濤 飾）希望和情人（張嘉譯 飾）早點確立關係，送走情人後，她被對方的妻子教訓了一番。沒過多久，兩個仗勢欺人的客人對她圖謀不軌，由此引發了不可挽回的衝突；在東莞打工的小輝 （羅藍山 飾）為逃避給工友的生活費，來到一家夜總會謀生。他邂逅美麗的同鄉（李夢 飾）。愛情很美好，現實太糟糕。對這個內心空洞的青年來說，似乎所有的路都被堵死了……

觀後感
很有趣的事情，凡是大陸當局列為禁片，或是審查沒通過得電影，通常一定是好片，也經常會是在國際影展中不錯口碑和成績，這是很矛盾的現象，我們看到那些牛逼閃閃的大腕，如姜文和張藝謀這些大陸有名氣導演，都有這樣例子在前，或許這些電影夠坦蕩，夠誠實尖銳，不修飾與美化事件，很坦率呈現一種真實性，反而更像把尖銳手術刀，切開已經外表完好的假像，內在早就化膿腐爛的膿瘡腫瘤，使執政當局無臉可擺，你也知道，報喜不報憂的中國當局，最怕你知道太多，引起更多的討論和效應，乾脆不給你看，免得後患之憂。

看了幾天後的沈澱，腦海中依舊還有一股熱烘烘的血液竄流的感覺，想起許多畫面還是如此撼動與清晰。電影透過幾段真實社會案件改編而成電影事件，這些角色都擁有悲劇的元素，對制度的不滿，對生活的不滿，對身份的不滿，對社會不滿，電影中沒有一個完整的延續，暴力事件與不平等的關係使電影呈現一種很消極的價值觀。

賈樟柯電影少不了的廣播、方言和長鏡頭，廣播比旁白手法更多的真實性，結合環境角色與氛圍，提供觀者一種指引的觀影方向；方言本來就是一種很個人的語言，在中國那麼大土地上，各式各樣方言，光是一個省份就有幾十種以上的腔調語言，只是將方言放在電影中，我們不熟悉的方言忽然間多了人與人之間的遙遠與陌生疏離感；而長鏡頭，給時間一個定義，現實與電影是同步進行，真實感更多，緩慢拉長了時空，增添了壓抑與緊張。

電影透過四個故事，你說有相關，還有點相關，如果你要看成單獨事件，好像也說得過去，四個故事皆是曾經大陸頭條新聞。事件樣式的多元性和其中的相似點形成了非常驚人的反差：山西的胡大海因懷疑村會計與煤老闆勾結貪汙，上訪不成而槍殺多人；重慶的三兒與家人關係冷淡，只能以到處搶劫殺人來尋找刺激；湖北的小玉出自一個破碎的家庭卻成為別人小三，最後自衛捅死了侮辱她的洗浴中心客人；在東莞打工的小輝因不堪重負而跳樓，以最暴力的方式進行了對社會的反抗。

第一個故事：
筆者認為拍得最好，敘述流暢、自然，鏡頭豐富、漂亮。例如，大海殺人就是“白描”式，往往直接、突然的開槍，不做特別的渲染和鋪墊。但其抗著老虎毛巾包住的獵槍像林沖一樣走出來，背後嗩呐、鑼鼓奏起“野豬林”背景樂，又充滿了形式化的感覺。

另外這個故事中大量採用符號化的象徵物，如領導雕像、聖母畫、修女、打馬場景（出現了兩次）、老虎圖案的毛巾等等。一般電影中的象徵物都注重隱秘、暗示性的表達。但這些象徵物卻以一種非常直白、粗糙的手法出現，這一點很有味道。和朋友後來在微薄上討論，他認為有點像《計程車司機》(Taxi Driver)(1976)，但筆者認為，在某方面是有點像，但是《計程車司機》想表達的是一種救贖與自我認同，而這個故事卻很直接想表達一種不滿，不平等的無奈，比《計程車司機》更多血肉的感受。

第二個故事：
先是跟隨者王寶強這個角色回家過年，在離家之後以一場屏息的光天化日之下的持槍打劫畫個句號。拍的很猙獰，一上來就在大街上爆了兩個人的頭，搶劫前以及搶劫後，王寶強臉上的那種鎮靜，是一種社會雜糅出來的邪惡，辛辛苦苦了很多年，掙的錢，少；再看其他人，掙的錢，多。這是社會的現實，貧富的差距。這個故事是《天註定》中最接近第一種手法的，幾乎就是“白描”了三兒的一段生活，特別的是創作者幾乎沒有預設的內核要表達給觀眾。

第三個故事：
和故事一差不多，白描加形式化捏合著用，有一個貫穿故事的象徵物“蛇”。但我覺得太做作，整個故事基本是為嫖客拿錢砸趙濤拍的，創作者的意圖又太明顯。

第四個故事：
這個故事有一個特別有意思的地方。就是創作者對故事的截取，他非常生硬的把小輝偷窺自己“鐘意”的小姐陪客後決意辭去馬夫工作去富士康打工，這段從整個故事中取掉了，極大的增加了故事的張力。但這個故事有太多處理的不好的地方，造成當最關鍵的場景出現——也就是小輝拿著鐵棍在富士康的宿舍樓前四顧茫然時，對觀眾來說前面的故事根本沒有使他們此刻也有感同身受的代入感。最後的縱身一躍自然也就沒有說服力了。

這四個故事有聯繫，故事一與故事二的主角，大海、三兒曾經相遇，故事三中趙濤的情人是故事四中小輝打工工廠的車間主任，而電影最後，故事三中的趙濤又作為煤老闆購買飛機的服務人員來到了故事一的發生地。但這些聯繫相互不構成關鍵的因果關係，也不是明確的線性時間關係。所以賈樟柯的意思（如果不是故意搞噱頭的話）大概是，你我就置身在發生這些故事的這個光怪陸離、令人瘋狂的社會中吧。

一切天注定，人沒有來世，固然要珍惜，可恨之人必遭天譴！人如果沒人性，那跟畜牲沒有什麼區別！甚者都會玷污畜牲這兩個字！看完本片如果你激動不堪，那說明你見識甚少，如果你平常心對待，那麼你已經很好的融入這個社會了！

不捨與懷舊的世代情懷 / 殭屍(Rigor Mortis)(2013)觀後感

劇情簡介:
故事講述了80年代知名動作影星小豪（錢小豪 飾）曾經憑《僵屍先生》紅極一時，可惜年事漸長，風光不再，私生活上也是極為混亂潦倒，無奈遷入公共屋邨凶宅單位2442居住，並決定在凶宅內了結自己的生命，但卻遇上隱世的末代天師阿友（陳友 飾），有家歸不得、受過嚴重心靈創傷的神經病楊鳳（惠英紅 飾），樂於助人、但在家中私藏了一具棺材的屋邨師奶梅姨（鮑起靜 飾）等，更驚爆僵屍肆虐殺人事件，小豪與阿友再次面對兇猛僵屍襲擊，必須設法合力降服這具瘋狂嗜血的不死之身……

觀後感:
非常精采的香港新世代殭屍電影詮釋，跳脫傳統殭屍電影的詼諧搞笑，嚴肅詭譎分外凝重，不捨與念舊是電影隱藏的核心，音樂，演員，台詞，茅山道術，感嘆文化傳承中斷的哀怨，瑰麗黑暗視覺美學幕幕震撼人心，氣氛與光影的安排額外出色，慢鏡頭下的水滴煙霧質感十足，老演員的詮釋更加電影懷舊氣息的重點。

這部電影，確實是筆者2013後半年度最想看的電影之一，盼啊盼！可惜大陸地區根本不可能上映，這種怪力亂神的題材，基本上大陸因為某些因素，是不允許出現和上映，大陸所謂的鬼片，到結局總會給你一個合情合理又和科學的解釋（脫褲子放屁啊！太多餘了），大陸實行是社會主義制度，共產黨是執政黨，思想是馬克思主義思想，馬克思主義是唯物主義和辯證法的統一，是唯物辯證和自然觀和歷史觀的統一，科學性和革命性的統一。當然是【物質決定意識】的啦，所以怎麼可能黨會相信有鬼（世界上有了鬼，我們才會知道、相信有鬼，但實際上世界上沒有鬼，那麼沒有這個物質，自然沒有鬼這個意識啦..如果反過來如果我們先是相信鬼，然後才覺得真的有鬼，這是意識決定物質，是唯心主義與馬克思哲學不符）就算真的上映，也必須給你剪的亂七八糟，還記得之前進電影院看《普羅米修斯》，其中那段女主角進入醫療艙中取出肚子內異物那段，女主角一進入，中間過程完全省略，下一幕便就是包紮下來了，中間整整省略了一大段好看的，當場傻眼！

每次看臺灣地區和香港地區朋友一直討論《殭屍》這電影，為了避免被劇透，筆者我很少認真去看評論，只想親身感受這部電影的魅力，一直等不到電影的消息，對我這種影迷確實煎熬啊！近日終於一窺究竟，觀看了本片，確實引起心中有許多想法與感觸。

或許和我一樣80年代後出生的朋友，對於港片有股情有獨鍾的情感，80年代後期，老三台比經無法滿足大眾的需求，加上家家戶戶開始有線電視（俗稱第四台）逐漸普及化，VHS影帶出租店更是雨後春筍出現大街小巷，包羅萬象的視覺傳媒更多了，選擇性也更加廣泛，而離台灣不遠的香港，一直給台灣人有種神祕好奇感，當時的香港電視劇（楚留香）與電影確實給台灣觀眾一種新的體驗，熟悉又略異國風情的文化背景（英國統治關係），更多生猛有力多元化的題材，印象中，那年代的成龍、周潤發、洪金寶的電影，煞是好看難忘！

回憶我們童年時光，身邊沒有一個不愛看港片的，當時正逢香港殭屍電影熱潮，每個小孩子對於殭屍電影真是又愛又恨，甚至在學生圈中流傳一款叫「停止呼吸」的遊戲，便是模仿電影中殭屍抓人時，透過停止呼吸可以躲避殭屍的發現橋段，遊戲就是學生中一人扮演殭屍（記得用跳的），其餘人必須在殭屍碰觸你之前大喊「停止呼吸」，不能亂動，等待下個人拯救你才能自由活動，想想還挺有趣。在香港的殭屍電影中，印象中許多影星都扮演過降妖伏魔的“茅山道長”，比如鐘發、陳友、鄭則仕、吳耀漢，甚至玩票的名作家倪匡等人。但若論最受歡迎、拍得最多的，則當屬林正英“一字眉、冷幽默、身手敏捷、連畫符念咒都有款有型”的茅山道長形象最是深入人心。而作為香港僵屍電影的代表人物，林正英對僵屍片這種令自己聲名鵲起的題材確實也情有獨鍾，為它付出了不少心血。後來許多朋友都認為，不是林正英扮演的殭屍電影，都屬於山寨版，可見深入人心的師父形象，如此成功。

《殭屍》這片名，取的很直接了當，開門見山讓觀眾明確電影主題，但換個角度想，這樣的安排似乎少給了電影一些懸念氛圍，記得老殭屍片《鬼打鬼》《一眉道人》《停止呼吸》等片名，雖然大家都知道是殭屍為主體，片名卻又給人們多一份遐想的空間，《停止呼吸》確實充滿令人玩味的巧妙。以往我們看香港殭屍電影，總是喜歡將殭屍翻成“Vampire”，這不是吸血鬼的意思嗎？卻不是翻成“Zombie”或“Living Dead” “Walking Dead”充滿弔詭的疑問，雖然兩者有一些相同的特徵，比如都是死後以肉體形式重返人間，比如都是靠血食維持生命力，比如都怕光，白天躺在棺材裡睡覺，晚上才出來活動；但是兩者卻有著本質的不同，僵屍只是行屍走肉一具，而西方的吸血鬼卻仍然具有思想、情感和記憶，兼備了中國的鬼和僵屍的特徵。本片英文《Rigor Mortis》真的很陌生，後來一查才發現是拉丁語，意思是“僵硬的”mortis含詞根mort，意思為“death”，所以，《Rigor Mortis》就是 stiffness of death，也就是“死後僵硬”之意，英文翻譯卻有趣多了，也很符合電影本質。

演員
這是一部很新的電影，倒不如說它是很多新視覺的新舊電影綜合體，光是演員就夠精神，熟面孔重新上大螢幕，這部電影的演員陣容以過氣電影明星錢小豪為首，集合了一堆老牌演員，效果堪比早先的《打擂臺》。像陳友、樓南光，看過僵屍片開山之作《僵屍先生》的觀眾應該仍有印象，再到擅演反派、以打著稱的鐘發，加上演技派鮑起靜和惠英紅等人的存在，吳耀漢和盧海鵬等老熟臉，《僵屍》並非只重恐怖效果，而輕演員表現。尤其是在錢小豪、鮑起靜和惠英紅身上，每個人都安排有一段情感過去，深化了人物本身，更為立體。

懷舊：
我喜歡導演的念舊，加上自己的新想法，成為一種鮮明特別的思維邏輯。從故事上，過氣的武打明星錢小豪以本名進入電影，錢小豪演一個潦倒過氣殭屍電影演員，他攜帶簡單行裝，架上墨鏡步入屋村，光輝不再，保安燕叔帶他入了門號[2442]單位，說:[很小見到明星搬進來。] 說中了演出不再; 離了婚，只能利用舊款手提電話收聽兒子留言錄音事業家庭失意中年人心聲!鏡頭帶到一件件老舊殭屍劇服及照片，張張泛黃我們照片中看到林正英、許冠英等已故演員，雖然導演意願是邀請典堂人馬參與, 可惜他們不在, 這份心意大家領受, 以往家傳戶繞人物不能聚首, 令人傷感惋惜。

導演利用許多我們熟悉的元素，如那首唱的陰森的《鬼新娘》，還有糯米的典故，糯米到了《殭屍》，卻只剩下悲哀。在沒有殭屍的時代，陳友那個家傳道長的身份也變得沒甚麼意義了（也不需要徒弟承傳了），糯米也由治殭屍的法寶，炒成糯米飯食落肚。最後的金木水火土法術，說白了，這點子說出來確實老套，但是導演就是利用老東西，賦給新生命，讓邏輯和接受度更完整，如果一個新的法術來終結殭屍，相信說服力和憾動力或許少很多。

感情：
看完電影和一個朋友聊起內容，他的評價既然是溫馨，當下確實有點納悶這樣的評語，但想想確實不否認，電影雖然外衣依舊是血腥恐佈片無庸置疑，但內容沒有以往血腥恐佈片中的絕望，也沒有消極的挫敗感，而驚悚中保有溫感，導演說的故事，一直圍繞著人性點打轉，便是「執念」，片中的殭屍不是來自於湘西趕屍中的殭屍，也不是老舊寺廟中的死者，更不是陳年古厝中的冤魂不散，反而是平凡正常的鄰居老夫妻，梅姨的故事是最主要的一條線，她為了冬叔還魂，一步步被烏鴉血，人血浸滿雙手。她可以對著冬叔的屍體喃喃自語，崩潰後又選擇欺騙自己繼續對著冬叔的屍體說話。她接受冬叔已死的現實是她親手把小白推進廁所的一刻。她守在門外聽著裡面的動靜內心是極大的痛苦，私心與人性的爭鬥與廝殺，她除了流淚宣洩情緒已無法再思考，也終究沒有回路。待廁所再無動靜之後，她行屍走肉般走出自己的家，關上門，此刻她已接受了冬叔已死的事實。小白的死讓她明白廁所裡的並不是冬叔，只是一具怪物。所以當她再出現時已是結尾，她已接受了現實，而面對現實她選擇的是自盡與冬叔相伴。卻是一個很溫馨的情感下的錯誤，老夫妻相愛，換取挽留丈夫的離去，這樣的出發點，往往失去理智，因為愛太深，分不清道德觀，演員鮑起靜的深刻演出，確實給電影增添幾分情感，老演員紮實演技，往往透過一句台詞和眼神，足夠給人詮釋的入神。

錢小豪的「執念」，也是電影中一大主題，不破梗所以不多說。

視覺美學:
如果這電影抽掉精采的視覺特效，相信就像拔光鬃毛的獅子，毫無感覺，我們看到電影從頭開始到片子結束，導演的美學我們真的需要稱讚，燈光的安排，取景的構圖，場景的設計，甚至服裝的設定，絲毫沒有匠氣俗氣。我們來看片子建築，灰暗的老港式屋邨，斑駁黴味狹隘擁擠的環境給人強迫壓迫感，這是香港獨特的氣息，對筆者來說，是美，那種繁雜的生命力，從屋中的擺設看得出來。慘白及昏黃燈光，尤其糯米飯攤的燈光打的如此油膩特別，總有種舞臺劇的spot light效果，聚焦焦點四周昏暗，詭異又神祕。

很多人很反感電影中的慢鏡頭，但是筆者卻獨愛此手法，筆者一直認為在短短一秒鐘，所有事情都可能改變，是我們一般時間速度下觀察不到的，必須將時間放很慢很慢，才能察覺這絲毫間的改變，導演透過這種慢鏡頭，附身的瞬間，眼神間的著魔，甚至水滴的節奏不同都如此恰當好處，更多是瞬間的美學昇華，錢小豪從泥巴中爬出的畫面，液態的不規則與人體間的互動產生絕佳美感，不放慢鏡頭是感受不到的。

當然，並不是所有特效都顯恰當，例如劇中雙胞胎冤魂出現時，身邊總是出現很多牽絲的特效，當下會覺得很美，但是多次出現如此繁雜線條，卻也隱蔽了恐懼，這是電影最大垢病。

此外，我們印象中的香港殭屍電影，總是略有詼諧逗趣的元素在裡頭，使電影節奏輕鬆好看，一師二徒弟的安排更是巧妙，冷幽默的師父，搭配憨厚正直的許冠英，外加一個帥氣又古靈精怪的錢小豪，創造許多難忘的畫面。而電影卻不走傳統路線，整部電影嚴肅沈重，甚至事件都如此殘酷深刻，強姦，謀害殺人，冤魂報仇，《殭屍》除了叫觀眾看得心寒，也藏有一些資訊。道士陳友自嘲現在已經再無殭屍，道士也只能去炒糯米飯。就像曾經一度蓬勃的本地影業，在國強"大製作"當道下是奄奄一息，不少行內人為了生存只得轉行。充滿時不與我的無奈。另一方面，電影道出做人不要過份執著，否則會像電影中角色慘淡收場，沒有好結果。

《僵屍》片尾的第一個字幕：音容宛在！林正英（1952—1997），許冠英（1946—2011）！

被迫成長的孤獨少年 / 忠仔(Ah-chung) (1996)觀後感(重看)

劇情簡介:
隨母姓的阿忠是一名底層的青少年，他們一家人住在關渡平原的水鳥保護區。

阿忠在高中畢業後，無所維生，母親以替家人招好運為由，強迫阿忠去學“八家將”，阿忠的生活由此有了驚天動地的變化。這個既是民俗的武藝團體，又是地方角頭練新兵的據點，在神明消災解運的背後，卻有著不可見人的黑暗與衝突。

觀後感:
《忠仔》這樣的片名，的確很有趣，這是台灣最熟悉不過的朋友稱呼方式，隨便一回想，許多這類型稱呼的朋友:姚仔、黑仔、陳仔、祥仔......等，額外很親切，沒有距離，甚至更多的台灣情感與人際間的關係體現，電影取作《忠仔》，從字面上可以簡單猜出故事不外乎發生在一個叫"忠仔"的人身上，但其實也只猜對一半。

這是一部堅守寫實主義為主軸，沒有過多的商業渲染保有原生態的台灣電影，灰暗憂鬱的色調，血氣方剛的青春暴力，沒有修飾彷彿紀錄片般的質感，甚至看出受台灣新浪潮影響的痕跡，是台灣國片罕有的影像，導演也是筆者一直很欣賞的台灣導演張作驥，但好死不死，該片發行時已面臨臺灣電影衰退時期九十年代中後半段，曾有發行商表示“《忠仔》沒有卡司，能有一百萬票房就已經很有面子了”，結果《忠仔》兩周票房則為一百六十萬元；張作驥父母到戲院看《忠仔》時發現一整天下來觀眾只有七人，因此勸他能夠改行，這實在很諷刺，雖然最近張作驥導演是非新聞比電影訊息還多，但他的才華及對社會及電影敘事觀點，如鷹眼犀利敏感，如熊鼻精準絕對，早在這部電影可以嗅出導演的極大企圖心。

電影真的不好找，很珍貴也很罕見，市面上很少看到此DVD或VCD，筆者第一次看過這部電影，是在大學時期，曾經在一個午夜時分，公視頻道有播過，雖然是閹割版(剪接過)，但黑暗空間看著螢幕閃爍撥放著很不一樣的電影和故事，從此對電影和片名產生極強烈的印象，鮮明獨特的台灣影像，極具生命力和撼動力，電影氛圍緊張，更多的是青春的無奈，電影彷彿一種出口，發出一個孤獨少年聲音，青春末端的輓歌。

在取材上，以深具臺灣鄉土特色的八家將為題材，描寫年輕氣盛的青年忠仔在學跳八家將的過程中對家人和同伴之間的一些生活感觸，坦白說，這樣地故事說起來，一點不特別，平凡的和你我身邊聽過的朋友遭遇沒啥不同，甚至比筆者聽過的離經叛道真實事件還顯得和諧點，但是電影珍貴就是將如此平凡的故事，用真實手法和導演的電影語言，將這一幕幕畫面拼接成口人心弦的電影作品，更具有鮮活的生命力。演忠仔的劉勝忠和演母親的邱秀敏都有一種栩栩如生的草根味，甚至演弟弟的小胖子(阿基)也活脫像一個鄰家男孩。由他們組成的一家人像是在一起生活而非演戲，這種如呼吸般的自然感覺是國片中難得看到的。後來知道張作驥導演，喜歡讓演員即興演出，不喜歡安排設計台詞與走位，認為台詞與走位會讓演員演出成套路，甚至不自然，於是現場等醞釀氣氛到位，馬上用鏡頭捕抓真實對話。

阿忠，導演一直透過阿忠的觀點看世界，這是有趣的設定，因為阿忠鮮明身分與年紀，介於成熟與幼稚間的拔河，還有想獨當一面的企圖，但又加上阿忠複雜的家庭背景，使得阿忠更成急迫一夜成長的偽大人。阿忠，沒讀太多書，所以塑造成無理也說不清的形象，是一個個性暴躁叛逆的火爆小子，甚至有點正義感過頭的「少年仔」，也常常惹事生非，我們可以發現，阿忠更多時刻象徵著基層人民的聲音，更像極阿忠他自己所說的很衰的住在保護區的人們，不管表態啥或是說啥都沒人聽，人家只認為你在發牢騷，根本不注意你本身的立場，有如電影所設定的關係，阿忠與家庭間的矛盾，與酒鬼父親的對立，與阿公間的默契親情，與同儕間的尷尬與競爭，甚至與意外長輩的突來死亡對話，阿忠思維主宰電影的走向，包括電影中出現的超生活化旁白呢喃。

為啥說電影非常真實，電影中出現很多黑道流氓間的火拚對抗，甚至一些黑幫團體裏頭的相處與對話，這種感覺，太過於真實及生活型態，簡直逼近紀錄性質的拍攝，絲毫看不出戲劇的安排，更不是一句「幹您娘」或是「義氣是沙小...」這種台詞可以營造出，看過許多台灣黑幫電影，就是矯情，不是如此原汁原味，這種真實感，讓筆者聯想起《少年吔，安啦﹗》

有趣的是，這兩部電影都訴說著悲情少年青春的無奈。《忠仔》與《少年吔，安啦》，都也都將台灣拍得很醜，我要強調解釋，這種醜不是醜陋的醜，而是一種消極灰暗感，《忠仔》的故事場景，雖然是發生台北淡水一帶，但電影沒有台北該有的繁華，幾乎沒看到城市繁榮一面，砂石車、鄉間小路，甚至灰濛濛的海岸線或是魚塭，更多是練八家將的道壇廣場，阿忠家更是擁擠平凡，擁擠的鴿子舍出現更給人宿命安排拘束感，《少年吔，安啦》也是南部小鎮所呈現的更是摩托車與空地虛無感。

《忠仔》電影的配樂非常值得一提，從憂鬱深情的台灣五音藍調，我真不知道是誰彈的，很像吳俊霖老師在《少年吔，安啦》裏頭的彈奏，悲情隱晦，時快時慢，搭配著畫著八家將臉譜的阿忠，在黑暗中比劃陣頭的姿態，這樣奇妙的視覺與聽覺碰撞安排確實高招，當然還有俗氣的house電子音樂，點綴電影故事蒼白的無奈，巧妙方式的安排，每段配樂出現的驚喜度令人驚艷。

台灣超人是不會死的 / 變身(Action / Machi Action) (2013)觀後感:

劇情簡介：
紅極一時的超人劇男主角鐵男（陳柏霖）由於收視率下滑嚴重，和他的怪獸搭擋（全聯先生 / 邱彥翔）一起，遭新任電視臺董事長蘇盈盈（郭雪芙）換角，歌手FACE（敖犬）成為新世代超人，而鐵男則瞬間變成下崗屌絲，就連送到自己面前的女神化妝師靜芬，他都喪失了推倒的勇氣。為改變現狀，他不僅接了一堆類似路人乙的角色，甚至連超人主題AV都來者不拒，終於在轉戰電視購物時，鐵男下崗再就業打開了事業第二春，當然，就推倒女神這件事，這位失業超人還需要更多勇氣來實現……

觀後感:
誰說台灣沒有超人電影，今天開始，我們也有屬於台灣獨特的超人電影。

我們看過日本拍很多超人電影，超人電影普遍性就是真人穿著厚重的造型服，扮演超人英雄或救世主，然後對抗外來或是地球誕生出的大怪物，也有可能是瘋狂科學家惹得禍，這類電影誇張劇情是少不了，更多的拯救世界正面意義居多，更專業來說，這類電影應該是屬於「特攝電影」，“特攝”，可以指:一是指使用特殊效果的電影特技手法（SFX），可以稱為廣義特攝，另一個意思是指使用特效拍攝的電視劇及電影可以稱為中義特攝，第三個意思是專指日本製作的使用電影特技的影片，可以稱為狹義特攝的日本特撮影片。

台灣其實早期也有特攝電影，《關公大戰外星人》《大俠梅花鹿》《三頭魔王》《鳳凰王子》《新十二生肖》甚至真人版《北斗神拳》都出現過，只是不夠水準，創意十足但是特效落伍，加上觀眾胃口又被日本特攝電影養大，這類型電影漸漸沒落，和電影內容情況如出一轍，慢慢失去主流市場，變成黃昏的產業，悲慘。

回到本片，姑且先不論電影內容如何，個人主觀理由先給電影一個推薦與讚字，標準來自於誠意和創意，難得一見的爽快台灣電影，雖然電影還是略做作矯情，尤其董事長女兒那段，但整體不失娛樂與電影本身想傳達的核心價值，這樣灑狗血題材，相信也只有台灣暢銷小說家兼劇本家兼導演兼宅男-九把刀才有能力寫出來這樣故事題材，熱血精神一直是九把刀人生中少不了的精神，看過他小說或是電影的人都知道，熱血中又不斷熱血，血都快滾了，甚至構成一種傻勁的魅力，但如果只是單一熱血元素是不夠的，似乎像一杯奶茶沒加波霸珍珠一樣，不夠味道，所以九把刀會順便強調「態度」置入，不管是敬業的態度，不忘本的態度，還有男性本色態度，甚至有股不認輸的硬頸態度，我們在電影皆可看到。

電影主軸輕鬆幽默，沒有複雜的劇情，我們可以很容易看出這故事充滿九把刀個人童年痕跡的投射，善於敘述這種男孩成長中的問題，每個男孩都會有這樣那樣的奇思妙想吧，但也不否認，相信也是很多小男孩都有超人夢，小男孩從小就喜歡面具和變身招式，一個人可以當超人，鹹蛋超人，兩個人可以玩假面騎士，湊齊五個人，便可以玩科學小飛俠，大家都不喜歡當壞人，每個人都想當拯救世界的正義使者，從小內心都有股正義之心，但誰知道長大後，電影中壞人才是最吃香的，現在都是壞人當道了，你看蝙蝠俠的邪惡小丑，真令人愛不釋手。

導演張時霖說：人的一生就是不斷的在「變身」，不管是身份、職位、心境上的徹底改變。剛滿40歲的我，從兒子變身為父親，從廣告導演變身成電影導演，十多年的影像創作生涯，拍過各種風格的廣告和MV，終於擁有一個沒有種數限制，能夠單純說故事的電影作品，想到連作夢都會感動流淚！電影《變身》其實不是一部超人電影，它是關於每個人的故事，我們都曾經為了某些人、某些夢想而奮力變身，讓自己的力量發揮到最大值，在這個過程中，你已經超越了平常的你，你就是自己的超人，甚至是別人眼中的超人！

乍看以為歸類闔家歡賞的普通級，其實不然，黃腔調與諷刺性的性暗示，會讓父母帶小孩去看電影時尷尬不堪，加上臺式的頭口禪『幹！』瘋狂全面開講，幹聲一片，太過癮了，電影相信是臺灣人看了最有感受，所有的笑點基於對臺灣文化的一般瞭解，看慣康熙的人就如在影院看節目，時時弄懂主持人丟出的梗。九把刀的風格，有笑有哭，有關於青春、親情、熱血、小人物的電影。電影出現的打醬油藝人，湊一湊都可以媲美大陸春晚了。

Cult與噁心並存的港式恐怖電影 / 魔胎(Devil Fetus)(1983)觀後感

劇情簡介:
十一年前，香港的富家鄭家老太太和她的二媳婦在七月盂蘭節的賣物會上高價投得了一塊晶瑩古玉。豈料自此二嫂性情大變，一日，鄭家二爺提前回家，撞見了二嫂與古玉變得怪物在偷情，一怒之下，二爺摔碎了古玉。不料此後二爺渾身腐爛痛極跳樓而死，二嫂不久亦墜樓身亡。

鄭老太請來法師超度亡魂，法師用黃符封了二爺的房間，講二嫂的屍骨亦封於房間，告誡老太太二嫂已經有了怪物的魔胎，現用符封住了她的神位，12年內不可移動，否則魔胎誕生、惡魔降世。一晃十一年過去了，這天鄭老太大壽孫子帶著女友回來祝壽。安安見了二爺的房間封滿黃符，好奇之下闖了進去，不小心移動了二嫂神位上符紙……

觀後感:
恐怖與怪誕形象具有極強烈的令人過目不忘的視覺衝擊力，它越來越多地被應用在現代美術創作中，以表達作者對現代社會的看法。香港人相信比任何地區的人都講迷信，勝過台灣與大陸，到處都供奉著神位，到處都在燒香拜佛打小人，這已成為香港市民文化的一個重要部分。這種文化也延伸到電影作品類型上，恐佈驚悚類型電影一直是香港電影中，最能直接吸引影迷的類型，也許每個人都對神祕未知刺激的故事，大感興趣，尤其上個世紀八十年代，片商看準這點，於是大量恐佈片及殭屍電影雨後春筍般推出，讓整個香港電影市場一片鬼影重重。

1983年出品的鬼片《魔胎》絕對是香港類型片中的一支奇葩，沒有萬分離奇的情節，在製作上甚至稱得上是粗糙，但就是這麼一個低俗題材，製作出來的效果卻讓人嘖嘖稱奇，有人可能會猜出我下一個用詞會是“Cult”，“Cult”還不行，“噁心”才配的上它，準確的說，是“重口味” 的“噁心”才配的上它！小成本電影，知名度也沒很響亮，儼然論不上經典，但是再無聊薄弱的劇情，如果有了好看的視覺特效，依舊能滿足起Cult Film影迷的胃口。

電影故事圍繞老太太和自己媳婦在一個拍賣會意外買來的古玩，誰知這個古玩既然是淫魔附身於此，夜晚到來的時候，二媳婦既然用這個古玩自慰起來，二媳婦老公回來，怒現此事，摔壞古玩，緊接身體腐爛痛苦跳樓而死，二媳婦也相繼死亡，請了道士來法會，意外發現二媳婦變成厲鬼，用符咒鎮壓，不久，卻此符紙被意外撕毀，此戶開始發生鬧鬼事件。

或許如今看來，這故事顯得荒謬蒼白，甚至可以說老套簡單，基本上就是邪不勝正，正義無敵的主軸發展，但類電影除了製造嚇人的橋段，也少不了腥羶色，尤其那些莫名的裸體在電影四處出現，午夜場電影，這類安排似乎是必備的。電影懸念安排滿到味，帶有濃厚的中國道家民俗技藝，也加了不少西洋式類似《大法師》附身橋段，攀排牆壁，甚至床身搖晃飛天，也令人大開眼界，只是電影中光影特效太廉價刻意，藍光綠光雷射光，尤其道士與惡鬼對決時，簡直是科幻片的畫面，舞光弄影。

電影本片算是誠意到家的恐佈片，好幾幕血腥畫面處理非常有看頭，爆頭，鬼變身，挖狗內臟生吃，蟲隻蛋糕，幕幕皆叫人噁心。停格黏土動畫，除了在邵氏Cult film導演桂治洪作品中可以看到，在本片也有不錯的表現。

淒美愛情鬼勾人事件 / 倩女幽魂(The Enchanting Shadow)(1960)-觀後感

劇情簡介:
明末清初，山河離亂。落魄書生甯采臣遍尋旅店不得，不顧他人勸阻落腳鬧鬼的金華古寺。甯與古寺中的方外俠客燕赤霞相談甚歡，後夜逢女鬼聶小倩。小倩以美色誘人，中計者無不被她的主人千年樹精姥姥吸血而死。小倩本欲加害采臣，但為其忠厚耿直感動，不忍下手，兩人漸生感情。姥姥得知此事，勢要除此二人。不得已，甯采臣求助燕赤霞，一場人鬼大戰就 此展開……

觀後感:
根據《聊齋志異》的故事內容改編多部影視作品，其中一篇廣受歡迎的《聶小倩》分別在1960年被李翰祥導演改編為《倩女幽魂》，在1987年被徐克導演改編為《倩女幽魂》，2011年被葉偉信導演改編為《新倩女幽魂》不同版本的三部電影。

一個無聊的夜晚，在線上無意間看到本片可以觀賞，原本以為耐不著性子，只看了前十分鐘就會草草結束本片的觀看，但卻意外越看越起勁，60版的倩女幽魂，雖然沒有87年張國榮版華麗精緻，嚴格說起來，論場景與特效都顯陽春甚至簡陋可言，更別說當時的特效能屌到哪裡，幾個藍光綠光光影變化已經夠折騰當時的特效小組了，但反而多了一份東方古典之美，中國文化獨特含蓄美學，就算是鬼故事，也要前因後果道清楚，可看到中國人講究的因果相互關係，透過緩緩不急的鋪陳，整個故事更飽滿與紮實。

《倩女幽魂》依託的是《聊齋志異》中的一個短篇故事，本版本算是忠於原作。本作有別於87年徐克版本，87年版本面前，60版本簡直像是清淡無味的清粥小菜，因為徐克來自西洋體制學習電影，拿手的CG特效及新潮拍攝語言，豐富了電影更多視覺效果，加上當時港片慣有的插科打諢的諧謔風格，都以大眾接受度為主，如果以現在眼光來看60年版本，的確有點無法接受。導演李翰祥透過傳統手法來呈現這個鬼故事，《倩女幽魂》以其超現實的主題確實在當時造成了不小的影響，以恐懼的表現方式，並非以美國類型電影那樣強調劇情與敘事，而是以東方的美學去詩意的營造恐懼氛圍。李翰祥非常講究結構上的平衡，電影敘事結構可以被觀眾清晰劃分成若干段落，而每一段的銜接又流暢而平滑，鬆弛有致，攝影、燈光、美術如同工筆畫，幽幽地配樂和藍光與綠光是我們熟悉的古典鬼片模式，配樂也是我們小時候最愛用來嚇人的乎～乎～乎聲響，陰森詭異，沒有刻意嚇人的鏡頭，但卻讓人感到毛骨悚然的寒意。

1960年版本的《倩女幽魂》現在看來，特別突出的是李翰祥的美學體系以及古代文人的價值觀以及質感的捕捉，在電影特效的不成熟的情況下，流暢完整地敘述了一個書生經歷一段奇遇，突破自我的故事，接近原著精神，扮演聶小倩的樂蒂有雌雄莫辨的一種魅力，男女觀眾都為她神魂顛倒，她靜謐清幽，舉止端莊，似仙更勝妖魅，有寧采臣“夢中女神”的完美形象，對於寧采臣一個落魄失意的書生來說，這場相遇確實可以排遣內心的寂寞傷痛。

1960年版裡除了小倩以外的妖怪，有名有姓的就是姥姥．另外還有三個，就是陪姥姥打麻將的那三個老太太，其中一人被小倩稱為四姨，另外的應該就是二姨三姨了，因為看起來姥姥是其中法力最強的，姥姥的恐怖更多是由演員來表現的，本來這張臉就很有恐怖潛力，演員更是把這老妖怪的眼神表情表現得如木三分，讓人不寒而慄，後半段在姥姥臉上做了一次恐怖的化妝，這張驀然轉過來的臉也達到了很好的驚悚效果。 87版本妖怪內容就豐富得多了，不僅有陰陽怪氣的姥姥，還加入了小倩的妹妹。這個角色雖然不出彩，卻對敘事的趣味和連貫有用處，讓人連想起白蛇傳裡頭的小青。小倩住的地方也有了跑龍套的侍女丫環。作為老樹成精的姥姥，在新版裡也是變化多端，那個繞著屋子轉的大舌頭真是又惡心又刺激，這些都是從西方借鑑來的．可見當時的香港影人的衝勁。

陰鬱曖昧死亡的交錯故事 / 春風沉醉的夜晚(Spring Fever) (2009)-觀後感

劇情簡介:

在南京開小書店的王平背著妻子林雪與男同性戀者姜城有染。對丈夫行為生疑的林雪委託羅海濤跟蹤王平，發現了薑城的行蹤。

氣憤的林雪到姜城任職的旅遊公司大鬧，迫使其與王平分手。羅海濤有一個在制衣廠做工的女友李靜，但他卻在跟蹤的過程中對姜城產生了好感。羅海濤與分手後情緒低落的姜城交往，二人關係日漸親密，但與此同時他又難捨李靜。

在三人共同出遊的過程中， 李靜發現了羅海濤與姜城的曖昧關係，傷心落淚。一座城，許多人，都在感情的路上崎嶇前行。

觀後感:
大陸電影市場，近幾年來，很有趣衍生出兩種類型模式，一種就是大卡司大陣仗的商業電影，高資金堆疊效應，電影本身完全成為商業化的經營，單純只為了賣錢而拍，許多港臺三地地區的演員和導演，皆紛紛往大陸這邊靠攏，不能否認這類型電影的娛樂性質，但是有表面，卻少了誠實，常常看完電影換來一場噓聲，彷彿是一部部空洞的泡沫劇，反而，另一種電影模式的存在，更顯的珍貴，就是獨立電影，導演們堅持低成本低技術渲染的浮誇，著重電影本身的故事性和導演的中心價值，但相對的，叫好不叫座，婁燁導演便是最讓筆者欣賞其中一位導演，他身上有著中國電影最缺的兩樣的東西，誠實和慈悲。 他敢於指出人的困窘和卑微是人性中不可被分割遺忘的一部份，而不從某種道德立場做出虛偽無益的評價。他敢於關注最邊緣的人群，並指出我們本質的相同。這種包容和清醒的態度，實在是太少了。

電影值得一提的是，影片與郁達夫的代表作《春風沉醉的晚上》同名，而電影也大篇幅的使用朱自清和郁達夫的文句詩詞華誼的婉約融進灰暗泛黃的畫面裡，那種如同掀起鋪滿塵埃羅綺一般的質地讓人不禁再次為影片濃鬱從內而外濃重的中國氣質而讚歎。

婁燁導演習慣性用手持DV拍攝的風格，可從代表作品《蘇江河》直接連結到本作品，寫實又搖晃的鏡頭，讓人聯想起Lars von Trier，他們共同目的都是與當今影壇某些拍攝傳統相抗衡。現在大量的電影已瀕臨死亡邊緣，因為太注重外在的東西，刻意製造假像去迎合觀眾的趣味，反而淹沒了真實的情感，必須立即採取措施，儘量抹掉一切科技帶來的“化”，恢復“故事和角色”，現今的電影太過講求特效，卻忽略了電影本身的精神，他們主張現場收音、用手提攝影、不事後配音、不用濾鏡、以及拒用一切會美化畫面的手法。

看似粗糙的畫面渲染下蘊藏著是中國內地導演難得地細膩與敏感，髒亂的中國城鎮(南京)的背景和頻出的赤裸畫面下刻畫出的是成熟的成人世界愛情故事，在內地影片中一個不太純潔但難得純粹的愛情故事，電影裡的三男兩女都是將愛情視為禁臠的小理想主義者，只是兩個女人總是會因為自以為是而觸及底線，三個男人總是會因為異想天開而越入雷池。他們有執著於逝去的愛情而安靜自縊的，有迷信于光明未來而自我犧牲的，有服從於自我欲望而決然分裂的，也有涅槃於愛恨交織而心無羈絆的。他們在而立之年的愛情中都獲得和失去了什麼，最終領悟到了這個年代現實的力量而臣服。

變身有點麻煩的另類正義使者 / 油鬼子(The Oily Maniac) (1976)-觀後感

劇情簡介:
本片由蔡瀾編劇，何夢華導演在南洋拍攝的靈異電影。故事描述，沈元（李修賢）得了一幅有特殊功能的神秘圖案；按圖文指示，就會變成威力無窮的油鬼子；沈元變作油鬼子後，救了心儀女子亦殺了不少壞人。

觀後感:
本片可以堪稱華語Cult Film代表之一，南洋怪異迷信的題材，低俗粗劣的軟色情充斥電影，簡陋的道具和特效呈現，讓電影粗糙感造就了一種特別的風格。

電影故事其實很簡單，取材自發生於馬來西亞的降頭邪術，男主角慘成為非人非鬼的油鬼子，油鬼子威力無窮，為心愛的女人甚至連沐浴時也監視保護，同時又剷除她們身邊不少的壞人。片中僅採用了下三流的特效和刺人耳目的音效，但拍出低俗風趣感，結果惹來對恐怖電影愛好者的垂青。

電影在特效方面，可算十分有企圖心，尤其是非常具有實驗性質的液體變型特效，相信就當時技術來看，應該算是很屌的液體流動的特效，呈現油鬼子可以任意變成液體般神祕出現，但是如今看起來十分笨拙和可笑，就是簡單的遮色片(遮罩)方式呈現，但卻塑造一種非常獨特的視覺風格，也因為如此，更讓電影獨樹一格個性鮮明，更別說，那油鬼子的打扮，簡直就是特攝電影的效果服，笨重又不精緻，彷彿是一隻骯髒污穢的米其林先生。

大家都知道，邵氏電影以開拍武俠片、動作片馳名，而其他作品如喜劇、浪漫、音樂劇等類型片也相當成功，但其實恐怖片最為顯著。其實邵氏恐怖片對近年來的新作有深遠的影響，尤其是何夢華及桂治洪的怪誕巫術及降頭作品。當時邵氏放棄了浪漫淒美的鬼片，取而代之是一連串降頭邪術片，題材環繞愛情詛咒、蛀蟲纏身、盜墓等惡行，並連場墮落邪惡的性愛場面作招徠。由於當時這種另類驚 聳片大行其道，有趣之處是之後導致西方人對來自泰國及南亞各地的邪術聞風喪膽，日後亦成為三級港產片興起的基石。時至今日，一些極端獸性的電影仍以此為基調，並成為Cult Film愛好者的垂青。

這部電影表面是一部恐怖電影，其實本質上是一部探討人性的電影，主角沈元的心理變化一直貫穿於整部電影。沈元狂妄、以自我為中心的心理導致了他開始失控亂殺人，同時是整個悲劇的根源，他渴望被人愛，當得不到滿足時，便產生的強烈的挫敗感。即便被人愛的心理得到了滿足，他未必能走上正常軌道。

好在我們有電恐怖片，可以滿足我們最原始的滿足。其實這種想法確實庸俗和低級了點，人類文明發展到現在，其實目的是遠離動物性無限的接近社會性，這樣就不會產生人類物種自我殘殺的滅絕。我們可以有更崇高更文明的想法，學習文學、瞭解哲學、崇尚科學、信仰宗教，這一切可能都是為了達到那個目的的。

影片中的油鬼子其實是南洋傳說中的竊賊，滿身油光，眼睛發亮，馬來西亞的古老傳說，“油鬼子”這種東西，“油鬼子”是人不是鬼，是得了法術具有隱身術本領 的竊賊。為什麼會被稱為“油鬼子”呢？因為這一類半邪半惡的江湖術士，半夜出外造案時光著身子，滿身塗油，從臉部到足部光光溜溜，不容易被人抓緊，更是一 轉身便逃走無蹤。