午夜夢迴巴黎浪漫奇遇記 / Midnight in Paris(2011)-(台譯:午夜•巴黎)觀後感

劇情簡介:
吉爾與未婚妻將於秋天舉辦婚禮，在那之前，他和女友一家人前往法國巴黎度假，一同遊覽風光明媚的花都。然而，在旅途中，彼此之間的感情與價值觀，卻隨著城市中的所見所聞，而產生微妙的變化…。

觀後感:
因為工作關係，必須離開臺北，帶著緊張又興奮的心情拖著沉沉行李進入海關，我知道路口正是我離開臺北的開始，進入機艙，幸運的靠窗位子讓我可以看到松山機場起飛後的內湖科技大樓和臺北城市，不真實的大小懷疑建築是模型吧?飛機伴隨著低沉引擎聲響逐漸上升入雲層，棉絮般的雲層，一片片如糖絲如棉絮，陽光下的雲層，額外不真實；短短一個小時多的飛機，松山與虹橋，熟悉到不熟悉，繁體到簡體，種種的衝擊太快讓我感受到這一切的不一樣，棋盤式街道，擁擠的地鐵公共運輸，大樓叢叢都市拐個彎巷子內卻藏有古老樸實的老街，甚至誇張的連呼吸的味道都變了，這是一個充滿異國風情和歷史風霜歲月累累的都市，我到了這城市-上海。

來上海幾天，調適自己從觀光客變成在地客，尤其在台灣不習慣捲舌的音，慢慢刻意去模仿，將舌頭捲起頂住上顎發出怪異音階，可能不成功，還是被認出是來自南國台灣，但這無所謂，我就是來自台灣；整理生活差不多了，忙裡偷閒找了Woody Allen新作來看《午夜•巴黎》，有趣的是，故事也在講來自美國到到他鄉巴黎旅行觀光的男子，一次午夜意外進入了城市古老的回憶，有些奇幻有些浪漫，讓筆者我很容易投入劇情，彷彿自己的處境，此外，電影處處Woody Allen的影子，可說是Woody Allen老伍透過電影劇情，將個人內心創作的誠實告白和剖析。

Woody Allen一定是熱愛巴黎(誰不熱愛)，《午夜•巴黎》是一場流光溢彩的美妙盛宴，在輕柔的爵士配樂中每一個畫面都美得令人陶醉。艾菲爾鐵塔、盧浮宮、花樹、小巷、咖啡館、塞納河與石板路都被鏡頭罩上了一層柔和的光暈。整部影片的物件仿佛是透過情人的眼睛看的，處處泛出蜂蜜色的甜蜜，溢到觀眾的眼裡，讓人很難不心生嚮往。但這個巴黎畢竟不是主角吉爾所緬懷的精神家園，二十世紀二零年代那些文萃彙集、百家爭鳴，轟轟烈烈中誕生了超現實主義和立體主義的世界藝術之都才是他念念不忘的黃金時代。音樂、美酒、聚會、沙龍，與各大文豪藝術家們唇槍舌劍指點江山，這才是吉爾心馳神往的靈魂故土。

午夜十二點整，正當鐘聲敲響的時候，奇妙的事情發生了，一輛古董老爺車緩緩駛過，車上的人極力邀請他參加一場晚會。微醉的他被拉上車，穿越時光，來到了嚮往的二十世紀二零年代……宴會上，吉爾驚異地發現坐在鋼琴前彈唱的是著名的音樂家Cole Porter，伴隨著輕快的情歌《讓我們開始做吧》(Let’s Do It)，他又碰見了菲茨傑拉德夫婦、海明威，和他們相談甚歡，在接下來的幾天夜裡，吉爾碰到的大人物還有Gertrude Stein、畫家Picasso、超現實畫家Salvador Dali、作家T.S. Eliot、野獸派畫家Henri Matisse、超現實藝術家Man Ray、電影導演Luis Bu uel等。

導演借用這些人物，說了不少自己的看法，比如：“我們都懼怕死亡，對自己在宇宙中的位置迷惑不解，但一個藝術家的角色並非向絕望低頭，而是尋找對抗空虛存在的解藥。”

不難看出，主角吉爾，基本上就是Woody Allen的化身，或許他們都想成為一個能寫出偉大作品的獨立作家，而不是一個被好萊塢買斷的庸俗劇作家，當然他也聰明睿智，卻膽小碎嘴，不得妻子意，個人特性完全複製導演本人。於是，導演安排吉爾迷失在2010年的巴黎街頭，做了一個荒誕滑稽而又美好浪漫的夢。Woody Allen就插入了一長段巴黎絢麗美景的流動韻律，當他攜帶妻子和一眾家人進入巴黎，那位作家亦即Woody Allen肆無忌憚的幻想，急不可待的懷舊以及對於自身過去粗俗不堪鄙夷的姿態就被無可避免的放大了。這位作家陷入了創作的困境，他時刻堅持自己寫作的自主性，厭惡好萊塢對於作家自身書寫權利的干涉，他對巴黎紙醉金迷的現代生活毫無興趣，反而瘋狂迷失於二零年代海明威所稱之為的流動盛宴。在這其中，老婆崇拜的那位評論家保羅角色的出現，可以看作是Woody Allen對於美國電影評論界的無情嘲諷，自以為是，道貌岸然，藝術教授在每一次的展覽中活動中都會令人生厭的引經據典而毫無皈依繆斯女神的誠意。這樣的表現顯然是Woody Allen眼中評論家的嘴臉，也許是從那起媒體口中所稱之為的醜聞開始，Woody Allen與評論界的關係就不怎麼友好，他斥責媒體無心關注自己作品的客觀品質，而只是捕風捉影的從個人生活的邊角料中發掘針對自我的觀點和視角。因此，厭倦了鎂光燈轟炸的Woody Allen將巴黎看作是逃避庸俗目光的化外之境，而二十年代為了藝術而藝術的風流和清韻更是讓其垂涎不已。

如果說《情遇巴賽隆納》（Vicky Cristina Barcelona）是Woody Allen離開紐約紛繁喧鬧的城市生存而第一次真正進入到歐洲大陸遊記式的想像和漫遊的話，那《午夜•巴黎》則可以看做是這位忠實於紐約本土城市記憶知識份子的一次跨越時空的內心朝聖。作為土生土長的紐約人，Woody Allen以自己天才般的戲謔和幽默記錄和展示了紐約客與這座城市數不盡道不清的關聯和細節，無論是《安妮霍爾》(Annie Hall)、《曼哈頓》(Manhattan)還是《子彈飛越百老匯》(Bullets Over Broadway)，Woody Allen將幾百萬紐約人日常的無聊，憂愁以及絮絮叨叨融入了自己的劇本寫作和影像表達之中，這些襲入內心的真實在博得紐約人莞爾一笑的同時，更激起了關於偶然，理解和情欲的哲學問答。如此成功的個人表達為他在紐約，乃至全球的戲劇以及電影圈中贏得了無數的讚譽和激賞，他更被紐約人樹立為紐約知識界和文藝指標性人物。

電影結束了，我幻想如果我遊走在上海夜晚街頭，如果忽然時空錯亂，進入二零年代，我想我會碰到誰?

山寨金剛大鬧東方之珠 / 猩猩王(The Mighty Peking Man)(1977)觀後感

劇情簡介:
探險家正風 (李修賢飾演)到森林探險，遇到大猩猩及女泰山阿維。惜正風誤墮娛樂商人魯天圈套，猩猩王被帶往香港表演。阿維不忍心大猩猩被淩辱，傷心不已。魯意圖污辱阿維，猩猩王大怒，大肆搗亂…

關後感:
星期六晚上與她在電話中閒聊，她剛看完國民片《塞德克巴萊》，情緒還處在感性氛圍中微醺，她便問我剛剛在做什麼，我說我剛剛看完一部港片，片名叫《猩猩王》，簡易的口頭描述電影內容，卻換來電話那頭她的笑聲連連說:「好Cult!好Cult!」

邵氏電影真的很妙，各種題材皆可玩到瘋癲，甚至可以跟上潮流，但《猩猩王》作品應該是它們電影作品中算最尷尬其中一部吧!不管示故事或是設定，可說完全是”借用”經典怪物電影《金剛》(King Kong)，當時邵氏電影肯做出這麽大的動作，一方面邵氏公司如日中天財力雄厚，再就是七十年代末，風行二十多年的古裝武俠片越來越有降溫之勢，另外受好萊塢電影間接影響，因為剛上映重拍板《金剛》(King Kong)(1976)版本，許多觀眾開始喜歡這種科幻怪物電影，於是邵逸夫急於開發新的類型來保持邵氏在香港電影市場上的影響力。1975年首部超人片《中國超人》小試牛刀，《猩猩王》除導演改爲何夢華外，再次啓用原來班底，怪咖導演何夢華拍過《西遊記》，對於神怪特技有著豐富的經驗，袁祥仁依舊擔任動作指導，主演還是年輕的李修賢。

《猩猩王》顯示出了邵逸夫走向國際化的野心，耗鉅資到印度拍攝外景，請日本特技隊做技術，並找來豔星Evelyne Kraft做猩女郎，儘管特技跟國外相比略顯粗糙，但是在當時的亞洲影壇還是數一數二。故事情節與老版無太大差別，令人興奮的是這次猩猩是沖進亞洲，走進香港，把香港灣仔地區搞的人仰馬翻，天翻地覆！影片後面有將近半個小時的特效場面，猩猩王爲救自小撫養長大的阿維，砸路毀橋，並大肆破壞樓宇，雖然某些場景看上去很假，像軍隊的坦克和戰鬥機根玩具沒什麽兩樣，可考慮到當時的技術，能夠拍成這種水平也算不錯了。

導演何夢華，他所拍過的電影類型更是五花八門，完全不輸給怪品味導演桂治洪，何夢華一生拍片超過五十部，雖然多數時候隨波逐流，黃梅調、武俠片、功夫片每個潮流之中，都可見他的作品，但能幾十年在邵氏不倒，可見自有一套路數。何夢華的獨特之處就在於擅長視覺特效的奇淫技巧，拿《猩猩王》來說，巨大無比的猩猩，對金髮美女產生情愫，甚至在金髮美女與男主角親熱時，還會偷看而吃醋到處破壞，實在荒謬搞笑；何夢華導演實在很會透過中小細節去公然挑逗男性觀眾，女泰山的裝扮，極少的布料覆蓋在身材火辣的豔星Evelyne Kraft身上，常常大動作讓害羞部位都呼之欲出，看了實在臉紅心跳，加上簡直露一球乳房的裝扮，觀者目不轉睛的在著她身上游移。片中最誇張一段應該金髮美女的大腿內側被毒蛇咬傷，男主角非常的勇敢，毫不猶豫的嘴巴嘟上去幫她吸取毒液，呻吟聲不斷，此時特寫手部畫面，用力緊抓的床墊，太搞笑了。

本片有太多可笑的部份，最好笑應該是本片片名叫《猩猩王》，還以為要學《King Kong》，但其實並不是，而是電影中所出現那隻巨大猩猩名字叫「阿王」(囧)，所以顧名思義電影片名叫《猩猩王》，假設那隻猩猩叫「阿貓」「阿狗」，有可能片名就有所變動。

這片如果只單靠導演奇觀式視覺特效，可能還稱不上什麼有趣的邵氏Cult Film，恰好有一位有力人士的參予，才會讓本片稱上怪誕，那個人就是倪匡，以前對倪匡的刻版印象就是科幻小說和奇幻小說家，充沛創作能量和大量產出作品為名，有點雷同台灣的九把刀，題外話，寫到此恰好想到友人形容九把刀豐沛的創作能量，就像拉肚子、澇賽(台語)一樣，一洩無法罷休，而相反的其他作家創作就像便秘一樣，文字怎樣擠也擠不出來的痛苦；後來慢慢接觸邵氏電影，在許多怪異電影都看可到倪匡參予編劇一職，才對這位神秘又商業的文字創作者有所了解；倪匡喜歡直入主題，不喜歡講求前戲，所以，在他編劇的電影中，幾乎沒什麼看不懂得懸念及伏筆設計，直來直往的劇情，近而像電視肥皂劇般親民通俗，獨特是帶有他個人濃濃的科幻奇幻色彩；這部影片當然就是由倪匡編劇，可以說混合了所有港片的賣座元素，明星，異域風情，機關陰謀，冒險愛情還有倪匡鍾愛的非人類的超我想象。

設計了人類與自然的對抗，以及人類與動物的相處。主題非常明顯，抨擊唯利是圖的商人，譴責那些心計深重的虛僞的人。將原始森林描繪成人類的淨土和最後一個可以棲息的純淨的美麗家園，整部影片就是一部商業元素電影的大集合。當然現在看來，影片中猩猩王的造型有點落伍，故事也有點太過於簡單，不過對於當年的商業片來說，還是一部可以帶著輕鬆心情好好觀賞的電影。

恐懼背後其實是人性 / 蠱(Bewitched)(1981)觀後感

劇情簡介:
人跡罕至的野外，人們突然發現了一具死於銳器插頭的女童屍體，黃警探受命負責此案，各種線索迅速彙集，犯人的身份很快真相大白，原來竟是女童生父林偉親手用九寸釘殺害了女兒。林偉對罪行供認不諱，但提出自己之所以這樣冷血是被人下了降頭的緣故。

三個月前，林偉隨旅行團赴南洋旅遊，一心求豔遇的林偉在街上偶遇一位泰國女郎，林偉誤會了對方的身份，玩起了感情遊戲，輕易付出承諾卻無心兌現。結果在兩人約定的日子，林偉周圍開始發生一系列怪事，先是胸口長出了一團毛髮，小女兒的舉動也變得怪異，疑心女兒要加害自己的林偉不堪重負，將女兒殺死……

犯下重罪的林偉請求黃警探查明真相，於是後者遠赴南洋，進入了降頭的神秘領域。

觀後感:
經典的作品，不管時間過了多久，都還是悄悄被人重新挖掘出來，拂去時間累積的塵埃飛土，再次的曝光亮相與被討論，這些經典作品能歷久不衰原因，就是耐得住時間的考驗和作品本身所給人的精神和能量仍存，這是難得的，而今天要討論的是，隨著時代轉變及資訊發達的今天，人們所接受的資訊程度越來越多元，相對也培養出各種類型品味愛好者，過去優秀作品，被後人重新討論是理所當然，但如果作品惡劣到某種程度，或是惡名昭彰，也是會被重新討論和定義，但有趣的是，這中間會產生許多轉變，甚至可能翻盤，由劣轉優的情形，尤其是Cult Film及奇觀電影最為顯著。

而我所接觸的桂治洪的電影，直接感覺就是大俗大雅，血腥、裸露、怪力亂神、蟲、腸肚內臟，太多的粗劣的手法，而他所玩過的題材廣泛，包括犯罪、靈異、武俠、艷情、甚至是卡通動畫，算是多才的導演；當中他的犯罪及靈異類電影最為人津津樂道。當還大家在保守害羞的拍攝手法時，他早已大步大步百米速度往前奔跑，將港片帶領到前所未有的時代，加上獨樹一格美術風格，和偏門題材，讓他早在七零年代和八零年代，已經在華人Cult Film界中嶄露頭角，擁有一片天。

回頭看這部，邵氏經典恐怖電影《蠱》，顧名思義就是講南洋邪教下蠱的故事，就電影故事結構上，以現在眼光看來，還真沒有什麼太大的懸念，偏於直線式敘事手法，很容易讓人猜透電影走向，從一開始就大約可以得知整件事情的脈絡，而且基本上情節也都會順著我們所期望卻不希望看到的方向發展。電影基本上不在故事本身做文章，以桂治洪導演的電影風格，導演會特別用力在視覺特效和下蠱的細節描述，電影，由於選擇的立基點很好，下蠱，有著充分的文化背景。所謂越是文化的，越是世界的，而導演手段雖然雖不完美，但還是以較嫺熟的基本功運用各種的恐怖元素，並不追求在影片拍攝過程的突破，而在於緊緊圍繞著降頭本身來敘述。所以，我覺得，這部電影還是很成功的。即使對於下蠱文化不瞭解的朋友，也可以從這部電影的恐怖情節節奏裡體味出別致的恐懼感。

幾乎每部電影，就好像一部論文，有它的理論點，有它所針對問題的物件。這也是我們在看一部電影的時候要明白的事情。否則就好像吃路邊攤想感受平民化的人情味，而卻又抱怨空氣食物的不乾淨不如五星級飯店。有時電影也犯這樣的錯誤，有時影評人也犯這樣的錯誤。不錯，每部電影即使在它欲表達的領域裡也有所欠缺，可即使我們的批評也要建立在該領域，極端的說即不能強求一部恐怖片不幽默。

當然，片中也有其他恐怖片相通的元素，半夜恐怖的小孩附身、姿態，人恐懼的眼神，懸念，突然的轉身、超能力隔空做法，對這些元素的運用，體現一位恐怖片導演的基本功，對這些元素的領悟，也可直接體現在恐怖片的整體上。

這樣的恐怖片，讓我們記住的並不是恐怖本身，也許看時害怕，但觀影過後，你會發現在殘忍與痛苦之外，電影它讓我們接受了更為現實的東西。原來生命如此脆弱，人都害怕痛苦；原來男人如此風流又膽怯，愛情也不過是一場玩弄的遊戲，至死不渝原來是冤冤相報，永無止境的輪迴。在你身體的所有防線被一一擊破後，透過恐懼的本身，這些的理解不再那麼單薄。這便是在感受恐懼之外，理解到的另一層東西，應該是人性吧。

人生就是許多沒有理由所構成的時間軸 / Rubber (2010)-(台譯:超能輪胎殺人事件)觀後感

劇情簡介:
影片描述一群觀光客在觀測沙漠中央的海市蜃樓。然而現在他們眼前的竟是宛如B級電影般的怪洨光景：一條廢棄在沙漠的輪胎”羅伯”竟莫名出現生命跡象，他首先學習如何滾動，從把小型生物輾得噴汁爆血的過程中，初次體驗生命的美好；他對一名人類女孩一見鍾情，認定她是今生的新娘。

不久後，羅伯獲得了一種神奇可怕的超能力－他再也不用辛苦滾動去輾爆獵物，只需靜待原地，就可以對付任何它想毀滅的目標…

觀後感:
這是一部很妙也很諷刺的電影，電影主角不是人類，而是一個廢棄的輪胎，夠怪了吧!而它還有名字叫”羅伯”，忽然間莫名其妙由無生命狀態，轉變成有生命狀態，搖搖晃晃開始滾動，並展開他的報仇公路之旅，這一切都來的太莫名了，但就像片頭警長所說的一切都是「沒有任何理由！」

很難定義這是怎樣的一部電影，外表看似廉價的公路殺人狂B電影模式，一條無止境的公路，荒涼無生機的沙漠，一件又一件的慘絕人寰爆頭謀殺事件，一位性感火辣的美少女，一群死氣沉沉辦案員警，當然這類型電影少不了理所當然的大量血腥暴力，如果只是這樣的電影，不用特別介紹給大家，就是該片導演巧妙神來一筆的無厘頭劇情、諷刺、哲學、反問，更有無數線索反復暗示著片子裡各元素的象徵意義，讓這部電影變得有點與眾不同。

一開始以為電影要玩的把戲是，諷刺人類濫用合成物或是塑膠物，造成環境污染而產生輪胎僵屍復活，有如病菌般一一傳染被其他被淘汰的輪胎，進而對人類產生反擊，他們不咬人，而是有種超能力讓人爆頭，尤其一幕主角輪胎來到一堆準備被焚燒輪胎堆前，異常的悲傷感無常感，它們也經歷過如人類生老病死的過程，被產出，使用，損壞，遺棄，與人類一生沒有什麼兩樣。但想想，也許導演沒有想那麼多，純粹只想表現一種莫名的暴力，「沒有任何理由！」再次被提出來，想想新聞報導的社會事件，暴力就潛藏在你週圍，國際恐怖事件攻擊更變成防不勝防的暗瘡，何時要發作沒人知道的恐懼。

此外那些觀眾，雖然這些暴力事件和他們一點關係也沒有，但他們仍然很感興趣，不知疲倦的追蹤“輪胎”或暴力事件的發生。他們明知道輪胎會導致傷亡，卻仍不加阻止，就像現實世界中的旁觀者們，事不關己高高掛起，但又通過八卦，電視，電影，如此熱衷於追蹤正在發生的暴力事件，同時卻很少表露同情或反思。表達了現實世界中的冷漠。但他們不知道總有一天這些事情會發生在他們身上，就像最後死的那個坐在輪椅上的。這個世界就是一個輪迴，暴力的輪迴。

這無疑是一部作者電影，充滿了個人風格強烈，總是提出問題一向作者自己提問，也向觀眾提問，可是幾乎所有的問題都是無法回答的，只會引入更複雜，更矛盾的問題來。事實上，這也是電影作者們的樂趣所在。作者電影，他們共同的思想邏輯與藝術表達，從來不相信人性與人生是有標準答案的。所以他們只是頑強地向人性隧道深處開掘著，不想給人們種種貌似真理的謬誤。其實，個人的人性常常蘊涵著人類的人性。個人就是世界。

怪怪惹人愛 / Pee-Wee's Big Adventure(1985)(台譯:皮威歷險記)觀後感

劇情簡介
笑匠Pee-wee Herman的第一部劇情片，心愛單車被偷的他，決定跨越美洲，尋找單車，一路上他遇上了女侍、卡車司機等各式各樣有趣的人...。

觀後感:
大膽假設，如果動畫影片透過真人演出會是什麼模樣?
結果就會像Tim Burton的電影一樣，整部電影嘻嘻哈哈歡笑聲不斷，天馬行空想法完全顛覆傳統敘事手法，加上很憋得造型和表演語言，如繽紛糖果般的色彩調性，而這部《Pee-Wee's Big Adventure》就是最好的代表。

Tim Burton這位怪誕導演，放眼觀看好萊塢電影圈中，無庸置疑他的作品風格算是最鮮明獨特的一位導演，不管是黑色幽默及陰森哥德式風格，這位老兄就是可以走出自我風格一派，作品總是給人最奇幻詭異的美感，以及作品中總是有一個永遠蒼白臉龐及纖瘦身材的男主人翁，穿梭在電影時空中。在他的電影裡，令人愛不釋手原因除了畫面的呈現，當然還有那引人入勝的新奇故事，不管是《斷頭谷》(Sleepy Hollow)如詩如畫的霧中村落鄉野傳奇，或是《剪刀手愛德華》(Edward Scissorhands)的繽紛童趣浪漫愛情，還是《大智若魚》(Big Fish)的童話奇幻父子情懷，總是能在他絢麗視覺糖衣下，嚐到酸甜苦辣貼近人性故事。

相信大家對Tim Burton的作品應該不陌生才對，筆者自己也是Tim Burton的忠實影迷，回想起筆者第一次觀看他的電影心情，初次見面總是深刻，時間點可要推回到上個世紀的八零年代，當時還是三台時代，星期六日都會播些好看外國電影，當然還有影集《馬蓋先》，更以一句經典台詞「帥啊！老皮！」讓觀眾印象深刻，這些都是題外話，記得當時看了一部很怪的鬼片，被電影光離古怪氣氛吸引，記憶猶新記得電影內容主要講著一對年輕夫妻，一次意外車禍死亡，而兩人殊不知自己死亡，返回到自家時，房屋內卻已經入住新主人了，這對夫妻非常錯愕及生氣，但經過幾次靈異體驗事件，才發現兩人早就身亡的事實，為了要趕走房屋新主人，他們先必須學會如何嚇人，而學習對像是一本叫鬼魂手冊和一位叫陰間大法師的人，筆者當下就被強烈的視覺風格給吸引住，十分荒謬幽默，尤其電影中所出現的鬼怪，有種說不上來的喜感和陰森，明顯表現主義的扭曲的場景設計，動作卡卡的黏土動畫呈現，讓筆者印象太深刻了，後來長大後才知道當時看的電影，就是Tim Burton的《陰間大法師》(Beetlejuice.)。

《Pee-Wee's Big Adventure》算是Tim Burton個人商業電影的處女作，但可惜的是，該片在台灣地區算是罕見的，所以導致普遍大眾對Tim Burton的作品，應該是從《剪刀手愛德華》開始進入他的奇幻世界，而這部《Pee-Wee's Big Adventure》卻被徹徹底底忽略，筆者觀看後，發覺該片才算是真正Tim Burton最原汁原味的創作，甚至還帶濃厚的Cult Film風格；但要判斷一部影片是否屬於Cult Film是一個見仁見智的問題，除了那些手法獨特、題材詭異、劍走偏鋒、風格異常、帶有強烈的個人觀點、富有爭議性的，暴力片、科幻片、恐怖片、黑色喜劇、西部片、實驗電影等等各種標榜著另類和決不妥協口號的電影之外深受“小眾”追捧也是其重要特徵之一。這類影片在影院上映之初也許並不起眼，但在一段時間之後反而重新被發掘，大受關注之余也成為別人的至愛，到後來產生深遠的影響也說不定。

《Pee-Wee's Big Adventure》故事採用了公路電影模式，之所以選擇這種模式首先是因為它符合導演骨子裡的那種兒時難以抹去的歷險情結。從小自閉的性格使Tim Burton瘋狂地執著於幻想，執著於幻想中的童話世界，童話世界裡主角的冒險故事佔據了他太多的有童年記憶，因而其大多數的電影都是以主角的歷險經歷作為故事的主體構架的。其次公路電影是一種相對廉價又較易成功的題材模式，像早期的大名鼎鼎的《逍遙騎士》（Easy Rider）、《我倆沒有明天》(Bonnie And Clyde)，八十年代倍受學院派親睞的《雨人》（Rain Man）和九十年代的《阿甘正傳》(Forrest Gump)，以及近幾年的成功範例《尋找新方向》(Sideways)、《小太陽的願望》(Little Miss Sunshine)皆是採用這種模式。

但是Tim Burton的首部作品並沒有像以上作品一樣在票房，亦或是在評論界的引起巨大轟動。畢竟，公路題材絕非Tim Burton的最強項，雖然《大智若魚》(Big Fish)有點接近個人風格化下的公路電影，但敘事手法還是和本片有明顯上的差異，而那種無拘無束，天馬行空的異想化風格，在當時，由於種種因素的限制，無法得到淋漓盡致地發揮。片中的一些魔幻鏡頭雖然給人些許驚喜，但稍顯唐突，另外一些情節諸如酒吧邂逅飛車黨的一段則有明顯濫竽充數的嫌疑。

不過總體來說，影片不乏亮點，尤其在表演上，男主角藝名就叫Pee-wee Herman，和電影主角一樣，這位當時電視界的諧星，他在片中的表演喜劇色彩極濃，獨特的語言腔調，怪異的肢體語言，把Pee-wee這個角色塑造的的分外可愛又搞笑，很多人看完都覺得他像Mr.Bean，但是我否認，因為兩人表演的基礎是完全不同的，Mr.Bean雖然和Pee-wee Herman都喜歡穿著過小西裝，但Mr.Bean的喜劇笑點來自於一種醜化自己，造成詼諧和不協調感的幽默，甚至他有點惡人無膽的窩囔行為，強力反差下的喜感是觀者可以預料的，但是Pee-wee Herman，個人認為他的笑點是高招，他完全就是反社會反傳統的縮影，透過成人的外表，但內心依舊住個小孩子靈魂，誤闖了人蛇雜混的社會，緊要關頭他透過他單純本質去化解危機，如電影中遇到老女鬼、甚至遇到兇神惡煞通緝犯和機車檔，結果皆可變成好朋友，甚至在Pee-wee Herman的世界觀裡，善良才是最大力量，片中火燒寵物店情節，他不懼火焰高昂，救出寵物店的寵物，包括最怕的蛇。

整體來說，Tim Burton的處女秀驚豔有餘，但影響力明顯不足，以至於多年後，提起Tim Burton的影片，甚至一些資深影迷都對這部片子都不瞭解。但至少本片為Tim Burton以後的創作定下了基調，而他的影片中與眾不同的各色人物類型和離奇的場景，在未來的影片中逐步進化，蛻變，逐漸形成了一種標籤，一種符號，為Tim Burton電影風格的最終形成打下了基礎。